Poémame

Revista Abierta de Poesía

reseña

  • Soterránea. Antonio García Lorente. Parnass ediciones (2025)

    Soterránea. Antonio García Lorente. Parnass ediciones (2025)

    Antonio García Lorente (Barcelona, 1969), autor de Soterránea, es licenciado en Ciencias Económicas y Empresariales por la Universidad Autónoma de Barcelona. Ha escrito los poemarios Péndulo de luna (2001), Ambre Proper – Ámbar Cercano (2005), Variacions Essencials – Variaciones Esenciales (2014), y Barras Paralelas (2021). En prosa ha formado parte de El crack del 2009 (2011), antología de microrrelatos prologada por él mismo. Miembro de la Asociación Colegial de Escritores de Cataluña (ACEC), García Llorente forma parte de antologías y sus poemas son publicados en revistas. Como traductor del catalán al castellano publica a diversos autores.

    El poeta que lo ha alumbrado define a su cuarto poemario como «libro de poesía social y cívica». Cualquier composición poética, desde el momento en que la escribe un hombre (y más cuando procede de un gran vate, como es García Lorente, que se apoya y alimenta en esta sociedad que la ha tocado vivir/padecer) y va destinada a otros hombres (en este caso a la ciudadanía española, y aun a toda la humanidad) es social. El catalán cuya obra reseñamos, mezclando preocupaciones sociales y existenciales, permitiéndose la dura crítica a unos tiempos caracterizados por la hipocresía, la intolerancia y la represión, persigue —y encuentra—en su quehacer literario una poesía no solo perentoria (así la percibimos sus lectores), sino, hoy, del todo inevitable.

    Witold Gombrowizc dijo: «La más seria dificultad de orden personal y social que debe afrontar el poeta proviene de que él, considerándose superior como sacerdote de la poesía, se dirige a sus oyentes desde arriba, pero los oyentes no siempre reconocen su derecho a la superioridad y no quieren oírlo desde abajo». García Lorente sabe evitar cualquier tentación de púlpito. Él forma parte de quienes creen que la poesía, para ser grande y apreciada, debe pensar y sentir; reflejar ideas y pasiones, los dolores y alegrías de la sociedad en que vive y se sustenta. Y todo ello con igual naturalidad que canta un pájaro en la rama: mezclándose con cuanto le rodea y modulando sutilmente su trino.

    Para la primera parte de Soterránea, «El Árbol», García Lorente se inspira en la Cábala, el viejo conocimiento místico de los judíos. Método de estudio y base de un código ético para la vida, guiándose por un principio de polaridad la Cábala, sumergida en la psicología, infiere las cualidades espirituales del hombre tanto para el Bien como para el Mal. El Árbol de la Ciencia del Conocimiento del Bien y el Mal comprende al Árbol de la Vida (Árbol de las Sephirots) y al Árbol de la Muerte (Árbol de las Qliphots). Las Sephirots vendrían a ser los diez aspectos divinos de la personalidad que aúnan mente y emoción (relacionados con la luz, la astrología y la angeología, cada sephira tiene atribuido su propio ángel). Los Qliphots, cáscaras o escorias, representan fuerzas negativas y corruptas que se oponen a la luz y el orden constituyendo su lado oscuro, esto es, la perversión de la mente y la emoción.

    Precedidos por un poema donde, traspasando la puerta del conocimiento y desde su conquistada integridad, asume el poeta la escasa popularidad de sus versos confiando, por lo menos, en que no sean barridos por el olvido (y la legión de lectores de MoonMagazine va a impedirlo); introducidos, decimos, por El Amanuense, los trece poemas de «El Árbol» desarrollan en bello lenguaje poético (predomina el verso libre pero la rima tiene presencia) atributos celestiales e impulsos negros que, según la Cábala, reparten equitativamente su poder. Para mejor asimilar las Sephirots y los Qliphots con presencia aquí, García Lorente incluye un diccionario (acompañado por un cuadro sinóptico) desde el que, de forma sucinta, define categorías positivas y negativas que, en eterna lucha, buscan predominar sobre el alma humana.

    «El Árbol» resulta ser un varapalo sin concesiones a la clase política gobernante (genéricamente entendida). Por una de esas casualidades que a veces sacuden al lector, la reseña de estos versos, hecha a finales de junio de 2025, ha coincidido con el descubrimiento de gravísimos casos de corrupción que están haciendo tambalear al ejecutivo de la nación. Pere Gimferrer ha dicho: «Toda poesía que no persiga la contravención, expresa o tácita del sistema represivo de la sociedad, debe ser considerada como cómplice de este sistema». Optando por no pertenecer a los instrumentos funcionales de conciencia de la sociedad, evitando ser otro medio más de manipulación, la poesía de denuncia de Antonio García Llorente, haciéndose significante y útil en la tarea de abrir los ojos a esta realidad que repugna, asegura su continuidad dejando su urgente recado: solo desde nuestra inteligente y rebelde protesta hay solución.

    En [1] un orador dudoso ofrece placeres y un luminoso nivel de conciencia, algo que al sagaz poeta parece otra inconsistente promesa más; [2] poetiza el gastado palabrerío de cualquier ideología, algo que al poeta hace exigir la extirpación del gigantesco tumor instalado en la vida política y, hasta entonces, refugiarse en el reino de la luz (único lugar desde el que trascender); en [3] se da otra apesadumbrada visión de la actual vida política, representada por un Parlamento dominado por insultos proferidos entre diputados engreídos y cobardes: este reino de sombras urge ser combatido; [4] muestra a gobiernos sin voz inteligente asumiendo roles de ventajistas bancarios: solo la sabiduría doblega semejante trastienda de la mentira; en [5], dominada la vida pública por una paranoia de materialismo y avaricia, el poeta orienta su mirada hacia la inteligencia; [6] muestra un alto muro que separa a poderosos, ricos y despóticos, de aquellos más necesitados que no reciben ni las migas; en [7] la quema de libros por el fanatismo, siempre bajo el pretexto de una paradójica pureza, oculta una inclemencia que atenta contra el sereno entendimiento; [8] describe esa sequía agravada por la incompetencia de los políticos, algo que hace suspirar al poeta por nubes con lluvia para todos; en [9] negros presagios de una Naturaleza atacada y contaminada son insuficientes para ahuyentar a ese explorador en busca de aquello que revitalice su fuerza vital; en [10] el egoísta interés de los políticos, su inagotable avaricia oculta en demagogias, hace que la desolación campe a su anchas en el pueblo y que este exija ya una completa regeneración; en [11] solo gracias al pensamiento libre y a una plena sexualidad el hombre, casi derrotado por la injusticia política, sigue hacia adelante; en [12] se desenmascara la afición prostibular de los políticos, y [13] denuncia vicios y corrupciones demandando de nuevo una regeneración —urgente— a través del amor y la filantropía para que la justicia presida una República limpia como los lirios.

    AIN SOPF AUR [2]

    […] La política debería ser como

    la cándida sonrisa de una niña,

    dejar que se destiña el uniforme,

    hablar las lenguas sin sufrir rechazo,

    extirpar el tumor de la miseria […].

    ÁRBOL DE SOL [3]

    […] Quedan los engreídos y los lerdos,

    tras haberse batido en retirada

    las togas ilustradas y brillantes.

    No puede haber futuro en perspectiva

    si se asemeja una generación

    a cuernos débiles de caracoles […],

    GALAMIEL [12]

    Y Galamiel anoche fue de putas

    con alcahuete ajeno a las disputas.

    Así comieron las mejores frutas

    en un festín, envidia de reclutas.

    La ubicación del móvil les delata

    cuando se abre el cordel y cae la bata.

    Se da fe que salió por la culata

    el quinto tiro de entre pata y pata.

    Toda la corte está escandalizada

    con el rey de mirada tan pasmada.

    La meretriz al fuego está emplazada

    porque es fundamental sacar tajada.

    Los notables no quieren dilaciones

    para vedar al pueblo otras nociones:

    «Se forjan con dinero corrupciones

    que no remedian ni otras erecciones».

    MALKUTH [13]

    […] Nuestra morada está llena de cáscaras

    que con vigor hay que desincrustar,

    usando los cinceles del silencio,

    y volverá a ser claro nuestro ser […].

    […] Venir en nuestro auxilio, filantrópicos

    númenes, en las horas más aciagas

    y derrocad a nuestra Kali Yuga,

    aunque el esfuerzo sea nuestro coste

    tanto en la intimidad como en lo público,

    a fin de que en sesión de investidura

    Malkuth sea elegido presidente

    de la eterna República del Lirio.

    La segunda parte de Soterránea, «El Mundo», insiste en la iniquidad del Poder. Así, El foro de debate [15] lo acusa de enclaustrar la Cultura haciéndola de pago y no universal; en El teatro [16] la política aparece como un juego entre máscaras gritonas; Uncidos a la hipoteca [17] muestra el derecho constitucional a una vivienda digna trocado en burla por las salvajes hipotecas del banquero, situación que asimismo recoge Pancarta de cebollas [21] donde se describe la vida cotidiana del trabajador, agobiado por deudas; y Mitin de silencio [37] es un reclamo del poeta para ahogar la voz de los demagogos y para que del cielo caiga una lluvia purificadora.

    MITIN DE SILENCIO [37]

    Ya es noche cerrada.

    La lluvia pulsa

    las teclas de la luna.

    He convocado un mitin de silencio

    en la campaña electoral del cielo.

    «El Mundo» amplía el radio de acción del poeta serenamente cabreado. Violaciones de derechos humanos (Las sillas del miedo [14]; Afganistán [28]); guerras y masacres (Irak [29]; Madrid 11 [30]; Alkonost [34]); la emigración y las tremendas condiciones de vida en el continente africano (Nadies [23]; África negra [24]); sexo por obligación y violencia de género (Flores de nieve [26]; Violencia con género [27]); el terrorismo (Roble de utopía [31]); el belicoso papel de las religiones (En nombre de Dios [33]); el acoso (Mobbing [19]); la clonación (Clonación [20]); la tala indiscriminada (Minas de tantalita [25]), devastadas visiones de la ciudad moderna (Colapso de la urbe [35]) y otras denuncias más, son literarias puyas con las que García Lorente despacha infames realidades de un mundo en directo que nos causa profundo pesar.

    MADRID 11 [30]

    Enjaezaron caballos negros

    con las gualdrapas de los horrores,

    sus lomos con bombas ensillaban.

    Denota el verdugo sus alforjas

    y en los trenes Mot calma su sed

    con sangre que le sirven coperos

    del terror. Todo destruye el once.

    Terrorismo y guerra se unifican,

    las aves de la muerte no entienden

    de matices. Setenta y dos horas

    en las comisarías del luto,

    mientras oigo gritos en el aire.

    El ayuntamiento de los cirios

    auspicia urnas de salvación.

    Siento que mi ser se está tostando

    en la parrilla de la impotencia

    y en el horno de la incertidumbre.

    VIOLENCIA CON GÉNERO [27]

    […] ¿Qué me sucederá cuando regrese

    al hogar, dulce hogar

    tras haber presentado la denuncia?

    Si no hay ningún albergue que me ampare

    y me dejan al raso de una lista de espera,

    la espada, la navaja o el cuchillo

    me llevarán al barco de Caronte,

    tan pronto como él sepa mi osadía […].

    Escribió Fernando Lázaro Carreter: «Hay que salvar la poesía. Por su enorme valor enriquecedor, de solidaridad y catarsis, es una de las pocas fuerzas espirituales que sobreviven en una sociedad como la actual, en la que todo invita a la deshumanización».

    Frente a esa sociedad enferma que ha hecho de la manipulación del sentido un punto clave de su dominación, en Soterránea Antonio García Lorente, con un lenguaje intenso, alejado de cualquier complejidad pero acompañado por la fuerza de su visceral empuje, logra algo tan inesperado hoy como mostrar su íntima relación con la verdad. Leer ahora este original y contundente poemario que osa dar salidas para los tiempos corruptos y cínicos que toca aguantar se convierte en dolorosa (pero necesaria) obligación.

    Soterránea , Antonio García Lorente, Parnass ediciones

    Reseña publicada previamente en Moon Magazine

  • Poesías familiares y domésticas

    Poesías familiares y domésticas

    Nos situamos en Ausejo de la Sierra. Ese es el espacio. Nos situamos en 1963. Ese es el tiempo. Y no lo digo porque este año se celebren los 120 de la Teoría de la Relatividad Especial, de Einstein. Espacio-tiempo único. Ahora, nos situamos en la memoria. Y esta es la última publicación del poeta soriano Fermín Herrero. Su título, el de este artículo. Fermín ha viajado en su recuerdo, personal, afectivo y poético y ha reconstruido con adobes ya fabricados una casa nueva, propia y compartida, entrañable y perfecta. Que conste, no obstante, que lo que la define no es el adjetivo sino la sustancia. ¿Por qué para reconstruir un mundo hemos de ir a las estrellas si tenemos Ausejo de la Sierra, el recuerdo de la infancia, la memoria de los padres, la llamada de nuestra obra y el valor de las palabras que nos moldearon?


    «Poesías familiares y domésticas». Una antología personal. Y algo más. Orientador título. Editorial Difácil. Noventa sabrosas páginas. Cuatro partes. La primera y la cuarta, bajo números romanos. La segunda, titulada «En casa de los padres». La tercera, «En casa propia». Más un prólogo de Julio Llamazares, que lo descifra todo y me deja en la tesitura de si puedo, o debo, añadir algo más y que sea provechoso. Lo titula «Bajando el puerto de Oncala». ¿Nos vamos allí?
    Igual Fermín nos ayuda con la «Nota de autor», de la página ochenta y siete. Yo he sentido un zarandeo especial al recorrer el camino. Fermín ha clavado en tierra finas señales para que nadie se pierda. “El trastorno de consagrar la vida entera a la literatura no solo afecta al paciente enajenado, sino también a cuantos conviven con él. Creo que… han venido, a lo largo de los años y los libros, estas poesías, por lo general hogareñas, de andar por casa, sin ínfulas ni pretensiones sublimes… me han servido… de alivio. Por eso, venciendo de nuevo los remordimientos derivados del necesario pudor conculcado, las he recogido aquí”. Querido Fermín, tu sinceridad ennoblece aún más tu palabra certera. Y poética, en el más puro sentido etimológico, de crear y hacer, que es lo que nos distingue como humanos. Lo espero, en estos tiempos de incertidumbre, donde Ausejo de la Sierra u otros ausejos sorianos siguen en su esencia de cielo y lomas. 

    Capítulo I: “VESTIDO de domingo, mi padre subía/ en bici el puerto, con amor, venidero./ Mi madre lo esperaba”. Segundo poema: “SECRETAMENTE/ tuyo, con un temblor/ de letra parvulita”. Capítulo “En casa de los padres”: “DE MI NIÑEZ, en el ventano del desván/ la luz de la mañana…”. “EN CASA de la madre, la pérdida/ del tacto no es posible”. Capítulo “En casa propia”: “Voy hasta la ventana. Vuelvo. Vuelvo sobre/ todo cuanto deseo…”. Capítulo IV: “EL DÍA EN QUE MURIÓ mi padre, el mismo casi/ en que nací, pletóricos, los almendros/ florecían, ajenos de todas a su ser / y al mío…”. Busquen el libro. Mastiquen las palabras. Paseen los versos y la nostalgia del relato. Nadie quedará indiferente. Fermín ha construido, con adobes previos, un mundo que llevamos dentro. “Este libro de Fermín Herrero, selección, según él, de sus poesías más humildes (familiares o domésticas, tanto da), es por eso la mejor manera de entrar de lleno en la poesía de un poeta que pasará a la historia”. Lo dice Julio Llamazares.  

    Poesías familiares y domésticas se puede encontrar aquí.

    • Publicado el 15 de noviembre de 2025 en El Día de Soria
  • Quiquiriquic: ludopatia poètica

    Quiquiriquic: ludopatia poètica

    Quiquiriquic. Òscar Palazón. Onada Edicions. 64 pàgines. 14 euros.

    Òscar Palazón, escriptor nascut a Lleida, llicenciat en Filologia Anglogermànica i resident a Tarragona, posseeix una trajectòria literària vasta i distingida als camps de la narrativa i la poesia. El seu poemari, Quiquiriquic, és una obra singular que s’insereix en aquesta sòlida producció. La idea fonamental d’aquest llibre, que es llegeix en un sospir, és la reivindicació de l’aspecte més lúdic i experimental de la creació. Quiquiriquic és un conjunt de poemes monovocàlics, centrat en la lletra ‘i’, que utilitza la tècnica del lipograma per empènyer el llenguatge fins a límits d’inhibició fonètica i visual, jugant amb calembours, homofonies, metàtesis, palíndroms i cal·ligrames, desencadenant una eufonia continguda i enlluernadora.

    Si alguna cosa defineix l’escriptura de Palazón, ja sigui en prosa o en vers, és un mestratge i un control sobre el llenguatge que li permeten abordar projectes de complexitat enorme sense que el resultat se senti forçat o inaccessible. Aquest rigor no és un fi en si mateix, sinó l’eina que permet accedir a la màxima llibertat creativa, com demostra el parlament inicial del llibre, escrit exclusivament amb la vocal ‘i’, que va ser el seu discurs d’agraïment en rebre el Premi Terra de Fang, que va obtenir aquest poemari.

    L’origen d’aquest projecte ambiciós és l’obra Eunoia (2001) de Christian Bök, un conjunt de textos monovocàlics. Palazón aspira a crear una obra anàloga en català, no pas com una traducció o adaptació, sinó com una nova creació aixecada des de zero, conservant l’esperit i la intenció. Aquesta intenció és sotmetre el llenguatge a un «empresonament» -la restricció d’una sola vocal- que, paradoxalment, el dota d’una loquacitat i una gesticulació inèdites. La privació de llibertat lingüística esdevé, de fet, una llibertat absoluta: el llenguatge, en ser constrenyit, revela els seus secrets més íntims i diàfans. L’autor es limita llavors a cartografiar aquests territoris verbals, guiat pel cabal del diccionari, reflectint com el llenguatge es metamorfosea, canvia de color i, en última instància, fabrica la realitat a partir de les seves pròpies limitacions. No és una escriptura automàtica, sinó un posicionament silent de paraules sota la sintaxi, en una «tendra fornicació» verbal que busca la coherència interna i la cohesió argumental. 

    En el cas específic de Quiquiriquic (la tercera part d’aquest pentateuc), l’elecció de la vocal ‘i’ suposa un desafiament extrem per a l’autor, ja que les paraules en català amb aquesta una única vocal són limitades. El poemari s’estructura en un pòrtic i tres parts (21, 17 i 5 poemes, respectivament), en què el ritme i la sonoritat s’han de conjugar amb aquest aparell tècnic enlluernador. Els elements fonètics i visuals són crucials al llarg del llibre: les cacofonies, les aliteracions, les rimes, els poemes tipogràfics i els cal·ligrames no són mers adorns, sinó una part fonamental d’aquest joc d’enginy. L’autor aconsegueix crear imatges i reconnectar idees d’una manera que sembla senzilla només un cop s’ha manifestat el resultat. La gràcia i l’enginy de Palazón brillen, per exemple, en poemes curts que adopten la forma de cal·ligrames, com els titulats Tipi o Inri, demostrant que la restricció pot ser el motor de la creativitat.

    Quiquiriquic és, en definitiva, un poemari juganer i del nostre temps. És una obra que celebra de manera eufòrica i eufònica l’aspecte lúdic de la creació, utilitzant el màxim nombre de paraules possible sense repetir-les excessivament. Tot i la seva complexitat tècnica subjacent, el llibre és perfectament comprensible per qualsevol lector, cosa que el converteix en un regal ideal i relaxat per a qualsevol ocasió. 

    Per acabar aquest viatge us deixo amb els dos poemes que obren el llibre.

    FILM 

    inici 

    mig 

    fi

     i el seu revers 

    LYNCH

     fi

     mig

    inici

    Una peça magistral que demostra que les limitacions són el camí més curt cap a la llibertat expressiva.

    Aquí us deixo un petit vídeo amb un poema visual de l’autor: https://www.youtube.com/watch?v=6MqAOc5o-0k

  • Pacto de otro mar, Mariela Cordero, (LP5 Editora, 2025)

    Pacto de otro mar, Mariela Cordero, (LP5 Editora, 2025)

    El maravilloso prólogo-reseña que escribe Gladys Mendía precede a un poemario escrito por Mariela Cordero: abogada, poeta, escritora, traductora y artista visual. Su poesía ha sido publicada en varias antologías internacionales. Ha recibido varias distinciones, entre ellas: Tercer Premio de Poesía Alejandra Pizarnik Argentina (2014); Primer Premio del II Concurso Iberoamericano de Poesía Euler Granda, Ecuador (2015); Segundo Premio de Poesía Concorso Letterario Internazionale Bilingüe Tracceperlameta Edizioni, Italia (2015); Premio Micropoemas en español del III concurso TRANSPalabr@RTE (2015); Primer Lugar en Concurso Internacional de Poesía #AniversarioPoetasHispanos mención calidad literaria, España (2016) y Premio Internacional Sahitto a la Excelencia Literaria (2023). Esta misma semana ha recibido el prestigioso VIII Premio Internacional de Traducción de Poesía «M’illumino d’immenso» (Italia).

    Ha publicado los poemarios:​​ El cuerpo de la duda​​ (2013);​​ Transfigurar es un país que amas​​ (2020) y​​ La larga noche de las jaurías​​ (2023). Actualmente, dirige las secciones #PoesíaVenezolana y #PoetasdelMundo en la​​ Revista de Poesía Poémame​​ (España). 

    El poemario que presentamos hoy, Pacto de otro mar, nos enfrenta, en una primera parte, al vértigo de lo frágiles que somos en la marea. Posteriormente, nos conduce, en la segunda parte, hacia la promesa de redención en la contemplación. Para disfrutarlo, hemos de dejarnos empapar por las palabras de la poeta, dejarnos arrastrar por las olas de sus versos, hasta no saber dónde termina la piel del mar y dónde empieza nuestra propia piel.

    Leer este poemario es dejarse arrastrar por un oleaje que no da tregua. Desde la primera página, el mar se convierte en territorio total. Es un viaje en el que el mar se convierte en metáfora absoluta: cuerpo, herida, memoria, deseo, violencia y redención. Cada poema es una ola distinta; un poemario-oleaje incesante con una voz poética que oscila entre lo íntimo y lo histórico: desde lo erótico y lo sagrado hasta la denuncia velada de la violencia colectiva y la memoria de la guerra (“La paz de los fusiles”, “Fértil”). 

    La escritura de Mariela Cordero despliega imágenes poderosas y sensoriales, donde el salitre, la espuma, el oleaje y la arena dialogan con la experiencia del cuerpo y del tiempo. Hay una constante tensión en sus páginas: el mar devora, pero también otorga; hiere, pero a la vez regenera nuevas pieles.

    La presencia del mar, como hilo temático, evita caer en la repetición vacía: cada poema amplía el horizonte simbólico y propone una variación distinta, desde el mito hasta lo contemplativo, desde la devastación hasta la ternura.

    En la segunda parte, el poemario se abre hacia lo espiritual y lo trascendente (“El patriarca Qinshui”, “Oración”, “Cordón rojo”), sin abandonar la carnalidad del deseo ni la memoria. Un cruce entre lo místico y lo erótico que hace de Pacto de otro mar un poemario imprescindible. 

    En conjunto, estamos ante un poemario en el que la cadencia de los versos, a menudo breves y entrecortados, reproduce el ritmo del oleaje: avance, ruptura, repliegue. Cada poema es una ola que se levanta con fuerza, estalla y se repliega, dejando tras de sí un sedimento de imágenes intensas, sensoriales, imposibles de olvidar. Así, Pacto de otro mar se erige como una metáfora total de la existencia humana. Pero lo más cautivador es cómo todo converge en un mismo ritmo: el pulso incesante del agua que arrastra y renueva. Con un lenguaje intenso y poético, Mariela Cordero nos abraza con sus versos en una marea hipnótica que, una vez acabada su lectura, nos cuestiona en lo más hondo: ¿qué somos cuando nada nos nombra?, ¿qué queda cuando el oleaje nos arranca la identidad?

    Aquí les dejamos una muestra:

    Sigues siendo mar

    En el sitio donde

    escondí la vergüenza

    en el lugar

    para contemplar la agonía

    ahí

    te quieren tierra

    pero sigues siendo

     ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​​​ mar.

  • VUITANTA-SIS contes i barbolles. Albert Planelles

    VUITANTA-SIS contes i barbolles. Albert Planelles

    Els microrelats presentats formen un conjunt de textos breus, però intensos, plens de metàfores i idees que conviden el lector/a a relectures. Barregen absurditat, humor, crítica social, introspecció i reflexions sobre art i literatura amb un llenguatge ric i precís. 

    1. Absurditat
    Hi trobem des de reflexions filosòfiques sobre l’obertura mental ¨Creure¨, fins a escenes grotesques ¨Sala d’espera¨, històries com “Judicis”, “Portes”, “Concurs” o les dues peces sobre l’“Àpali!” ens mostren com la lògica quotidiana es capgira i provoca perplexitat i somriure a parts iguals.

    La realitat es desfigura per donar lloc a escenes oníriques: arbres que es revolten ¨Revolta¨, criatures estranyes sorgint d’insults ¨Criatures¨, objectes que esdevenen protagonistes ¨Defectes¨. Relats com “Realisme Màgic” i “Somnis” evoquen Magritte i el surrealisme literari amb imatges impossibles.

    Aquesta dosi de fantasia manté viva la sorpresa del lector.

    2. Humor
    Molts dels relats juguen amb l’humor: un llibre que mata els lectors ¨Lectures¨, un assassí que se suïcida per evitar reincidir ¨Reincidència¨, un home que “es defensa” fins a provocar una mort accidental ¨Defensa¨. 

    “Caritat” converteix un gest compassiu en una escena sexual incòmoda i hilarant. “Crims” i “Assassins en sèrie” exploren la violència i la seva banalització, però amb finalitats iròniques. “Sopar caníbal” dona la volta al ritual caníbal.

    Aquest humor funciona com a mecanisme de crítica i desdramatització de temes tabú, aconseguint que alguns temes greus —violència, alienació, frustració— siguin més digeribles i alhora més punyents. 

    3. Potència visual i llenguatge ric
    L’Albert Planelles treballa amb un llenguatge amb moltes imatges i sensorial: paisatges industrials descrits com a muntanyes i semàfors ¨Paisatge¨, escenes de vent que acaben amb una tragèdia quotidiana ¨Vent¨, descripcions quasi pictòriques de personatges que semblen relíquies ¨Temps¨.

    L’Albert Planelles té una prosa molt expressiva, plena de metàfores i girs poètics amb un llenguatge molt precís, característica aquesta última de tota la seva escriptura.

    4. Crítica social
    Hi ha una mirada crítica envers les convencions socials, la política i la cultura. Es denuncia la hipocresia institucional ¨Acords¨, la buidor dels discursos ¨Alternatius¨, l’obsessió per la novetat i el consum ¨Cafè¨, o la dificultat de comunicar-se autènticament ¨Defensa¨. 

    Crítica la societat contemporània: ¨Prediccions¨, ¨Pèrdues¨. Textos com “Activitat política”, “Ministeris”, “Premi literari” o “Sanitat” són obertament satírics. 

    5. Introspecció
    Diversos microrelats exploren la condició humana: la impossibilitat d’abastar tot el coneixement ¨Llegir¨, la repetició obsessiva com a condemna ¨Dèria¨, el pas del temps i la memòria de la infància ¨Jugar¨. Alguns relats tenen un fons més trist o introspectiu: “Interrogatori” explora la mort com a metàfora de buidor vital. “Un pobre” reflecteix l’exclusió social i la mirada classista. “Lul·lianes” 1, 2 i 3 parlen de l’amor i la traïció en clau mística i filosòfica. “Desaparició” acaba sent una metàfora potent sobre la renúncia i el silenci.

    6. Reflexions sobre art i literatura

    Diversos relats es miren el fet artístic amb distància irònica: “Èxit” i “Plagi” parlen de la frustració creativa i el reconeixement social. “La pintura del silenci” i “Articulisme” reflexionen sobre el procés creatiu, el pes del buit i la necessitat d’expressar-se. “Llibreria” juga amb la confusió entre llibres i lectures, fent una crítica subtil al mercat editorial.

    Com a conclusió, podem dir que VUITANTA-SIS contes i barbolles, publicat per Tèmenos Edicions, és un recull de microrelats molt potent i variat. La brevetat dels seus textos obliga a la concentració d’idees i a l’eficàcia expressiva. En Planelles aconsegueix condensar pensaments complexos en escenes de gran força.

    És un conjunt de microrelats recomanable per lectors que gaudeixin d’una narrativa intel·ligent, amb un toc irònic i, de vegades, desconcertant. Són textos que conviden a la relectura, perquè cadascun amaga capes de significat que es descobreixen progressivament. En definitiva, VUITANTA-SIS contes i barbolles és un recull variat, ric i imprevisible on cada text és una petita peça autònoma que sacseja el lector/a amb imaginació, ironia o reflexió filosòfica. Un llibre perfecte per a lectors que gaudeixen de l’humor intel·ligent, el surrealisme i la crítica punyent de la realitat.

    Podeu conèixer més de l’autor a l’entrevista que li vam fer a la Revista.

    VUITANTA-SIS contes i barbolles.  Microrelats d’Albert Planelles 

    Tèmenos Edicions, Barcelona 2025

  • Entre dues fosques: La luz y el abismo en la poesía de Antoni Vidal Ferrando

    Entre dues fosques: La luz y el abismo en la poesía de Antoni Vidal Ferrando

    Entre dues fosques. Antoni Vidal Ferrando. Editorial Proa


    Entre dues fosques, la última obra de Antoni Vidal Ferrando, nos sumerge en un universo poético marcado por la profunda melancolía y la honesta reflexión. Este poemario, cuyo título evoca la idea de la existencia humana como un punto de luz entre dos infinitas oscuridades, se nutre del pensamiento de un poeta que se sabe en el final de su camino vital. A través de una cincuentena de poemas breves, Vidal Ferrando nos invita a un viaje por su memoria, sus preocupaciones y su amor incondicional por la literatura y la naturaleza, construyendo una obra que es, al mismo tiempo, un lamento y un canto de resistencia.

    Antoni Vidal Ferrando (Santanyí, 1945) es una de las voces más destacadas de la literatura catalana contemporánea, un poeta y narrador galardonado con prestigiosos premios como el Sant Joan de narrativa y el Carles Riba de poesía. Con el tiempo, ha logrado que su prosa, especialmente en sus últimas novelas, adquiera una fluidez poética que se centra en una visión vital, filosófica y política, teñida de la bondad que lo caracteriza. La voz del poeta, esa misma que late en el corazón de sus novelas, se hace aquí aún más palpable y nos recuerda que, más allá del verso, el autor es un hombre con una perspectiva única, forjada por la experiencia y el paso del tiempo.

    Ya en la primera página, Vidal Ferrando hace una declaración de principios con una cita de Vladimir Holan: «aquello que es solamente poético mata la poesía». Y es que su libro no busca la belleza vacía, sino que se enriquece con toques narrativos y una prosa que parece salida de un monólogo interior. El poemario se inicia con un sentimiento de nostalgia, un anhelo por lo perdido que se extiende a través de sus versos, evocando imágenes de un México rulfiano y la necesidad de cuidar la naturaleza.

    La voz del poeta se alza cargada de una tristeza que anida en su corazón, manifestada en la recurrente presencia de los cuervos. Sin embargo, en medio de esta oscuridad, late también la voluntad de recordar la belleza de la vida. Vidal Ferrando se siente abrumado por las grandes tragedias del mundo contemporáneo, ya sean los desastres climáticos o las guerras salvajes, y se pregunta si el único refugio posible es la gran literatura. Su poesía se nutre de referencias a autores como Rulfo, Faulkner, García Márquez, Swift, Lewis Carroll, Walt Whitman y Mercè Rodoreda, convirtiendo el poemario en una rica conversación con la tradición literaria.

    La melancolía del poeta es palpable en su percepción del final del camino, expresada en versos como «ni un sorbo de futuro» o en su lamento por la pérdida de las palabras: «Yo que siempre había amado las palabras, también las palabras que ahora busco, y las olas se llevan». Sin embargo, en su honestidad, también hay espacio para la memoria de aquellos que marcharon. A pesar de todo, Vidal Ferrando se rebela contra el desánimo. Su obra es un cruce entre un pasado edénico, un futuro que le preocupa y un presente que se presenta desesperanzador, especialmente ante la amenaza de opciones políticas extremas que «hacen llorar a los violines y matan las begonias». No obstante, su voz es la de un hombre que, a pesar de la desesperanza, manifiesta su optimismo con versos como «no me han de ver desfallecer, resistiré hasta que se acabe la tinta o hasta que no quede ninguna estrella».

    En Entre dues fosques, nos reencontramos con el Antoni Vidal Ferrando más grande, más poderoso y, a la vez, más triste y esperanzador. Es una obra donde la lengua brilla con una fuerza inusual, llena de adjetivos y sustantivos que se convierten en «purpurinas en la noche». Al final del libro, el poeta nos lega unas palabras de consuelo y un llamado a ser más atentos con el mundo. Entre dues fosques termina como empieza, como una luz en medio de la oscuridad. La obra de Antoni Vidal Ferrando es un faro que nos recuerda que, incluso cuando el futuro parece incierto, siempre nos quedarán las palabras, los recuerdos y la resistencia. Es una lección de humildad y una invitación a la reflexión que perdurará en la mente de los lectores mucho después de pasar la última página.

  • “Entre cristales y sombras”, de Alda Pascuzzo-Lima

    “Entre cristales y sombras”, de Alda Pascuzzo-Lima

    *Reseña escrita por “Qué Leer”

    “Entre cristales y sombras” marca el debut literario de la poeta venezolana Alda Pascuzzo-Lima. Un poemario que revela una voz llena de sensibilidad, y también un dominio técnico digno de una autora experimentada donde se interna en las complejidades de la dualidad humana, explorando los contrastes que habitan nuestra existencia.

    Dicha y sufrimiento

    Vivo entre la dicha

    y el cruel sufrimiento,

    amarte es ventura

    amarte es tormento.

    Como una promesa

    que se lleva el viento

    vivo entre la dicha

    y el cruel sufrimiento.

    (pág. 30)

    Publicado en 2023 por Luis Felipe Capriles Editor, este libro es una obra rica y profunda que muestra a una autora con un manejo impecable de las formas poéticas clásicas, como el soneto, la glosa, la silva y el rondel, entre otras. 

    Su destreza técnica enriquece la lectura y resalta la atemporalidad de estas estructuras cuando se combinan con una voz poética fresca y auténtica.

    Sin ti

    (Trioleto)

    Vivir sin tu compañía

    acaba con mi esperanza

    es más duro cada día

    vivir sin tu compañía.

    Es una carga sombría

    de la tristeza, la danza,

    vivir sin tu compañía

    acaba con mi esperanza.

    (pág. 66)

    El hilo conductor de la obra es la dualidad: el contraste constante entre opuestos que, en su interacción, dan sentido a nuestra existencia. Desde el título hasta cada poema, la poeta nos sumerge en un diálogo entre luces y sombras, explorando la vida y la muerte, el amor y el desamor, la dicha y el sufrimiento. “Entre cristales y sombras” sugiere un juego constante de contrastes y reflexiones.

    ¿Quién dice?

    ¿Quién dice que la muerte es el final del camino?

    ¿Quién sabe si quizás sea sólo el gran destino?

    ¿Por qué tanto temor si es que a eso vamos todos?

    ¡Si, pase lo que pase, iremos de algún modo!

    (pág. 38)

    Pascuzzo-Lima logra, con cada composición, que el lector transite por un paisaje emocional cargado de imágenes vívidas y reflexiones profundas, donde lo universal se convierte en algo íntimo. La musicalidad de sus poemas y la riqueza de sus metáforas logran que cada composición sea una experiencia única, cargada de belleza y significado.

    Uno de los aspectos más destacados de este poemario es la capacidad de la autora para conectar los temas de su obra con la experiencia humana de manera honesta y conmovedora. En sus versos, el amor no es solo pasión, sino también melancolía; la muerte no solo representa el final, sino un nuevo inicio de cuestionamientos. Cada poema invita a una introspección que es tan necesaria como inevitable.

    ¿Acaso si te amara todavía?

    ¿Acaso si te amara todavía

    el dolor que me embarga inconsolable

    para explorar un camino insondable,

    dejar mi corazón por fin podría?

    (pág. 63)

    Este libro es una obra para quienes buscan redescubrir la belleza de las formas clásicas al servicio de una voz contemporánea. “Entre cristales y sombras” es una invitación a contemplar la vida desde múltiples perspectivas, a perdernos y encontrarnos entre luces y oscuridades.

    Una oportunidad imperdible de realizar este viaje poético que, como la vida misma, está lleno de contrastes. Alda Pascuzzo-Lima ha creado un poemario para quienes aman la poesía clásica y quienes buscan una conexión emocional y espiritual en cada verso. 

    Si buscas un libro que te invite a viajar entre claroscuros, a explorar la fragilidad y la fortaleza de la existencia, este poemario es para ti. Alda Pascuzzo-Lima ha llegado a la escena literaria con una voz que promete quedarse y resonar. No te pierdas la oportunidad de descubrirla.

    ¡Lee poesía clásica con una voz contemporánea a través de “Entre cristales y sombras”!

    • Reseña escrita por “Qué Leer”
  • Notas y relatos desde Candelaria, de José Luis Regojo (Ed. Fuerte Letra, 2025)

    Notas y relatos desde Candelaria, de José Luis Regojo (Ed. Fuerte Letra, 2025)

    José Luis Regojo (1958, Caracas, Venezuela), vive en Candelaria (Sta Cruz de Tenerife). Es catedrático de lengua inglesa y traductor de la obra del ecopoeta estadounidense beat Gary Snyder, al castellano y catalán. Autor de diversos libros de gestión de entidades sin ánimo de lucro y artículos periodísticos en Es Diari de Menorca. Ha publicado los álbumes ilustrados Max y su sombra (Ed. Proteus, 2012) y Cuento contigo, Nala (Ed. Escribe Conmigo, 2021). También es autor del poemario Fronteras (Autografía, 2018), de los libros de relatos Recetas y relatos de un año bisiesto (Autografía, 2019), Trece meses (Ed. Platero, 2021) y la novela-diario El pino (Ondina ed., 2023).

    Ha publicado poemas y relatos en antologías y distintas revistas digitales. Es director de la Revista Abierta de poesía, Poémame (http://152.228.140.20/ y Secretario de la Asociación Cultural Canaria de Escritores (Acte).

    Tal como nos avanza el autor en la cubierta del libro, ¨Notas y relatos desde Candelaria¨, publicado por la editorial Fuerte Letra, “se comenzó a escribir durante el otoño del año 2022 y finalizó el mes de diciembre de 2024. La semilla de algunos de los textos que van a leer a continuación, vieron la luz “digital” en revistas de literatura con sede en Candelaria, como las revistas de la Asociación Tamasma Cultural y de la Asociación Cultural Canaria de Escritores (Acte), así como en mi blog personal”.

    La lectura de este libro va a sugerir al lector un puñado nada desdeñable de emociones. Porque cualquier isleño con raíces candelarieras se dará por aludido en los relatos protagonizados por el océano. A nadie dejará indiferente la Casa Las Miquelas, centro alfarero fundamental para ayudar a mantener viva la tradición alfarera guanche en la villa mariana. De la misma manera, nos tocará el alma, ese mito extendido de nuestra amabilidad y mansedumbre que se pasea por todo el libro. Como canaria, me siento identificada con ese carácter tranquilo, que no es docilidad, no se confundan, sino amor a la placidez y la calma.

    Desde la playa de La Viuda a Igueste, pasando por Cuevecitas o Barranco Hondo, Caletillas, Malpaís, Araya o la propia Villa, el lector pasea por los espacios conocidos y por los paisajes humanos más emblemáticos y queridos de Candelaria. El catalán que vino a sentir canario ha firmado su testimonio literario de estos lares. Y lo ha firmado desde su balcón, como a él le gusta decir. Con su afabilidad innata y sus horizontes de para en par, José Luis no ha tenido problema alguno en sentirse canario. Ha abrazado sin pudor nuestro léxico y nuestros modismos hasta hacerlos suyos. Se ha acostumbrado (no sin cierto esfuerzo, eso sí) a nuestro elogio de la lentitud en el día a día. Y se ha dejado meter hasta el tuétano esa canariedad que solo el que ama esta tierra conoce de verdad.

    “El libro está compuesto de sensaciones, reflexiones, divertimentos, todos ellos surgidos mientras miraba el océano a nuestro alrededor, (desde su ventana, añado yo) y que tenemos por espejo desde la costa candelariera, sin olvidar, por supuesto, los susurros permanentes de los barrancos que nos abrazan. Nada ni nadie es real, todo es fruto de la ficción”.

    Pero entre ficciones y veras, asoman en la obra la mirada crítica de quien ve al océano escupir un pañuelo palestino, o el asombro casi pueril de quien se sorprende ante la inmensidad de una tierra volcánica de sequero que dificulta el caminar, la admiración ante las leyendas de Barranco Hondo o Malpaís o la actividad cultural permanente de la Villa. Todo le fascina. Todo lo sorprende. Esperamos que a ustedes también. Felicitamos al autor por este trabajo, que sin duda aporta unas pinceladas de  literatura inigualables al panorama cotidiano de Candelaria, al paisajístico, al histórico y al humano.

  • Testigos de cargo, de Bruno Mesa

    Testigos de cargo, de Bruno Mesa

    Bruno Mesa (Santa Cruz de Tenerife, 1975) es un escritor y poeta español que ha publicado una notable variedad de obras literarias. Entre sus libros de poesía destacan El laboratorio (galardonado con el Premio Internacional de Poesía Fundación Loewe a la Joven Creación en 1999), Nadie, El libro de Fabio Montes, Testigos de cargo y Las raíces del vuelo. En el ámbito de la narrativa breve, ha publicado Ulat y otras ficciones (2007), que incluye un relato ganador del Premio Internacional de Relato Breve Julio Cortázar en 2004, y Literatura fantasma (2022). Además, es autor de la novela El hombre encuadernado, el libro de ensayos Argumentos en busca de autor, el cuaderno de viaje No guardes nada en tus bolsillos y el libro de aforismos Planes de fuga (2021).

    Como traductor, Mesa ha vertido al español poemas de destacados autores italianos como Giorgio Vigolo, Camillo Sbarbaro, Paolo Febbraro y Eugenio Montale. Su labor como crítico literario se ha desarrollado en diversas revistas y suplementos culturales españoles, siendo colaborador habitual de la revista Clarín. En 2011, obtuvo la beca de creación y crítica literaria de la Academia de España en Roma.

    Su obra poética aborda temas políticos, existenciales y sociales. Testigos de cargo se estructura en tres partes: una primera de tono pesimista, una segunda que explora el espejismo del paraíso y una tercera que plantea una leve esperanza.

    En el poema inicial, Tre schegge romane, se percibe un profundo desaliento, cuestionando si la humanidad puede superar sus propias ruinas. Los versos reflejan una visión desesperanzada, donde el ser humano parece avanzar solo para presenciar su propia decadencia:

    Y si caminamos aún erguidos

    es por ver cómo caen esas columnas, por untar

    la sangre que sabe a mermelada,

    cerezas tan antiguas

    que la tierra la recibe con el honor de la putrefacción. 

    El peso simbólico de la desesperanza impregna la obra, situando los poemas en el terreno del dolor y la reflexión sobre la existencia. La pregunta sobre qué somos y qué podremos ser se entrelaza con emociones y pensamientos en torno a la vida y la muerte. No hay lugar para la dicha o la victoria, sino para un sufrimiento que expone un sistema de vida arraigado en la podredumbre. La existencia en estas circunstancias se reduce a la insignificancia, y la muerte no ofrece salvación religiosa, sino la desintegración de todo lo que fuimos:

    Mañana seguiremos discutiendo con bocas ajenas. 

    Harán ceniceros con nuestros huesos. 

    Una rata disecada, nuestro cerebro y la etiqueta de un vino 

    ocuparán vitrinas cercanas en el museo de arqueología.

    La mirada crítica y desgarrada en Testigos de cargo revela una sociedad dividida entre privilegiados y desposeídos. En poemas como Tres calles al sur, se contrasta la cercanía de la fiesta con un territorio infranqueable, simbolizando la brecha entre quienes viven y quienes apenas sobreviven. La soledad en medio de la multitud y la alienación en una ciudad desconocida reflejan una sociedad marcada por la urgencia y la hostilidad. Frente a esta realidad, el poeta propone una resistencia íntima, un rechazo a la gran marcha colectiva:

    No hay antígenos para esa enfermedad, amigo, 

    sólo nos queda una íntima resistencia: 

    quedarnos rezagados en la gran marcha, 

    detener el asedio, 

    firmar un armisticio, 

    aprender a vivir como los perros de Antístenes, 

    y si no se cruza una bala en tu camino 

    defender cada palabra 

    como un testigo de cargo.

    La imagen de la isla y el aislamiento, junto con el concepto de la nada, se entrelazan en la obra, reflejando un olvido en el que la juventud no ha podido florecer y se ve obligada a rebelarse o perecer:

    Lo quemarán todo. 

    Como papeles que el viento arrastra por las autopistas 

    nadie podrá detenerlos. 

    Corren equivocados, 

    seguros de cada error. 

    Nada les importa 

    más allá de esta noche. 

    Lo quemarán todo. 

    Nadie puede atraparlos 

    porque nunca fueron nada.

    A pesar de la intensidad pesimista que domina gran parte del libro, el final ofrece un atisbo de esperanza, inspirado en las palabras de Derek Walcott: «el destino de la poesía es enamorarse del mundo a pesar de la historia». Los versos finales invitan a sonreír y abrazar la vida en su fragilidad y cotidianidad:

    Sonríe, amigo, no te cures

    eres un parpadeo

    de alas de buitre,

    una grieta en el desierto, un veneno,

    tal vez un código binario,

    un motor desecado en un barranco,

    y todos los milenios se detienen

    para inventar tus ojos. 

    Sin embargo, esta petición de sonrisa no oculta el espejismo del paraíso. Las ínsulas prometidas no son tan idílicas como parecen. La obra de Bruno Mesa es un viaje poético que combina crítica social, reflexión existencial y una búsqueda constante de significado en un mundo marcado por la desesperanza y la resistencia.

    Para conocer más sobre Mesa y su obra, puedes ver y escuchar esta entrevista:

    El libro lo puedes comprar en la editorial Pre-textos, que lo publicó.

  • INTELIGENCIA ARTIFICIAL Y POESÍA

    INTELIGENCIA ARTIFICIAL Y POESÍA

    Silvia Heidel pinta, toca el piano y además escribe. La prolífica producción literaria que esta polifacética argentina ha desarrollado en los últimos doce años abarca la novela, la poesía y el ensayo, y es a este último género al que pertenece “Creación y autoría en la era de la Inteligencia Artificial”, (editorial Las 1000 y Una, 2024), un apasionante y original estudio sobre los desafíos a los que la IA expone a la poesía actual.

    En el libro se hace un pormenorizado análisis de las poéticas desarrolladas por cuatro autores argentinos contemporáneos: Osvaldo Rossi, Norberto Barleand, Rubén Balseiro y la propia Silvia Heidel, y se detallan los recursos literarios encontrados en cada uno de los poemas publicados por estos autores entre los años 2000 y 2023 con el fin de demostrar que la labor de los poetas es irrepetible a pesar de la competencia generada por el uso de la Inteligencia Artificial. Cada uno de estos autores tiene su particular forma de ver el mundo y de interpretarlo a través de la poesía, que es fruto de unas vivencias, lecturas y contexto cultural específicos e intransferibles. 

    La “literatura” producida a través del uso de la IA podría hacernos pensar que se ha llegado a “la muerte del autor” y por eso en el libro se hace una interesante reflexión acerca de la diferencia entre “autor” y “creador”. La IA es capaz de producir textos a partir de un extenso banco de datos –como en cierta forma hacen los poetas–, y en este sentido es la “autora” de los nuevos textos generados. Sin embargo, nada de lo que se desarrolla con esta herramienta tecnológica ha sido realmente “creado” por ella. La creatividad y la emoción son exclusivas de los humanos porque, como afirma la autora:  

    “El cuerpo del poema se define como un ente vivo que se retroalimenta con voces intertextuales que en él resuenan: desde lecturas de géneros diversos hasta composiciones musicales cultas y populares, desde obras pictóricas hasta mitos, viajes, innovaciones tecnológicas y científicas, noticias, películas, vocablos de lenguas vivas y extintas. Voces que actúan como potenciadores del sentido, y dotan a la creación literaria de una particular singularidad, desdiciendo la ausencia de originalidad y negando la muerte del autor.”

    En el prólogo, la profesora de Literatura Bertha Bilbao Richter señala que: “este libro encierra varios libros”, y es que en él encontramos poesía (el libro se abre y se cierra con sendos poemas, uno a modo de epígrafe titulado “Como no lo haría IA” y otro a modo de cierre titulado “En custodia”),  un exhaustivo estudio hermenéutico de la poética de Rossi, Barleand, Balseiro y Heidel en los capítulos II, III, IV y V , y un detenido análisis ensayístico en el capítulo VI, con unas conclusiones muy bien argumentadas y sustentadas en la obra de importantes teóricos de la filosofía y la literatura universales. Por si esto fuera poco, también se nos regalan las biografías de los cuatro poetas en los que se ha basado este estudio, algo que resulta de mucha utilidad.

    Cuando acabé la lectura de este ensayo, quise probar la eficacia de la IA a la hora de sustituir a los humanos en el uso de la palabra. Para ello, entré en ChatGPT y le pedí que hiciera un resumen de las conclusiones del libro. El resultado fue un texto aparentemente bien redactado, con un estilo muy similar al empleado por Heidel, pero lleno de contradicciones. A continuación solicité a la misma aplicación que escribiera un poema basado en un tema muy concreto. En la pantalla de mi ordenador aparecieron unos “versos” plagados de clichés sin ninguna profundidad. Estos simples experimentos me han permitido reafirmar mi adhesión absoluta a lo plasmado en este magnífico estudio. 

    “Creación y autoría en la era de la Inteligencia Artificial” me ha parecido un ensayo ciertamente original: me ha dado a conocer los entresijos de la obra de unos poetas excelentes, me he admirado de la capacidad de reflexión y análisis de la autora y he disfrutado de la poesía de Silvia Heidel, a quien sigo desde hace bastante tiempo.