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  • VUITANTA-SIS contes i barbolles. Albert Planelles

    VUITANTA-SIS contes i barbolles. Albert Planelles

    Els microrelats presentats formen un conjunt de textos breus, però intensos, plens de metàfores i idees que conviden el lector/a a relectures. Barregen absurditat, humor, crítica social, introspecció i reflexions sobre art i literatura amb un llenguatge ric i precís. 

    1. Absurditat
    Hi trobem des de reflexions filosòfiques sobre l’obertura mental ¨Creure¨, fins a escenes grotesques ¨Sala d’espera¨, històries com “Judicis”, “Portes”, “Concurs” o les dues peces sobre l’“Àpali!” ens mostren com la lògica quotidiana es capgira i provoca perplexitat i somriure a parts iguals.

    La realitat es desfigura per donar lloc a escenes oníriques: arbres que es revolten ¨Revolta¨, criatures estranyes sorgint d’insults ¨Criatures¨, objectes que esdevenen protagonistes ¨Defectes¨. Relats com “Realisme Màgic” i “Somnis” evoquen Magritte i el surrealisme literari amb imatges impossibles.

    Aquesta dosi de fantasia manté viva la sorpresa del lector.

    2. Humor
    Molts dels relats juguen amb l’humor: un llibre que mata els lectors ¨Lectures¨, un assassí que se suïcida per evitar reincidir ¨Reincidència¨, un home que “es defensa” fins a provocar una mort accidental ¨Defensa¨. 

    “Caritat” converteix un gest compassiu en una escena sexual incòmoda i hilarant. “Crims” i “Assassins en sèrie” exploren la violència i la seva banalització, però amb finalitats iròniques. “Sopar caníbal” dona la volta al ritual caníbal.

    Aquest humor funciona com a mecanisme de crítica i desdramatització de temes tabú, aconseguint que alguns temes greus —violència, alienació, frustració— siguin més digeribles i alhora més punyents. 

    3. Potència visual i llenguatge ric
    L’Albert Planelles treballa amb un llenguatge amb moltes imatges i sensorial: paisatges industrials descrits com a muntanyes i semàfors ¨Paisatge¨, escenes de vent que acaben amb una tragèdia quotidiana ¨Vent¨, descripcions quasi pictòriques de personatges que semblen relíquies ¨Temps¨.

    L’Albert Planelles té una prosa molt expressiva, plena de metàfores i girs poètics amb un llenguatge molt precís, característica aquesta última de tota la seva escriptura.

    4. Crítica social
    Hi ha una mirada crítica envers les convencions socials, la política i la cultura. Es denuncia la hipocresia institucional ¨Acords¨, la buidor dels discursos ¨Alternatius¨, l’obsessió per la novetat i el consum ¨Cafè¨, o la dificultat de comunicar-se autènticament ¨Defensa¨. 

    Crítica la societat contemporània: ¨Prediccions¨, ¨Pèrdues¨. Textos com “Activitat política”, “Ministeris”, “Premi literari” o “Sanitat” són obertament satírics. 

    5. Introspecció
    Diversos microrelats exploren la condició humana: la impossibilitat d’abastar tot el coneixement ¨Llegir¨, la repetició obsessiva com a condemna ¨Dèria¨, el pas del temps i la memòria de la infància ¨Jugar¨. Alguns relats tenen un fons més trist o introspectiu: “Interrogatori” explora la mort com a metàfora de buidor vital. “Un pobre” reflecteix l’exclusió social i la mirada classista. “Lul·lianes” 1, 2 i 3 parlen de l’amor i la traïció en clau mística i filosòfica. “Desaparició” acaba sent una metàfora potent sobre la renúncia i el silenci.

    6. Reflexions sobre art i literatura

    Diversos relats es miren el fet artístic amb distància irònica: “Èxit” i “Plagi” parlen de la frustració creativa i el reconeixement social. “La pintura del silenci” i “Articulisme” reflexionen sobre el procés creatiu, el pes del buit i la necessitat d’expressar-se. “Llibreria” juga amb la confusió entre llibres i lectures, fent una crítica subtil al mercat editorial.

    Com a conclusió, podem dir que VUITANTA-SIS contes i barbolles, publicat per Tèmenos Edicions, és un recull de microrelats molt potent i variat. La brevetat dels seus textos obliga a la concentració d’idees i a l’eficàcia expressiva. En Planelles aconsegueix condensar pensaments complexos en escenes de gran força.

    És un conjunt de microrelats recomanable per lectors que gaudeixin d’una narrativa intel·ligent, amb un toc irònic i, de vegades, desconcertant. Són textos que conviden a la relectura, perquè cadascun amaga capes de significat que es descobreixen progressivament. En definitiva, VUITANTA-SIS contes i barbolles és un recull variat, ric i imprevisible on cada text és una petita peça autònoma que sacseja el lector/a amb imaginació, ironia o reflexió filosòfica. Un llibre perfecte per a lectors que gaudeixen de l’humor intel·ligent, el surrealisme i la crítica punyent de la realitat.

    Podeu conèixer més de l’autor a l’entrevista que li vam fer a la Revista.

    VUITANTA-SIS contes i barbolles.  Microrelats d’Albert Planelles 

    Tèmenos Edicions, Barcelona 2025

  • Entre dues fosques: La luz y el abismo en la poesía de Antoni Vidal Ferrando

    Entre dues fosques: La luz y el abismo en la poesía de Antoni Vidal Ferrando

    Entre dues fosques. Antoni Vidal Ferrando. Editorial Proa


    Entre dues fosques, la última obra de Antoni Vidal Ferrando, nos sumerge en un universo poético marcado por la profunda melancolía y la honesta reflexión. Este poemario, cuyo título evoca la idea de la existencia humana como un punto de luz entre dos infinitas oscuridades, se nutre del pensamiento de un poeta que se sabe en el final de su camino vital. A través de una cincuentena de poemas breves, Vidal Ferrando nos invita a un viaje por su memoria, sus preocupaciones y su amor incondicional por la literatura y la naturaleza, construyendo una obra que es, al mismo tiempo, un lamento y un canto de resistencia.

    Antoni Vidal Ferrando (Santanyí, 1945) es una de las voces más destacadas de la literatura catalana contemporánea, un poeta y narrador galardonado con prestigiosos premios como el Sant Joan de narrativa y el Carles Riba de poesía. Con el tiempo, ha logrado que su prosa, especialmente en sus últimas novelas, adquiera una fluidez poética que se centra en una visión vital, filosófica y política, teñida de la bondad que lo caracteriza. La voz del poeta, esa misma que late en el corazón de sus novelas, se hace aquí aún más palpable y nos recuerda que, más allá del verso, el autor es un hombre con una perspectiva única, forjada por la experiencia y el paso del tiempo.

    Ya en la primera página, Vidal Ferrando hace una declaración de principios con una cita de Vladimir Holan: «aquello que es solamente poético mata la poesía». Y es que su libro no busca la belleza vacía, sino que se enriquece con toques narrativos y una prosa que parece salida de un monólogo interior. El poemario se inicia con un sentimiento de nostalgia, un anhelo por lo perdido que se extiende a través de sus versos, evocando imágenes de un México rulfiano y la necesidad de cuidar la naturaleza.

    La voz del poeta se alza cargada de una tristeza que anida en su corazón, manifestada en la recurrente presencia de los cuervos. Sin embargo, en medio de esta oscuridad, late también la voluntad de recordar la belleza de la vida. Vidal Ferrando se siente abrumado por las grandes tragedias del mundo contemporáneo, ya sean los desastres climáticos o las guerras salvajes, y se pregunta si el único refugio posible es la gran literatura. Su poesía se nutre de referencias a autores como Rulfo, Faulkner, García Márquez, Swift, Lewis Carroll, Walt Whitman y Mercè Rodoreda, convirtiendo el poemario en una rica conversación con la tradición literaria.

    La melancolía del poeta es palpable en su percepción del final del camino, expresada en versos como «ni un sorbo de futuro» o en su lamento por la pérdida de las palabras: «Yo que siempre había amado las palabras, también las palabras que ahora busco, y las olas se llevan». Sin embargo, en su honestidad, también hay espacio para la memoria de aquellos que marcharon. A pesar de todo, Vidal Ferrando se rebela contra el desánimo. Su obra es un cruce entre un pasado edénico, un futuro que le preocupa y un presente que se presenta desesperanzador, especialmente ante la amenaza de opciones políticas extremas que «hacen llorar a los violines y matan las begonias». No obstante, su voz es la de un hombre que, a pesar de la desesperanza, manifiesta su optimismo con versos como «no me han de ver desfallecer, resistiré hasta que se acabe la tinta o hasta que no quede ninguna estrella».

    En Entre dues fosques, nos reencontramos con el Antoni Vidal Ferrando más grande, más poderoso y, a la vez, más triste y esperanzador. Es una obra donde la lengua brilla con una fuerza inusual, llena de adjetivos y sustantivos que se convierten en «purpurinas en la noche». Al final del libro, el poeta nos lega unas palabras de consuelo y un llamado a ser más atentos con el mundo. Entre dues fosques termina como empieza, como una luz en medio de la oscuridad. La obra de Antoni Vidal Ferrando es un faro que nos recuerda que, incluso cuando el futuro parece incierto, siempre nos quedarán las palabras, los recuerdos y la resistencia. Es una lección de humildad y una invitación a la reflexión que perdurará en la mente de los lectores mucho después de pasar la última página.

  • “Entre cristales y sombras”, de Alda Pascuzzo-Lima

    “Entre cristales y sombras”, de Alda Pascuzzo-Lima

    *Reseña escrita por “Qué Leer”

    “Entre cristales y sombras” marca el debut literario de la poeta venezolana Alda Pascuzzo-Lima. Un poemario que revela una voz llena de sensibilidad, y también un dominio técnico digno de una autora experimentada donde se interna en las complejidades de la dualidad humana, explorando los contrastes que habitan nuestra existencia.

    Dicha y sufrimiento

    Vivo entre la dicha

    y el cruel sufrimiento,

    amarte es ventura

    amarte es tormento.

    Como una promesa

    que se lleva el viento

    vivo entre la dicha

    y el cruel sufrimiento.

    (pág. 30)

    Publicado en 2023 por Luis Felipe Capriles Editor, este libro es una obra rica y profunda que muestra a una autora con un manejo impecable de las formas poéticas clásicas, como el soneto, la glosa, la silva y el rondel, entre otras. 

    Su destreza técnica enriquece la lectura y resalta la atemporalidad de estas estructuras cuando se combinan con una voz poética fresca y auténtica.

    Sin ti

    (Trioleto)

    Vivir sin tu compañía

    acaba con mi esperanza

    es más duro cada día

    vivir sin tu compañía.

    Es una carga sombría

    de la tristeza, la danza,

    vivir sin tu compañía

    acaba con mi esperanza.

    (pág. 66)

    El hilo conductor de la obra es la dualidad: el contraste constante entre opuestos que, en su interacción, dan sentido a nuestra existencia. Desde el título hasta cada poema, la poeta nos sumerge en un diálogo entre luces y sombras, explorando la vida y la muerte, el amor y el desamor, la dicha y el sufrimiento. “Entre cristales y sombras” sugiere un juego constante de contrastes y reflexiones.

    ¿Quién dice?

    ¿Quién dice que la muerte es el final del camino?

    ¿Quién sabe si quizás sea sólo el gran destino?

    ¿Por qué tanto temor si es que a eso vamos todos?

    ¡Si, pase lo que pase, iremos de algún modo!

    (pág. 38)

    Pascuzzo-Lima logra, con cada composición, que el lector transite por un paisaje emocional cargado de imágenes vívidas y reflexiones profundas, donde lo universal se convierte en algo íntimo. La musicalidad de sus poemas y la riqueza de sus metáforas logran que cada composición sea una experiencia única, cargada de belleza y significado.

    Uno de los aspectos más destacados de este poemario es la capacidad de la autora para conectar los temas de su obra con la experiencia humana de manera honesta y conmovedora. En sus versos, el amor no es solo pasión, sino también melancolía; la muerte no solo representa el final, sino un nuevo inicio de cuestionamientos. Cada poema invita a una introspección que es tan necesaria como inevitable.

    ¿Acaso si te amara todavía?

    ¿Acaso si te amara todavía

    el dolor que me embarga inconsolable

    para explorar un camino insondable,

    dejar mi corazón por fin podría?

    (pág. 63)

    Este libro es una obra para quienes buscan redescubrir la belleza de las formas clásicas al servicio de una voz contemporánea. “Entre cristales y sombras” es una invitación a contemplar la vida desde múltiples perspectivas, a perdernos y encontrarnos entre luces y oscuridades.

    Una oportunidad imperdible de realizar este viaje poético que, como la vida misma, está lleno de contrastes. Alda Pascuzzo-Lima ha creado un poemario para quienes aman la poesía clásica y quienes buscan una conexión emocional y espiritual en cada verso. 

    Si buscas un libro que te invite a viajar entre claroscuros, a explorar la fragilidad y la fortaleza de la existencia, este poemario es para ti. Alda Pascuzzo-Lima ha llegado a la escena literaria con una voz que promete quedarse y resonar. No te pierdas la oportunidad de descubrirla.

    ¡Lee poesía clásica con una voz contemporánea a través de “Entre cristales y sombras”!

    • Reseña escrita por “Qué Leer”
  • Notas y relatos desde Candelaria, de José Luis Regojo (Ed. Fuerte Letra, 2025)

    Notas y relatos desde Candelaria, de José Luis Regojo (Ed. Fuerte Letra, 2025)

    José Luis Regojo (1958, Caracas, Venezuela), vive en Candelaria (Sta Cruz de Tenerife). Es catedrático de lengua inglesa y traductor de la obra del ecopoeta estadounidense beat Gary Snyder, al castellano y catalán. Autor de diversos libros de gestión de entidades sin ánimo de lucro y artículos periodísticos en Es Diari de Menorca. Ha publicado los álbumes ilustrados Max y su sombra (Ed. Proteus, 2012) y Cuento contigo, Nala (Ed. Escribe Conmigo, 2021). También es autor del poemario Fronteras (Autografía, 2018), de los libros de relatos Recetas y relatos de un año bisiesto (Autografía, 2019), Trece meses (Ed. Platero, 2021) y la novela-diario El pino (Ondina ed., 2023).

    Ha publicado poemas y relatos en antologías y distintas revistas digitales. Es director de la Revista Abierta de poesía, Poémame (http://152.228.140.20/ y Secretario de la Asociación Cultural Canaria de Escritores (Acte).

    Tal como nos avanza el autor en la cubierta del libro, ¨Notas y relatos desde Candelaria¨, publicado por la editorial Fuerte Letra, “se comenzó a escribir durante el otoño del año 2022 y finalizó el mes de diciembre de 2024. La semilla de algunos de los textos que van a leer a continuación, vieron la luz “digital” en revistas de literatura con sede en Candelaria, como las revistas de la Asociación Tamasma Cultural y de la Asociación Cultural Canaria de Escritores (Acte), así como en mi blog personal”.

    La lectura de este libro va a sugerir al lector un puñado nada desdeñable de emociones. Porque cualquier isleño con raíces candelarieras se dará por aludido en los relatos protagonizados por el océano. A nadie dejará indiferente la Casa Las Miquelas, centro alfarero fundamental para ayudar a mantener viva la tradición alfarera guanche en la villa mariana. De la misma manera, nos tocará el alma, ese mito extendido de nuestra amabilidad y mansedumbre que se pasea por todo el libro. Como canaria, me siento identificada con ese carácter tranquilo, que no es docilidad, no se confundan, sino amor a la placidez y la calma.

    Desde la playa de La Viuda a Igueste, pasando por Cuevecitas o Barranco Hondo, Caletillas, Malpaís, Araya o la propia Villa, el lector pasea por los espacios conocidos y por los paisajes humanos más emblemáticos y queridos de Candelaria. El catalán que vino a sentir canario ha firmado su testimonio literario de estos lares. Y lo ha firmado desde su balcón, como a él le gusta decir. Con su afabilidad innata y sus horizontes de para en par, José Luis no ha tenido problema alguno en sentirse canario. Ha abrazado sin pudor nuestro léxico y nuestros modismos hasta hacerlos suyos. Se ha acostumbrado (no sin cierto esfuerzo, eso sí) a nuestro elogio de la lentitud en el día a día. Y se ha dejado meter hasta el tuétano esa canariedad que solo el que ama esta tierra conoce de verdad.

    “El libro está compuesto de sensaciones, reflexiones, divertimentos, todos ellos surgidos mientras miraba el océano a nuestro alrededor, (desde su ventana, añado yo) y que tenemos por espejo desde la costa candelariera, sin olvidar, por supuesto, los susurros permanentes de los barrancos que nos abrazan. Nada ni nadie es real, todo es fruto de la ficción”.

    Pero entre ficciones y veras, asoman en la obra la mirada crítica de quien ve al océano escupir un pañuelo palestino, o el asombro casi pueril de quien se sorprende ante la inmensidad de una tierra volcánica de sequero que dificulta el caminar, la admiración ante las leyendas de Barranco Hondo o Malpaís o la actividad cultural permanente de la Villa. Todo le fascina. Todo lo sorprende. Esperamos que a ustedes también. Felicitamos al autor por este trabajo, que sin duda aporta unas pinceladas de  literatura inigualables al panorama cotidiano de Candelaria, al paisajístico, al histórico y al humano.

  • Testigos de cargo, de Bruno Mesa

    Testigos de cargo, de Bruno Mesa

    Bruno Mesa (Santa Cruz de Tenerife, 1975) es un escritor y poeta español que ha publicado una notable variedad de obras literarias. Entre sus libros de poesía destacan El laboratorio (galardonado con el Premio Internacional de Poesía Fundación Loewe a la Joven Creación en 1999), Nadie, El libro de Fabio Montes, Testigos de cargo y Las raíces del vuelo. En el ámbito de la narrativa breve, ha publicado Ulat y otras ficciones (2007), que incluye un relato ganador del Premio Internacional de Relato Breve Julio Cortázar en 2004, y Literatura fantasma (2022). Además, es autor de la novela El hombre encuadernado, el libro de ensayos Argumentos en busca de autor, el cuaderno de viaje No guardes nada en tus bolsillos y el libro de aforismos Planes de fuga (2021).

    Como traductor, Mesa ha vertido al español poemas de destacados autores italianos como Giorgio Vigolo, Camillo Sbarbaro, Paolo Febbraro y Eugenio Montale. Su labor como crítico literario se ha desarrollado en diversas revistas y suplementos culturales españoles, siendo colaborador habitual de la revista Clarín. En 2011, obtuvo la beca de creación y crítica literaria de la Academia de España en Roma.

    Su obra poética aborda temas políticos, existenciales y sociales. Testigos de cargo se estructura en tres partes: una primera de tono pesimista, una segunda que explora el espejismo del paraíso y una tercera que plantea una leve esperanza.

    En el poema inicial, Tre schegge romane, se percibe un profundo desaliento, cuestionando si la humanidad puede superar sus propias ruinas. Los versos reflejan una visión desesperanzada, donde el ser humano parece avanzar solo para presenciar su propia decadencia:

    Y si caminamos aún erguidos

    es por ver cómo caen esas columnas, por untar

    la sangre que sabe a mermelada,

    cerezas tan antiguas

    que la tierra la recibe con el honor de la putrefacción. 

    El peso simbólico de la desesperanza impregna la obra, situando los poemas en el terreno del dolor y la reflexión sobre la existencia. La pregunta sobre qué somos y qué podremos ser se entrelaza con emociones y pensamientos en torno a la vida y la muerte. No hay lugar para la dicha o la victoria, sino para un sufrimiento que expone un sistema de vida arraigado en la podredumbre. La existencia en estas circunstancias se reduce a la insignificancia, y la muerte no ofrece salvación religiosa, sino la desintegración de todo lo que fuimos:

    Mañana seguiremos discutiendo con bocas ajenas. 

    Harán ceniceros con nuestros huesos. 

    Una rata disecada, nuestro cerebro y la etiqueta de un vino 

    ocuparán vitrinas cercanas en el museo de arqueología.

    La mirada crítica y desgarrada en Testigos de cargo revela una sociedad dividida entre privilegiados y desposeídos. En poemas como Tres calles al sur, se contrasta la cercanía de la fiesta con un territorio infranqueable, simbolizando la brecha entre quienes viven y quienes apenas sobreviven. La soledad en medio de la multitud y la alienación en una ciudad desconocida reflejan una sociedad marcada por la urgencia y la hostilidad. Frente a esta realidad, el poeta propone una resistencia íntima, un rechazo a la gran marcha colectiva:

    No hay antígenos para esa enfermedad, amigo, 

    sólo nos queda una íntima resistencia: 

    quedarnos rezagados en la gran marcha, 

    detener el asedio, 

    firmar un armisticio, 

    aprender a vivir como los perros de Antístenes, 

    y si no se cruza una bala en tu camino 

    defender cada palabra 

    como un testigo de cargo.

    La imagen de la isla y el aislamiento, junto con el concepto de la nada, se entrelazan en la obra, reflejando un olvido en el que la juventud no ha podido florecer y se ve obligada a rebelarse o perecer:

    Lo quemarán todo. 

    Como papeles que el viento arrastra por las autopistas 

    nadie podrá detenerlos. 

    Corren equivocados, 

    seguros de cada error. 

    Nada les importa 

    más allá de esta noche. 

    Lo quemarán todo. 

    Nadie puede atraparlos 

    porque nunca fueron nada.

    A pesar de la intensidad pesimista que domina gran parte del libro, el final ofrece un atisbo de esperanza, inspirado en las palabras de Derek Walcott: «el destino de la poesía es enamorarse del mundo a pesar de la historia». Los versos finales invitan a sonreír y abrazar la vida en su fragilidad y cotidianidad:

    Sonríe, amigo, no te cures

    eres un parpadeo

    de alas de buitre,

    una grieta en el desierto, un veneno,

    tal vez un código binario,

    un motor desecado en un barranco,

    y todos los milenios se detienen

    para inventar tus ojos. 

    Sin embargo, esta petición de sonrisa no oculta el espejismo del paraíso. Las ínsulas prometidas no son tan idílicas como parecen. La obra de Bruno Mesa es un viaje poético que combina crítica social, reflexión existencial y una búsqueda constante de significado en un mundo marcado por la desesperanza y la resistencia.

    Para conocer más sobre Mesa y su obra, puedes ver y escuchar esta entrevista:

    El libro lo puedes comprar en la editorial Pre-textos, que lo publicó.

  • INTELIGENCIA ARTIFICIAL Y POESÍA

    INTELIGENCIA ARTIFICIAL Y POESÍA

    Silvia Heidel pinta, toca el piano y además escribe. La prolífica producción literaria que esta polifacética argentina ha desarrollado en los últimos doce años abarca la novela, la poesía y el ensayo, y es a este último género al que pertenece “Creación y autoría en la era de la Inteligencia Artificial”, (editorial Las 1000 y Una, 2024), un apasionante y original estudio sobre los desafíos a los que la IA expone a la poesía actual.

    En el libro se hace un pormenorizado análisis de las poéticas desarrolladas por cuatro autores argentinos contemporáneos: Osvaldo Rossi, Norberto Barleand, Rubén Balseiro y la propia Silvia Heidel, y se detallan los recursos literarios encontrados en cada uno de los poemas publicados por estos autores entre los años 2000 y 2023 con el fin de demostrar que la labor de los poetas es irrepetible a pesar de la competencia generada por el uso de la Inteligencia Artificial. Cada uno de estos autores tiene su particular forma de ver el mundo y de interpretarlo a través de la poesía, que es fruto de unas vivencias, lecturas y contexto cultural específicos e intransferibles. 

    La “literatura” producida a través del uso de la IA podría hacernos pensar que se ha llegado a “la muerte del autor” y por eso en el libro se hace una interesante reflexión acerca de la diferencia entre “autor” y “creador”. La IA es capaz de producir textos a partir de un extenso banco de datos –como en cierta forma hacen los poetas–, y en este sentido es la “autora” de los nuevos textos generados. Sin embargo, nada de lo que se desarrolla con esta herramienta tecnológica ha sido realmente “creado” por ella. La creatividad y la emoción son exclusivas de los humanos porque, como afirma la autora:  

    “El cuerpo del poema se define como un ente vivo que se retroalimenta con voces intertextuales que en él resuenan: desde lecturas de géneros diversos hasta composiciones musicales cultas y populares, desde obras pictóricas hasta mitos, viajes, innovaciones tecnológicas y científicas, noticias, películas, vocablos de lenguas vivas y extintas. Voces que actúan como potenciadores del sentido, y dotan a la creación literaria de una particular singularidad, desdiciendo la ausencia de originalidad y negando la muerte del autor.”

    En el prólogo, la profesora de Literatura Bertha Bilbao Richter señala que: “este libro encierra varios libros”, y es que en él encontramos poesía (el libro se abre y se cierra con sendos poemas, uno a modo de epígrafe titulado “Como no lo haría IA” y otro a modo de cierre titulado “En custodia”),  un exhaustivo estudio hermenéutico de la poética de Rossi, Barleand, Balseiro y Heidel en los capítulos II, III, IV y V , y un detenido análisis ensayístico en el capítulo VI, con unas conclusiones muy bien argumentadas y sustentadas en la obra de importantes teóricos de la filosofía y la literatura universales. Por si esto fuera poco, también se nos regalan las biografías de los cuatro poetas en los que se ha basado este estudio, algo que resulta de mucha utilidad.

    Cuando acabé la lectura de este ensayo, quise probar la eficacia de la IA a la hora de sustituir a los humanos en el uso de la palabra. Para ello, entré en ChatGPT y le pedí que hiciera un resumen de las conclusiones del libro. El resultado fue un texto aparentemente bien redactado, con un estilo muy similar al empleado por Heidel, pero lleno de contradicciones. A continuación solicité a la misma aplicación que escribiera un poema basado en un tema muy concreto. En la pantalla de mi ordenador aparecieron unos “versos” plagados de clichés sin ninguna profundidad. Estos simples experimentos me han permitido reafirmar mi adhesión absoluta a lo plasmado en este magnífico estudio. 

    “Creación y autoría en la era de la Inteligencia Artificial” me ha parecido un ensayo ciertamente original: me ha dado a conocer los entresijos de la obra de unos poetas excelentes, me he admirado de la capacidad de reflexión y análisis de la autora y he disfrutado de la poesía de Silvia Heidel, a quien sigo desde hace bastante tiempo.  

  • Desvestir el cuerpo de Jesús Cárdenas Sánchez 

    Desvestir el cuerpo de Jesús Cárdenas Sánchez 

    Proclama André Bretón en su manifiesto surrealista: «Devolvemos el talento que se nos presta. Habladme del talento de ese metro de platino, de ese espejo, de esa puerta… Nosotros no tenemos talento» 

      La poesía como espejo. Como espejo del talento de la tradición que ha formado al poeta. Un poeta que, a su vez, cuando crea, cuando devuelve la poesía al mundo, no hace más que desvestir su cuerpo y reflejarse de nuevo en un espejo. Desnudo.

      Jesús Cárdenas asume este oficio del poeta, y en el primer verso del poema que da título al libro “Desvestir el cuerpo” avisa de qué va esto:

      “Mostrar no ya la piel, sino los huesos, esos huesos que quieren ser poemas” 

      “Desvestir el cuerpo” (Lastura, 2023) supone el octavo poemario para su autor en una breve pero prolífica trayectoria comenzada en 2012. En este cuerpo desvestido están marcados 67 poemas en tres partes: “Todos los espejos” (25 poemas), “Cristal Ahumado”, (22 poemas) y “Callada Ceniza” (20 poemas).

      En el prólogo se nos advierte de forma inmejorable: «este libro culmina una senda de  desaprendizaje en el aspecto formal, como de despojamiento de lo no esencial en los elementos». Así que tenemos en el poemario de Jesús Cárdenas un acto de sinceridad y que la sinceridad se confiesa. Tal y como aseguraba el nobel Octavio Paz. La poesía no se siente, se dice. 

      «A veces la poesía es […] la idolatría al yo y la execración al yo y la disipación del yo; la degollación de los epítetos, el entierro de los espejos; la recolección de los pronombres acabados de cortar en el jardín de Epicuro.»

      Y en este poemario Cárdenas desviste su cuerpo en un acto de sinceridad, de despojo, de reconocimiento de uno mismo y de sus fuentes.

      “Así desvisto muy despacio el cuerpo / hasta dejarlo en el acorde /donde acaba la tarde / y el abismo comienza”

      Tres claros campos semánticos van a servir de baldosas por las que pisar al lector:

      Los espejos: 

      Espejo curvado como el cosmos, espejos caducos, el azogue, la luna, el reflejo, el vidrio, vasos de duralex sin sed.

      “vidrio de la luna endereza la imagen que conservas”

      Espejos que reflejan el campo semántico de la luz, la oscuridad, la penumbra, la sombra, el fulgor. 

      Para enlazar entre ambos campos semánticos el poema, la palabra, el lenguaje, el rito: el yo.

      “En el rito germina este poema”

      Un poema, y más un poemario, sobre espejos, es un reto. En él debe reflejarse el poeta, pero también deben reflejarse quienes lo leen. Esa es una apuesta arriesgada. El autor debe prestarse a la construcción de un juego de espejos que lleva la luz al lugar donde sea necesaria y deja en la penumbra lo que debe quedar en ella. Así de sencillo. Así de complicado es lo que hace Jesús Cárdenas.

      ¿Los ojos son el espejo del alma? ¿El alma es el espejo del cuerpo? ¿El cuerpo es el espejismo del alma? Donde digo el alma puedo decir poesía, como en aquel poema de Claudio Rodríguez, A mi ropa Tendida, al que Aleixandre le invita a subtitular (El alma). «Esta es su camisa, aquella, la que era / sólo un remiendo y ya no le servía. / ¿Qué es este amor? ¿Quién es su lavandera?»

      A Jesús Cárdenas no le hacen falta subtítulos.

      Además de los espejos, el cuerpo y la ceniza, otros símbolos (porque este poemario está plagado de símbolos) solidarios al amor: candados en los puentes, nombres tatuados en el tronco de un árbol compiten en una fiesta significante con reflexiones sobre el lenguaje como signos, la luz, la liquidez, fuego y espejo que se mezclan en un cristal ahumado y: 

      «El poeta descubre / a tientas zonas de penumbra». 

      “Desvestir el cuerpo” es un libro de un poeta con oficio de poeta. Sencillo en apariencia, pero que podría leerse con el diccionario de símbolos de Cirlot a un lado de la mesa para llegar a una desnudez de significantes y sentidos en la que encontrar la que encontraremos la individualidad del poeta reflejado en la palabra, y el reflejo de la nuestra. 

      1. «Panorama» de David Monteira Arias

        «Panorama» de David Monteira Arias

        David Monteira nos trae un libro formado por sonetillos. Una bella estructura de 4 estrofas, 14 versos, que podríamos considerar «el hermano menor del Soneto».

        Su obra es muy interesante. Incluye desde temas asociados al amor, la religión, la mitología, el desamor, pasando por poemas llenos de melancolía, reflexiones, abordando la naturaleza, las ciudades que ha conocido, con cierta añoranza, también la historia, los clásicos y mucho más.

        Se podría temer cierta monotonía al utilizar una sola estructura a lo largo del poemario, pero no es así. Porque la variedad mantiene el interés en todo momento. 

        Es un libro que se lee rápido, que se devora. Reviste un estilo y una musicalidad que enamoran. Como su nombre indica, puede verse como una mirada panorámica del mundo a través de los ojos del autor. 

        Su vocabulario es tan rico como su temática, sin pecar de pretencioso. Es pulcro, variado, al pasar de un poema a otro descubres un nuevo mundo y, aun así, se reconoce su estilo.

        Llama la atención la fluidez con la que aborda una estructura que no deja de ser compleja y exquisita por ser de arte menor. Si se quiere, hay más poetas que escriben sonetos, endecasílabos o alejandrinos, que sonetillos.

        David Monteira Arias, nació en Madrid. Estudió Filología en la Universidad Complutense de Madrid. También estudió en Bruselas e Italia. Por un tiempo fue profesor en EE. UU. y ha escrito artículos para diferentes revistas universitarias. 

        No quiero finalizar sin compartir algunos de sus poemas:

        “

        Cansancio

        Se han desatado los lazos

        que te atan a lo que quieres,

        y entre agotados placeres

        la vida cumple sus plazos…

        Dejas que caiga en tus brazos

        sombra de ayer, menesteres,

        ruina de oscuros poderes

        que no consiente remplazos…

        Cierra el silencio tus labios,

        mientras va abriéndose al llano

        la tarde sobre el sendero.

        Canta al morir los agravios

        del tiempo que pasa en vano,

        en tu ventana el jilguero…

        “

        Nacimiento 

        Llena al soñar las primeras

        tinieblas del desconcierto,

        ahora que estás despierto,

        y en el camino prosperas…

        Mil nebulosas, fronteras

        ponen un límite incierto

        a un panorama en que, abierto,

        ondea el mar sus banderas.

        Surte el vivir aluviales,

        inagotables esteros,

        tejidos sentimentales…

        Cubre hemisferios enteros

        hacia los nunca triviales

        retornos hoy verdaderos…

        “

        El Templo de la Concordia de Agrigento 

        A la concordia Afrodita

        canta en un harpa rosada

        de piedra dulce y labrada,

        sobre los montes inscrita.

        Dejando el templo que habita

        mira hacia Grecia, a la honrada

        península atravesada

        por la llanura infinita…

        Aire de un siglo modela

        las nubes en la tribuna

        que al fin la tarde desvela…

        Diosa que, un día, oportuna,

        tomaste la ciudadela,

        soldado de alta fortuna…

      2. «La larga noche de las jaurías» de Mariela Cordero (Nautilus Ediciones, 2023)

        «La larga noche de las jaurías» de Mariela Cordero (Nautilus Ediciones, 2023)

        Crónicas del Olvido

        LA LARGA NOCHE DE LAS JAURÍAS, DE MARIELA CORDERO

        **Alberto Hernández**

        1.-

        ¿Cuántas imágenes capacitan al lector a ser parte de aquella noche inicial, la que jamás será desprendida del origen, mientras otras sombras se combinan para ser ruidos, aullidos, soplo de sables, disparo o cuchillada? ¿Cuántas cicatrices cabalgan los versos que leemos mientras la realidad sucumbe y se hace añicos contra nuestros sueños? ¿En qué país o pesadilla se fecunda la sangre olvidada por quienes madrugan bajo el silencio o se revisten de arrogancias mientras las calles o las arterias del cuerpo son recorridas por las hienas del poder o por la fantasmagoría de logaritmos ideológicos?

        La poesía –ese asunto que muchas veces comulga con lo indeseable, porque ella es capaz de todo- se abre como una granada y estalla en la cara de los versificadores de escritorio, los que se remedan ante el espejo y pasan de largo mientras el espacio que ocupan se borra ante la fuerza de la brutalidad. La noche, entonces, es la proveedora de un geometría que culmina en un círculo vicioso: la sangre, la muerte, los últimos versos de cada discurso o la prominencia del golpe que recibe el rostro, el golpe adecuado según como se ha aprendido a abrir heridas e imaginar cicatrices.

        Los perros de la nocturnidad saben que serán parte de un poema. La jauría hará fila para el cuestionario, para el recuento de imágenes que cabalgarán la estructura del poema. La noche y su cuerpo hecho cuerpo en el humano recorrer de quien es víctima propiciatoria. Seguramente, eso no lo dice el poema, pero su trasunto enarbola la simbología, abre la granada para que explote con todas sus variantes dolorosas.

        Y si de la noche venimos y hacia ella vamos, como afirma Gerbasi en su universo poético, vale decir que la noche, la sombra de esa noche, hecha plural en la boca que aúlla, se hace jauría y arremete contra quien revela su desacomodo y se rebela contra su distópica algarabía bestial.

        La poesía, desvestida como debe andar, nos habla desde esa noche, la que Mariela Cordero nos arrima con sus adjetivos y su fuerza verbal. Digamos que estamos frente a una poética del desgarro, del dolor y de unos amores que se devuelven, que forman parte de esa larga y espesa huida de la jauría y sus noches. 

        2.-

        Don Alfonso Reyes, en La experiencia literaria, afirma que “Hay categorías de la lectura”, y cita a Heine y a Sor Juan Inés de la Cruz para sustentar que bien vale saber entrar en ésta, la lectura, para poderla decir en voz alta, como hacía el primero de los citados con Don Quijote de la Mancha, y la segunda, quien se quejaba de no tener más compañeros que el tintero y la pluma para escribir, para decir del mundo. En este sentido, una poesía que se formula como un deslave, ésta que nos entrega Mariela Cordero, precisa de una lectura en voz alta para que se oiga más que el aullido de la jauría, y que se haga de las herramientas para crear una poética que habrá de descubrir la sombra nocturna y revelarla a los lectores, quienes seguramente también son víctimas de esos peligrosos personajes que ambulan por las noches en búsqueda de heridas y sangre, los que han hecho de un país desolación y “flor difusa”.

        La lectura nos conduce por los “signos heredados” de la destrucción. Y de seguidas: “Seguiste el curso de las jaurías, Ahora/ no tienes nombre”. Esa segunda persona alude directamente a quien entra en el texto, a quien lo resume en su yo, que se hace plural en la desaparición de quien antes era un sujeto conocido, nombrado. El proceso de destrucción es perfecto, bien pensado, por eso “Sólo amas el círculo” hasta sentir que “Un cuerpo/ es ardor/ para morir”.

        He aquí la puesta en escena de la lectura en voz alta: quien enfrenta a la jauría sabe hacerlo, grita, también aúlla, se relame las heridas, y cree que “Los cazadores son engullidos/ por un brutal océano/ esplendente/ que los deja ciegos”. Sería, para consuelo, la derrota de quienes se han convertido en esos lobos que obedecen las órdenes de un poder oscuro, nocturnal. 

        Dice la voz de la poeta: “y fue tarde cuando descubrimos/ que también estábamos heridos de muerte”.

        Ya no es una segunda persona del singular, una sola persona: ahora es un plural que se abre como país en medio de tantos yos acosados. Desde esa perspectiva quien vive en el poema siente “la desquiciada praxis/ de pesar las almas”. 

        3.-

        Leo este poemario como un relato. Leo el relato de este poema que al ser convertido en uno vierte toda su fuerza en un tema: la muerte, la que aparece cuando la jauría hace de la noche su festín. No obstante, quien habla desde el texto afirma: “aspiras (a) gozar la definitiva e íntima desgarradura: // amar”. Amar duele, sobre todo si se ama en medio de un aullido. O en ausencia. 

        Una metáfora destaca en medio del bullicio y los gases:

        “El ligero roce de alas del colibrí

        se transforma

        en brutal

        tacto de relámpagos”.

        Insiste la voz: “…busca el dolor incrustado/ el brillo férreo/ de amar/ Ser herida”.

        (…) Ser gota, lluvia, diluvio”, mientras el cuerpo, todo, se disuelve. 

        De allí: “…un presagio// astillado/ de certeza”.

        4.-

        La imagen del otro: ser el otro en él mismo, su reflejo. Tesis que la transfiguración. En el poema ´Morir es cambiar´ esta idea frecuenta el poema: la otredad frente a las fisuras de la realidad. Y un sentimiento que sólo era referencia: la vergüenza aún/ no existía”, mientras ahora “sangran lo recuerdos” y se muestran “la arruga y la cicatriz (…) como quien se entrega/ a la muerte”.

        En el poema “El país y la sangre” la autora se abre más al tema:

        “Todo fue sangre (…) el tacto es sólo vehículo/ para la herida/ y el cuerpo/ es el recinto de los temblores (…) el aullido de libertad/ mudó en lamento/ y las risas se convirtieron en tumbas (…) Todo fue sangre en el país que amas”. 

        El poema, su materia, es la misma realidad que se relata. La poesía se asigna una responsabilidad: es una suerte de salvoconducto, de pasaporte para indagar en el territorio invadido, en el país donde la noche es el punto de arribo de la jauría: la noche es sólo una metáfora. No hay horario para esa noche. La sombra siempre está bajo el sol. 

        Pero aparece, nunca desaparece, la esperanza, esa suerte de muelle donde llegan los mensajes, los símbolos de otros designios: “La belleza/ sólo puede encenderla/ la pupila/ exacta (…) Nunca podrá ser devorada”. 

        Y un golpe cordial: “Tu amor es un festín/ irreductible/ en medio de la masacre”.

        5.-

        El comienzo, el amanecer de esa ´pupila exacta´: “El génesis/ revolotea/ sobre las ruinas…”, luego de la llegada de la jauría, de la larga noche de esa tiranía de lobos. 

        La voz de quien escribe se personaliza desde esa segunda persona cercana: “Tu cuerpo es un país lejano”. La metáfora confirma la ausencia, también la presencia de la desgracia, de la huida, de la diáspora, de la pérdida.

        Y por eso “Te derramabas como la lluvia”.

        Como cuerpo, como estigma público, la voz de la poesía se hace más personal: “Yo no habito un país, habito un cuerpo/ quebrado” por culpa de “la larga noche de las jaurías”.

        Ese génesis ya cantado, deviene apocalipsis, omega relatado desde un mapa destruido:

        “No retener nada, / lo vivo será lo muerto/ y nosotros sólo una pregunta/ esfumándose/ en el vacío (…) un país ensangrentado (…) sólo como que veas este cuerpo que soy…”.

        6.-

        Este libro/ desgarramiento de Mariela Cordero resultó finalista en el Premio Internacional de Poesía Aco Karamanov, en Macedonia, en el año 2022, y fue publicado por Ediciones Nautilus, España en el 2023, a través de la Colección Capitanas 7/10).

      3. Las vidas que no viví, de Patricia Almarcegui (Ed. Candaya, 2023)

        Las vidas que no viví, de Patricia Almarcegui (Ed. Candaya, 2023)

        Patricia Almarcegui Elduayen (Zaragoza) es escritora y profesora de Literatura Comparada. Desde hace unos años vive en Ciutadella (Menorca). Ha publicado en revistas como Quimera, Jot Down, La revista de Occidente, Altaïr Magazine y es colaboradora del suplemento cultural del ABC, La Vanguardia, eldiario.es y “El viajero” de El País. Estudió Filología Hispánica en la Universidad de Zaragoza, donde obtuvo el Doctorado Europeo en Filosofía y Letras. Ha sido profesora invitada en la Universidad Americana de El Cairo y la Sorbona (París IV). 

        Las vidas que no viví es una novela corta dividida en tres partes, la primera está dividida, a su vez, en cuatro capítulos; la segunda en 14 y la tercera en tres. Todos los capítulos son muy cortos y además, están divididos en pequeñas escenas de un único párrafo y algunas llegan a ser incluso de una o dos líneas. Un texto que en ocasiones se detiene en el presente y en una descripción de aquello que nos rodea, de aquello que hacemos. A veces, se asemeja a un diario personal.

        Por otro lado, también es una novela, en ocasiones, nostálgica, con una gran sensibilidad poética que se percibe en los pequeños detalles que va narrando entre las reflexiones y experiencias de sus dos personajes principales, Anna y Pari. Una escritura poética y delicada, sobre todo conceptualmente, que se apoya en un lenguaje preciso. Un texto muy visual que, como si fuera un poema, la autora construye con imágenes. Así, de esta manera, Almarcegui transmite muchas percepciones y sensaciones, entre ellas, una declaración de amor a la isla de Menorca, tal y como destacó el escritor Josep Masanés en la presentación que hizo de Las vidas que no viví el pasado 22 de septiembre en Maó. 

        No podemos obviar que el inicio del libro está entre el ensayo, la novela, la poesía y la crónica histórica. Estamos ante un libro híbrido que comienza con un hecho histórico, el naufragio, en Menorca, del buque correo transatlántico francés General Chanzy, que hacía el viaje entre Marsella y Argel el 10 de febrero de 1910. Una alegoría en relación con el pasado de Anna y Pari, dos mujeres que se encuentran en la isla, en torno a un hotel abandonado y ocupado, y un huerto rescatado del olvido. Anna, originaria de Menorca, regresa en medio de una crisis íntima, después de muchos años fuera. Pari llega desde Irán tras abandonar su vida anterior, y espera la posible llegada de un visitante. 

        Patricia Almarcegui introduce en la narración algunas palabras en menorquín de manera tan natural, que consigue que el lector se acostumbre a tener una percepción abierta ante lo diferente, e incorporarlas inconscientemente en su registro.

        Las vidas que no viví también es una novela femenina que Patricia Almarcegui empezó a escribir hace cinco años, escuchando a una treintena de mujeres que fue conociendo en diferentes viajes y les fue preguntando sobre esos momentos en los que se habían sentido ellas, como mujeres, en inferioridad de condiciones. De ahí fueron saliendo cosas absolutamente provocadoras e impresionantes, en palabras de la autora, sin importar las fronteras físicas o biológicas: jóvenes y mayores, incluso ancianas de Menorca, Irán, Japón, Francia, …. Por eso, este libro se puede definir como una novela femenina que habla de lo femenino y, por supuesto, feminista porque también tiene que ver con esa condición de la mujer y de las mujeres. 

        Respecto al título, Las vidas que no viví se refiere a las vidas que han elegido las dos protagonistas. Son dos mujeres que deciden lo que quieren vivir y por ello, se ganan el derecho a olvidar lo que han decidido no vivir. Almarcegui aboga por decidir y olvidar las cosas que queremos olvidar de nuestras vidas.

        En cualquier caso, la novela, por el tono y la temática, es una novela rigurosamente contemporánea, un canto de amor a la isla de Menorca y a la cultura iraní. Dos mundos, tal y como dijo Masanés, que han marcado la vida de la autora. Una novela que trata sobre qué significa ser un extranjero, un distinto, en una comunidad compuesta por multitud de historias. Dos mujeres que representan dos civilizaciones que se encuentran y que, en la medida en que toman decisiones, también pierden opciones de vidas que no vivirán.

        Podéis encontrar el libro aquí.