Hoy tenemos el placer de compartir con todos vosotros la comunicación que nuestro amigo y compañero, el poeta Domingo Martínez, @ludico1964 para la comunidad Poémame, nos ha transmitido: Festival internacional de poesía Letra Lúdica 2021.
Enganchados en un encuentro de amistad en el agosto poético
Nos pusimos de acuerdo, lanzamos la convocatoria se sumaron muchos; y es así como se da este encuentro poético de agosto 2021, no diré que de forma espontánea porque entre verso y verso es mucho lo que hay que hacer entre planificar y materializar, sobre todo cuando todos trabajamos en otras áreas que son las que llevan el sagrado pan a la mesa.
Conectar los hilos y hacer que esos hilos sean conductores de poesía es un acto gratificante, porque cada uno de los poetas que participen es una emoción diferente que activa distintas regiones sensoriales en un mismo espectador. Pero sobre todas las vicisitudes ocurre otro fenómeno de valor muy significativo; y es esa voluntad que tienen los poetas de compartir su poesía sin esperar nada a cambio, esa manera desinteresada de hacer feliz con su palabra a todo aquel que esté dentro del espectro poético, eso nos motiva a creer en la amistad , a recobrar la fe en los humanos y a sentirnos más cerca de nosotros mismos.
Para participar en cualquiera de los encuentros que organizamos con distintos nombres en el año, solo es necesario tener por lo menos una poesía de su propia autoría, grabar un video con su voz e imagen y enviarlo a nuestra dirección de correo, solo pedimos que ese video no tenga música de fondo y se grabe en lugares cerrados ; la primera exigencia es para evitar los filtros comparativos de acordes que ha implementado youtube para afrontar los temas de derechos de autor, y la segunda para evitar sonidos parasitarios presentes en ambientes exteriores que pudieran dificultar el trabajo de edición.
Para esta edición de agosto poético hemos dividido la jornada en tres secciones, el primer dia —viernes 27 de agosto— en dos bloques se exhibirán los videos de poetas que se expresan en verso libre y en otras formas clásicas distintas al soneto.
Para el segundo día (28 de agosto 2021) consideramos oportuno presentar aquellas nuevas estructuras que han visto luz, sobre todo en este portal donde compartimos con tantos buenos amigos poetas, como es Poemame. En esta ocasión Alda Pascuzzo Lima @aldanalisis y Juan Carlos Burgos @Ruache nos ofrecen sus respectivas disertaciones sobre sus aportes en estos puntos y Edel González @vateignoto nos hace una recopilación de varias estructuras, recitando varios poemas como ejemplo de esas innovaciones en la poesía.
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El domingo 28 de agosto será la noche de los sonetos donde varios poetas expondrán sus creaciones bajo los parámetros del soneto, el mismo contará con una ilustrativa introducción por parte de Ana Maria Sanchez @Minada, previa a la intervención de los recitadores de esa jornada. La clausura del evento se efectuará bajo las palabras siempre hermosas y con la buena energía que tiene la voz de Delia Climents @delia.
Espero nos acompañen en la medida de sus posibilidades en este compartir donde los motores son el amor por la poesía y la extensión de lazos de hermandad.
Este pasado 1 de Julio, la nueva web de Poémame cumplió un año. Estamos muy contentos de la buena acogida que ha tenido esta web, y de que sigáis estando ahí, creando día a día esta pequeña comunidad poética.
Para conmemorar este primer aniversario hicimos un llamamiento en la web, para que los autores explicaran, con tres versos, qué significa Poémame para ellos; esto ha dado como resultado un maravilloso poema colectivo lleno de poesía, sentimiento y emoción.
A continuación dejamos el resultado final no sin antes agradecer de corazón a todos vuestras aportaciones!
¡Salud y Poesía!
Crisol de versos, encuentro,
voces lanzadas al viento
en la vorágine de este ponto que es la vida.
Germina bajo el cielo
la potencia de un faro
palabras, unión, versos… poemas.
Volar con aliento del aire
viajando entre voces aladas,
palabras que escuchan silencios.
El éxito de un poema es ser incisivo
para llenar ese vacío
que engendra lo imprevisto, lo extraño.
La intensa efervescencia
del poema que muestra
el mundo y su conciencia.
¡Ven! Siéntate en esta mesa
aquí, se estrenan los versos
vistiendo gozos y penas.
Cuando la luz sea gris en mi ventana
y ronde ya la noche, corazón:
¡Poémame con versos la mañana!
No hay fronteras en el aire de un poema.
Poémame de versos en el tiempo y la memoria.
Palabras, todo palabras… que hablan, gritan y callan.
Después de tanto estar dormida
se me abrió el alma en palabras.
Poémame me dio de nuevo alas.
Le dije a la pluma, llévame
a sobrevolar cielos de poesía;
y como excelsa vía, hallé a ¡Poémame!
Destilando existencia
en sentidas estrofas
une el verso y la prosa.
Vuelan aves al leer en Poémame poesía
e imagino ser una de ellas con fantasía.
Invitamos, desde lo alto, a seguir nuestro día.
No sé cómo llegué a esta orilla
-naufragado-, más hallé alimento,
aprendizaje, ejemplo y estima.
Poetas abrazados, en un grato contertulio
por un octeto de años, han viajado por el mundo
y se han vestido de gala, cada primero de julio.
Hipnotizan las letras en un Poémame laberíntico,
hurgan emociones en el sin fin del abstracto vacío,
allí donde las almas florecen al leer tus latidos.
En el bar de las letras
fluye como una corriente eterna
el lenguaje de las emociones.
Muchos aman su prosa
otros a su verso en rima estrambótica,
Poémame en Julio, en pandemia es otra cosa.
Coloreo, aireo el fantasma
para esos bellos seres que versos bellos sugieren;
el que llevo incrustado en el alma.
Sediento el viejo poeta
desanda ríos sin caudal
y halla la fuente en Poémame.
Encontré mi refugio, sin haberlo buscado,
placentero recinto, conociendo a mis pares,
inmortal poesía, comunión, armonía.
Destiné la conciencia alguna
sobre este espacio divino
la poesía su bella cuna
Cuna de versos
refugio de poetas
nuestro Poémame.
Abrí la ventana de mi alma,
Poémame entró sin ser llamada,
el miedo se fue, esa misma mañana…
[Cruce de miradas, ventanas abiertas.
-Poémame el suspiro que sople la vela- Te digo.
El canto de la alondra posado en la mesa.]
Puntos, comas, acentos juntos,
risas desde muy adentro,
amigos sin distancia, olvidos con fragancia.
Agradecemos a todos los autores su participación en este homenaje a Poémame. Gracias por ser y estar!
Relación de autores participantes, por orden de aparición:
Hoy queremos compartir con vosotros la existencia de una pequeña gran editorial con sede en Zaragoza. Nació en 1998 con el propósito de editar a literatos «raros» o bifrontes, devolver al mercado editorial libros descatalogados, publicar traducciones inéditas en castellano, resaltar obras olvidadas…
Libros del Innombrable, que así se llama la editorial, nació con la pretensión de enriquecer el ambiente de la edición hispana dentro de sus posibilidades y manteniendo ciertas singularidades. El nombre de la editorial es un homenaje a la novela El innombrable, de Samuel Beckett. También, según la editorial, puede interpretarse como una referencia a la función de la poesía de «nombrar lo innombrable».
La editorial tiene una serie de colecciones estables:
Biblioteca Golpe de Dados (la primera colección de la editorial),
Colección Sarastro (en la actualidad sin continuidad),
Marginalia (colección limitada a las novelas marginales de Federico González),
Colección Thot (destinada a la simbología y a la Tradición Unánime),
Colección Joseph Merrick (regalada a la diversidad funcional),
Los libros del señor Nicolás
Colección Aleteo de Mercurio (cuadernos dedicados al estudio de la simbología que tiene por autores o compiladores a los miembros de la revista Symbolos y del Ateneo del Agartha).
En estos años de vida de la editorial se han publicado dos revistas literarias: Almunia (1998-2003), dirigida por Antonio Fernández Molina y con Alejandro J.Ratia como subdirector, y El perro blanco (2009-2012) .
Entre los autores que han publicado se incluyen: Rubén Darío, Antonio Fernández Molina, Antonio Beneyto, Fernando Arrabal, Goethe, Hölderlin, Josep Soler, Agustín Espinosa, Sun Axelsson, Francisco Nieva, Pedro Garfias, Ernesto Giménez Caballero, Mariano Esquillor, Jan Erik Vold, Edgar Neville, Juan Eduardo Cirlot, Maria Wine, Alfred Jarry, Gunnar Ekelöf, Märta Tikkanen, Kjell Espmark, Per Olov Enquist, Giordano Bruno, Ágnes Heller, Milan Kundera, Andrés Ortiz-Osés, Iván Humanes, Jörn Donner, Charles Baudelaire, Guillermo Osorio, Linda Ekdahl, Han Ryner, Enrique Villagrasa, Magdalena Lasala, Clara Janés, Eduardo Chicharro, José María de Montells, William Shakespeare… (Para saber más, aquí tenéis el catálogo).
Libros del innombrable destina una especial atención a la literatura nórdica y ha publicado a diversos autores de esas latitudes, casi siempre traducidos por Francisco J. Uriz (dos veces Premio Nacional de Traducción), del que también han editado su obra poética y teatral, así como alguno de sus libros de memorias.
En definitiva, tal como decíamos al principio, una pequeña gran editorial que merece nuestra atención y aprecio por resistir en este mundo tan difícil de la edición. Echad un vistazo a su blog, por favor.
Con motivo del Día Internacional de Dylan Thomas, publicamos un nuevo artículo. Esta vez es la versión musical de su poema , “Do Not Go Gentle”, con motivo del Día Internacional del poeta. Aquí os adjunto el enlace del video
El cantante es Rafa Bocero, trovador y productor formado en estudios de Filosofía Pura. Recorre diferentes comarcas poéticas y musicales de culturas propias y ajenas sin dejar nunca de ser él mismo, cómo evidencian sus proyectos Troubadour Songs y FemeXicanaS donde ha puesto música a lo mejor de la poesía en inglés y mexicana, y en esta última en su ámbito femenino. Caminos que lo han llevado a grabar en Irlanda, Alemania, Portugal o Cuba géneros como el Folk Celta, el Bolero, la Balada o el Pop, y colaborar con figuras del ámbito internacional como Nuno Barroso, con varios discos de Oro en Portugal, o el violinista irlandés Steve Wickham, miembro de los Waterboys que ha grabado con U2 y compartido escenario con Bob Dylan. En 1995 realizó su primer concierto y en 2006 hizo su debut discográfico con el álbum “Esencia”, gracias al apoyo de su padrino, el legendario guitarrista Vicente Amigo.
TEXTO Do not go gentle into that good night,
Old age should burn and rave at close of day;
Rage, rage against the dying of the light.
Though wise men at their end know dark is right.
Because their words had forked no lightning they
Do not go gentle into that good night.
Good men, the last wave by, crying how bright
Their frail deeds might have danced in a green bay,
Rage, rage against the dying of the light.
Wild men who caught and sang the sun in flight,
And learn, too late, they grieved it on its way,
Do not go gentle into that good night.
Grave men, near death, who see with blinding sight
Blind eyes could blaze like meteors and be gay,
Rage, rage against the dying of the light.
And you, my father, there on the sad height,
Curse, bless, me now with your fierce tears, I pray.
Sabiendo que la revista de poesía abierta Poémame se une a la celebración del DylanDay 2021 presentando algunas obras literarias y artísticas dedicadas al poeta galés, con mucho gusto quiero participar con un poema y fotografía digital intervenida EL POETA LÍQUIDO.
La vida de Dylan Thomas es el alma de su obra. Me conmueve su sed de intensidad, de habitar el límite. El riesgo y la profundidad de lo salvaje vibran en cada uno de sus versos. Todo en su obra fluye en estado líquido con el potencial de volatilizarse o solidificarse y luego volver a fluir.
EL POETA LÍQUIDO
Homenaje a Dylan Thomas
Quien fuiste tú,
que naciste sediento del borde
donde habitan las quimeras?
Y todavía estás aquí.
Tu profunda voz fluye
directo de la fuente al océano.
Tus palabras desbordan
las orillas mansas
y penetran las escarpadas.
En tu alma estaba grabado el deseo de un mar
que irrumpiera en la carne y el hueso.
Luces y sombras, vivos y espectros
viajaron derretidos en la savia
que corrió por tus venas.
La sed del poeta es lenta y persistente,
implacable como la marea.
Criatura salvaje de soles y lunas intensos, breves…
tu destrucción fue necesaria y vital.
Foto de la portada:
EL POETA LÍQUIDO fotografía digital intervenida. Original photo by Nora Summers 626 x 417 píxeles Alejandra Miranda (Argentina 2021)
En torno a Dylan Thomas se ha tejido una leyenda. Para muchos fue el arquitecto del poeta maldito. Su existencia osciló entre el hechizo del amor y la muerte, en cuya contraposición encontró los motivos principales de su trabajo poético. Nació el 27 de octubre de 1914, en Swansea, Gales. Siendo muy niño supo de las leyendas populares del Gales más remoto y mítico, donde los valores rurales aún conservaban su impronta. Ese legado que recibiera de sus padres fue la piedra angular de prácticamente toda su obra. En Bajo el bosque de leche, volumen autobiográfico -presentado por primera vez el 14 de mayo de 1953 en Nueva York-, describe la vida de una pequeña aldea al borde del mar, en donde aparecen el predicador, el cartero, los pescadores y, mezclados al tañido de las campanas, los rumores del viento, el mar y la lluvia. Sin ir más lejos, esta constante se observa en el libro de poesía Muertes y Entradas (1946). Allí publica su poema «Fern Hill», donde nuevamente evoca el paisaje natal en un fragmento: «Cuando era joven y desenvuelto bajo las ramas de los manzanos(…), el tiempo me dejaba dar gritos y trepar / dorado en el momento culminante de sus ojos, / y respetado entre las carretas era príncipe de las ciudades manzaneras». En una carta a Edith Sitwel, Dylan afirma haber escrito «Fern Hill» cerca de la granja donde transcurre el poema y que suponía para él «una nueva dicha, tan real como lo que hace que las palabras acudan, finalmente, desde esa infancia que nunca ha de ser enterrada, vivida en el cielo o en Gales». Cabe recordar que el debut literario de Dylan Thomas se remonta a 1934. En septiembre de ese año, el periódico inglés «The Sunday Referee» y la librería The Parton Bookshop publicaron Dieciocho Poemas, cuya tirada inicial fue de doscientos cincuenta ejemplares. El 9 de febrero de 1935, Desmond Hawkins dijo acerca de esta obra: «Un crítico debe reseñar unos quinientos libros durante una década. Con suerte, durante ese período, tal vez descubra diez poetas notables (…) El señor Auden es ya un hito. Pues bien: opino que Dylan Thomas es el primer poeta notable que rompe su línea y posee una voz propia, sin excluir nada de cuanto le ha precedido». Fue un trabajador incansable. Se desempeñó como reportero e hizo alocuciones para la BBC de Gales a fines de los 30. El primer texto que expuso fue «La vida del poeta moderno», en el cual se encuentran las claves de su postura acerca del intelectual en la sociedad contemporánea. También hizo guiones para el cine. Amaba todo lo que las palabras representan, simbolizan o quieren decir. En el verano de 1951, Dylan Thomas, estando en Nueva York, recordó de aquella búsqueda literaria: «Por entonces escribí infinitas imitaciones, aunque no las consideraba imitaciones sino más bien cosas maravillosamente originales, como huevos puestos por tigres». Y cita: Sir Thomas Browne, De Quincey, las Baladas, Blake, los imaginistas, la Biblia, Poe, Keats y Shakespeare. «Un conjunto variado y que recuerdo al azar», puntualiza. Anteriormente había publicado Veinticinco poemas (1936) y Retrato del artista cachorro (1940). Este último es una serie de narraciones que describen la infancia y adolescencia del poeta. En una de las aventuras descritas en el cuento «Los duraznos», Thomas y su tío Jim llegan a los bares La Pata de Liebre y La Gota Pura. Entraron al segundo y lo hallaron repleto de gente; era un cuarto lleno de humo, en el cual algunos jugaban a las cartas, otros bebían en silencio. También escribió sobre la granja, el paisaje y los seres extraños, como su primo Gwyliam, que predicaba desde un galpón en ruinas. A Dylan le tocó la época de los poetas nacidos antes o poco después de la Primera Guerra Mundial. «Ellos se asomaron a la vida -escribe el traductor y ensayista Esteban Pujals- en el momento en que se derrumbaban los valores por los cuales se había luchado y aparecían por todas partes los signos de una inestabilidad general. (…) Ante sus ojos no se abrían otras perspectivas que las proyectadas por la rigurosa crítica del hombre y la cultura modernas, según Eliot, o la realista aceptación del materialismo, de acuerdo con Auden». Por lo mismo su obra estuvo exenta de temas sociales, haciendo de su herencia cultural y moral la entidad de sus escritos. El mismo Dylan llegó a decir: «Un poeta no puede ser fiel al partido y a la poesía al mismo tiempo; un poeta debe sufrir, e históricamente está demostrado que la poesía es el único credo social y económico que perdura».
Viaje a Estados Unidos
El inicio de la década del cincuenta fue decisivo en la vida de Dylan Thomas. El Centro Poético de la YMYWWHA de Nueva York le extendió una invitación a los Estados Unidos para dar recitales en distintas universidades del país. El escritor norteamericano John Malcolm Brinnin se encargó de la organización de su itinerario. De dicho viaje surge la leyenda del dipsómano, excéntrico y genio que derrochaba el talento en los bares del Greenwich Village. En las giras deleitó al público recitando poemas de Thomas Hardy, Yeats, Louis MacNeice, Edith Sitwell, entre otros. En sus lecturas le gustaba incluir a poetas ingleses y después leer sus propias creaciones. Poemas como «Y la muerte no tendrá dominio», cuya grabación aún hoy se puede oír, impresionaba por su intensidad: «Y la muerte no tendrá dominio / Desnudos los muertos se habrán confundido / con el hombre del viento y la luna poniente; / cuando sus huesos estén roídos y sean polvos los limpios, / tendrán estrellas a sus codos y a sus pies; / aunque se vuelvan locos serán cuerdos, / aunque se hundan en el mar saldrán de nuevo, / aunque los amantes se pierdan quedará el amor; / y la muerte no tendrá dominio». El poeta se revelaba contra la agonía de la luz. Malcolm Brinnin, quien en definitiva fue su amigo, recuerda la llegada del poeta a Norteamérica en su libro Yo conocí a Dylan Thomas (1959), donde sostiene: «Envuelto al igual que un inmigrante en una deforme parka de lana, el cabello revuelto como un nido sin pájaros, los ojos desorbitados, temerosos, como si quisieran descubrir de golpe toda la tremenda verdad de América, así llegó al aeropuerto de Idlewild bajo el frío riguroso de una mañana brillante y escarchada. La fecha, el 21 de febrero de 1950». En las cuatro visitas sucesivas a Estados Unidos, Dylan Thomas estuvo con personalidades notables del ambiente artístico de la época. Igor Stravinsky, quien profesaba gran admiración por su obra, lo invitó a trabajar en la composición de un libreto para una ópera, proyecto que no se realizó por la muerte prematura de Dylan. Por su parte, el poeta norteamericano E.E. Cummings, después de asistir a uno de sus recitales, sintió tal emoción que tuvo que caminar varias horas por las calles de Nueva York. Fue admirado por personas de todas las edades, quienes le pedían autógrafos y les gustaba departir con él en la White Horse Taver, donde hacía gala de su inteligencia y además se destruía de manera descomunal. Él mismo confesaba serios problemas hepáticos. En la madrugada del 4 de noviembre de 1953, al terminar su cuarta gira por Estados Unidos, Thomas, sintiéndose mal de salud, salió del hotel donde se hospedaba junto a Liz -amiga que lo acompañaba en esos días-, y le dijo que sólo necesitaba beberse un trago en el White Horse, que no demoraría más de una hora, pero al volver le anunció lacónicamente: «Acabo de beberme dieciocho whiskies puros. Creo que es el récord». Cae entonces de rodillas, extiende los brazos y se apoya en sus faldas diciendo: «Te amo…, pero estoy solo». Luego fue víctima de un delirium tremens, producto del cual entró en estado de coma que fue definitivo. Murió en el St. Vicent’s Hospital, el día 9 de noviembre, a las 12:40 horas, en presencia del poeta norteamericano John Berryman. Caitlin, su mujer, con quien tuvo tres hijos, regresó su cuerpo sin vida a Gales, donde fue enterrado en Laugharne, el 24 de noviembre de ese mismo año, dejando inconcluso su volumen de prosas, que se publicara póstumamente, titulado Con distinta piel (1954). Este libro, como todos los otros que creara, está liberado de derechos y podrá ser impreso por cualquier editorial del mundo. Tal vez ahora Dylan Thomas pueda ser leído como él quería: por amantes desinteresados. No por nada a ellos les dedicó su poema «En mi oficio u hosco arte», donde dice: «Trabajo a la luz cantora / no por ambición ni pan / lucimientos o simpatías / en los escenarios de marfil / sino por el común salario / de su recóndito corazón».
HOMENAJE A DYLAN THOMAS
En las anotaciones:
el suelo sembrado de hojas nuevas,
muchachas amapolas con ropa ligera caminando por la calle,
el césped silencioso de una casa vecina,
mientras el sol abre puertas y ventanas. Todo eso
deja la interrogante de mis amigos muertos
que partieron igual como finaliza el resplandor de la luna
El 14 de mayo – #DylanDay – se estableció en 2015 para celebrar la memoria de Dylan Thomas, uno de los más grandes poetas del siglo XX ( https://es.wikipedia.org/wiki/Dylan_Thomas ).
Esta fecha fue elegida como día conmemorativo porque el gran poeta y dramaturgo galés presentó su pieza de radioteatro Under Milk Wood (Bajo el bosque de leche) exactamente el 14 de mayo 1953 en el escenario del Poetry Centre 92nd street Y de Manhattan, Nueva York. Cada año, en el mes de mayo, los estudiosos y apasionados seguidores de Dylan Thomas se preparan para recordar su poesía innovadora y su vida aventurera. Por primera vez la revista abierta de poesía Poémame se une a la celebración presentando algunas obras literarias y artisticas dedicadas al poeta.
Visión de nuevos mundos (a Dylan Thomas) Inter sidera versor (Me muevo entre las estrellas Inscripción en un antiguo reloj de sol)
Tus palabras como parábolas de luz desvelan visiones con bordes borrosos nuevos mundos que se funden en una inmensidad fluctuante. En tu oscuridad arremolinada
caigo.
Levántame con alas anchas más y más alto en el azul. Tráeme a conocer las vibraciones del sol
donde
las hojas de fuego se evaporan
donde por fin puedo saborear el beso de esmeralda y el aliento índigo en el abrazo evanescente del arco iris.
Una primavera más
Here in this spring, stars float in the void (Aquí en esta primavera las estrellas flotan en el vacío)
Dylan Thomas
Una primavera más y las estrellas
siempre las estrellas deslumbrantes en el vacío. Atraída por una llamada hipnótica Me sumerjo en la oscuridad absoluta. El aliento distante del viento a lo largo de los ríos de perlas acompaña el vuelo de la última gaviota. Las olas aúllan y rompen en las orillas del mar. Contigo sólo contigo intento resurgir ilesa.
Vuelo sobre mareas y precipicios con contornos licuados. Los octágonos de luz brillan en su perfecta geometría. Escucho vibraciones en el inmenso silencio: el futuro está cubierto de niebla. En la distancia mi destino lentamente se está deshaciendo.
Poemas escritos en memoria del poeta galés Dylan Thomas para la celebración del #DylanDay, el 14 de mayo
La asociación cultural La Estación del Arte crea el Primer Festival de Poesía en español con la finalidad de contribuir a la expresión y difusión artística en el actual contexto, desde plataformas virtuales. Así mismo pretende fomentar el intercambio internacional entre autores, gestores culturales y académicos del área literaria. En este sentido, la convocatoria reunió a poetas tanto emergentes como quienes llevan un trabajo literario de larga trayectoria sin distinción de edad, reuniendo en este certamen a autoras y autores de más de diez países. Los jurados Cecilia Carrasco, Desireé Monfreda, Luis Garvan, Alice Varrucciu, todos con vasta trayectoria académica y docencia en literatura y lingüística, fueron los encargados de seleccionar las poesías según su valor estético a través de distintas etapas de selección. El día domingo 14 de marzo, se da a conocer el resultado final donde Inés Negro, presidenta y gestora de La Estación del Arte, junto a las jurados Cecilia Carrasco y Desiree Monfreda, hablan de las tres poesías ganadoras en directo desde Radio Lavapiés en la ciudad de Madrid. El primer lugar, lo logra el poema Escultura del poeta Andrés Hubner, obteniendo el premio “Brilla una estrella”; el segundo lugar lo obtiene el poema La Bestia de la poeta Erre Raminé, ganando el premio “Libertad del corazón”; y finalmente el tercer lugar, se lo lleva el poema Gravitatoria del poeta Alberto Miñan, consiguiendo el título “Vuelo libre”. Para cerrar del festival se ha optado también al premio del público que ha sido otorgado a Tanya Mauri con su poema “ Cuando”.
Inés Negro, reconoce que en el contexto de la pandemia en el que hemos vivido el último año a nivel global el valor de la poesía es fundamental para la expresión de las emociones. Por otro lado, Desiree Monfreda ha reconocido que en este tipo de instancias el verdadero ganador del festival es la poesía y que elegir entre los poemas no ha sido sencillo. En la misma línea, Cecilia Carrasco ha dejado claro que la literatura y la poesía es un trabajo tanto emocional como intelectual que requiere más que un fluir de la conciencia y declara que la calidad de las poesías convocadas en el concurso ha sido muy alta. Las emisiones del Festival de Poesía en español se encuentran en el instagram @la_estación_del_arte_ , así como también las declamaciones de las y los poetas. Incluyendo una mención especial para el día 8 de marzo, donde dos poetas María Vanessa Gómez García con su poema Noche y Sangre y Gemma Arimón con su poema Algunos dicen han sido seleccionadas por trabajar poesías con perspectiva de género, feminismo y denuncia.
Redactado por Cecilia Carrasco Cecilia.carrasco@uchile.cl
LA BESTIA de Juliana Salgado Prieto
Es el olor quien doblega a las bestias, por el aroma por quien hincan sus rodillas, se vuelven dóciles, obedientes y dejan que acaricies sus crines y su testa.
Bajan la mirada como súbditos, obedecen como esclavos, no preguntan como los subordinados.
Es por el olor por quien rinden pleitesía Y extienden una alfombra de rosales colorados al paso maestre de su mando zafio.
Posan sus cabezas en regazos maternales, Resguardan los colmillos en sus fauces fieras. Cierran los ojos en la noche, mansos y se dejan llevar de vuelta al bosque.
Es por la poesía por quien me siento consolado y en un relámpago incierto colapso en armonía. Es por ti por quien me siento a salvo, a resguardo de tus garras, de tu gentil zarpazo.
Noche y sangre (Emmanuelle) de Maria Vanessa Gómez Garcia
No borres el perfume, el olor a carne, Emmanuelle. Deja ser al dolor. Él no se estremece por las lágrimas azules o por el sapo que salta entre la hierba fina… Él no sabe del dolor. Del dolor diario, entre paredes o sábanas. Él vive en el exterior. Él no sabe nada. No sabe nada, sobre cicatrices, cabellos o piel… Nosotras sí, Emmanuelle. Él no sabe nada, nada sobre filos de espejos. Tan solo lame su reflejo. Y en la noche, bajo su manta, masturba su cuerpo, que no el nuestro. No nos toca, cariño. Teme ya al cuerpo sangrante. Y en esta noche tan cruel, al fin, nos deja solas.
Escultura de Andres Hubner
Has esculpido una estatua Y te has dormido junto a ella; El soplo de una tarde escarlata Los alumbra en soledad de estrella.
Entonces comienza aquel sueño Donde te hallas totalmente inmóvil, Ahora es ella quien te examina como a un leño Del cual extraer la figura joven.
Espantado en tus ojos vivos La ves con cincel y martillo empuñado; Cae sobre ti y herido Asistes mudo a un horror desesperado.
Astillas, médula y sangre Van vistiendo a la estatua, Cada golpe es uno que arde En un ruido que siempre se escapa.
Teñida entera de tus restos Ya no espera una figura formar, De ti no ha quedado ni el fresco De la inspiración que deseaste forjar.
Entonces despiertas espantado, Alzas tu mirada hacia la obra, Y reconociéndote en ella petrificado La arremetes con odio y deshonra.
Pero ella no se queda quieta, Con sus dedos grandes y pétreos Agarra tu cuello y lo aprieta Destruyendo al instante el pescuezo.
Como un cisne muerto en su mano Parece que ahora reposas, Y en la mirada de turistas y expertos Eres la escultura de una iracunda Diosa.
Algunos dicen… (Gemma Arimon) Algunos dicen que ya estás seca. Que tus pieles son flácidas y cuelgan. Que te perdiste en el camino de curvas para pasar a la carretera recta. Algunos dicen… Que tus carnes ya no son prietas, ni apetecibles. Que ya no eres cándida, ni inocente. Diles… Que en el desierto se hallan oasis. Que las señales en tu piel son el mapa de la vida. Que te liberaste de las cadenas ideales y perfectas que subyugan tu cuerpo. Y que no te deslumbras por las palabras rimbonbantes de los farsantes. Diles, que algunos dicen…
GRAVITATORIA de Alberto Miñan Arranca cada soledad de este cuerpo maldito. Empuja el aire hacia otro aliento innecesario, hacia otro día inexistente en este cuerpo vacío. Arranca cada palabra calcinada entre miedos en este cuerpo dolorido que aún siente el paso de hormigas invisibles entre acantilados vivos. Arranca cada sueño de raíz, que no vuelva a crecer una constelación entre tus oscuridades, que no crezca otra vez un tallo verde en el olvido. Arranca cada brillo de este invierno oculto entre las horas cálidas y apaga de una vez la órbita de la ciudad alrededor de tu cama.
Esquiva cada franja horaria en tu vuelo nocturno y migratorio hacia el Sol. Ahora podrás observar el trazo onírico que define la frontera de la realidad. ¡Arranca el poco tiempo que queda en un grito! Siempre serás el comienzo y el final de tu viaje porque eres la inevitable consecuencia de ti mismo
Premio del público TANYA MAURI
CUANDO de Tania Mauri M. Cuando tu ya no estés Cuando yo me haya ido Se tejerán los recuerdos Con los hilos de olvido Y cuando el tapiz reaparezca En las manos de los hijos Regarán sus sonrisas Con las lágrimas de lo perdido. Cuando tu te hayas ido Y mi cuerpo esté frío Anidaran nuestros sueños En un campo vacío, Hibernando, hasta encontrarme contigo. Cuando yo me haya ido Y tu alma se reencuentre conmigo Bailaran las nubes regalando el rocío Y devolverá la vida Al amor suspendido.
Han pasado más de treinta años desde la irrupción en el panorama artístico internacional de un colectivo de artistas que convirtió la reivindicación feminista en el gran motivo de su práctica artística. Nos referimos a un grupo de mujeres que portaban en sus rostros unas máscaras de gorila, y que se hacían llamar Guerrilla Girls. (1) Aunque se las sitúa entre las primeras mujeres en denunciar este tipo de discriminación, no es del todo cierto. Otras artistas feministas de los años 70 demostraron que las mujeres podían producir arte radicalmente diferente. La crítica feminista, Lucy Lippard, comisarió una exposición exclusivamente de mujeres en 1974. Las Guerrilla Girls, formadas por este movimiento de los años 70, idearon nuevas y diferentes estrategias, buscaron un enfoque alternativo que las diferenciara de los movimientos feministas anteriores que se caracterizaban por odiar a los hombres, o carecer de sentido del humor.
Era el año 1985 y el Museu de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York había programado una exposición de pintura y escultura contemporánea con una representación de 152 hombres y 17 mujeres. Un grupo de mujeres artistas decidió actuar en plan guerrilla para denunciar no solo esta discriminación de género, sino la racial también, y se pusieron máscaras de gorila. ¿Por qué de gorila? Porque en inglés la palabra “guerrilla” y “gorila” se pronuncian igual. Además, esas máscaras les daban el anonimato necesario para su táctica de guerrilla, puesto que enganchar carteles en la ciudad de Nueva York era un delito penal por la Ley Federal norteamericana. Un beneficio añadido a ese anonimato fue el halo de misterio que rodeaba sus identidades, lo que atrajo mucha gente a su causa. Adoptaron los nombres de artistas muertas para mantener y reivindicar su recuerdo. Por ejemplo: Käthe Kollwitz, Frida Kahlo, Eva Hesse, Shigeko Kubota, Alma Thomas, Rosalba Carriera, Alice Neel, Julia de Burgos y Hannah Höch. (2)
Tras esta primera campaña que consiguió avergonzar a la dirección del MoMA, iniciaron una segunda campaña enfocada a la denuncia de galeristas, críticos de arte, comisarios y coleccionistas. El tono de humor e ironía que impregnaba su crítica hacia la institución intocable de los museos, bienales, exposiciones colectivas, galerías etc. enervó aún más los ánimos de los criticados. Evidentemente, el sector respondió con indignación, pero el público era consciente de que sus carteles y denuncias desnudaban las vergüenzas del mundo del arte en su conjunto, más allá de los temas de género.
Este grupo de mujeres también elaboró, desde la clandestinidad, estudios de historia del arte y de estereotipos femeninos que imperaban en el mundo del arte denunciando su parcialidad y discriminación hacia lo femenino. Así, las Guerrilla Girls señalaron con datos las siguientes discriminaciones:
exclusión del cánon de parámetros considerados tradicionalmente femeninos,
dar trato de genialidad a los hombres,
relegar a las mujeres a una subcategoría de arte menor.
La ironía era uno de los pilares de su lucha, y es evidente en todos sus carteles y actuaciones. Destacamos uno de ellos porque enumera las “ventajas” que conlleva ser mujer artista: trabajar sin la presión del éxito, poder desconectar del mundo artístico tras trabajar en cuatro sitios diferentes como autónoma, tener la oportunidad de escoger entre tu carrera y la maternidad, ver tus ideas plasmadas en las obras de otros, estar segura de que cualquier tipo de arte que hagas será catalogado como femenino o que salgas en las revistas de arte disfrazada de gorila.
Con su ingenio y humor, las Guerrilla Girls evitaron una reacción violenta del público hacia sus denuncias, que no se ciñeron exclusivamente al mundo del arte, sino que lucharon para concienciar a la población sobre la pobreza, el sida y la desigualdad social y salarial.
España y Cataluña
Más de un 70% de los estudiantes en las Facultades de Bellas Artes y de Historia del Arte del Estado son mujeres y solo un 6,17% de las artistas presentes en la edición de ARCOMadrid el año 2019 fueron mujeres y españolas. (Gráfico 1) Una cifra prácticamente igual a la del año 2018 y que se repite desde hace 5 años tal y como se muestra en el gráfico 2. (3)
TABLA 1.B ARTISTAS EN ARCO 2019 % en relación al número total de artistas que exponen en ARCO
MUJERES
HOMBRES
Colectivos de artistas MIXTOS
TOTAL
España
6,17%
20,8%
0,2%
27%
Extranjero
20,22%
52,1%
0,4%
73%
TOTAL %
26%
73%
1%
100%
Gráfico 1. Presencia de artistas mujeres y hombres según nacionalidad en ARCO 2019
TABLA 2. ARTISTAS EN ARCO 2010, 2018-2019 En esta tabla los totales no incluyen los colectivos de artistas mixtos
MUJER2010
HOMBRE2010
MUJER2018
HOMBRE2018
MUJER2019
HOMBRE2019
España
7%
21%
6,3%
20%
6,17%
20,8%
Extranjero
22%
50%
19%
54%
20,22%
52,1%
TOTAL %
29%
71%
25,3%
74,6%
26%
73%
Gráfico 2. Evolución desde el 2010 de la proporción de mujeres artistas españolas en ARCO 2019
En Cataluña, según el 4t informe de l’Observatori Cultural de Gènere (5) hecho con la colaboración de Mujeres en las Artes Visuales (4), la presencia de la mujer en las exposiciones realizadas por los grandes centros de arte de Barcelona entre el año 2010 y el 2015 (Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Museu Nacional d’Art de Catalunya, CaixaForum, Arts Santa Mònica, Fundació Joan Miró, Fundació Suñol, Fundació Antoni Tàpies, Fundació Vila Casas, Fundació Catalunya-La Pedrera, La Virreina -Centre de la Imatge-), confirma que solo el 14% de las exposiciones se dedicaron a mujeres artistas.
Según cifras del año 2018 del Observatori de Públics del Patrimoni Cultural de Catalunya (6), el número de mujeres que visitaron los museos fue superior al de hombres: 42,8% frente al 39,1%. Pero este estudio se hizo sobre una muestra de población catalana, y la realidad es que una parte importante de los visitantes de los museos no son catalanes, sino turistas.
Estas cifras no hacen más que confirmar lo que las Guerrilla Girls ya denunciaban el siglo pasado. Demandaban que el arte fuera un lenguaje accesible, libre y universal que transmitiese belleza, crítica e innovación. No un entorno selectivo, minoritario y machista. Su posicionamiento sigue estando vigente y son un referente para el arte feminista que quiere cambiar no solo la situación de las mujeres, sino también, y como consecuencia, el mundo. Aquel activismo estadounidense de entonces está ahora representado en España por los movimientos feministas de artistas que se reúnen en la Bienal de Mujeres en las Artes Visuales (7), donde se discute el papel del arte como un instrumento de liberación social y denuncia del dominio masculino.
Las Guerrilla Girls del siglo XXI
Los trabajos de las Guerrilla Girls en la década de los 2000 presentan un predominio del uso de imágenes y texto a manera de collage. Por ejemplo La bomba de Estrógeno del año 2014. Este trabajo es una obra de formato vertical, en la que se ve a la Tierra en el espacio, sobre la que se posa amenazante una píldora roja de la que salen llamas por la parte trasera, le sigue un texto que comenta los efectos que tendría esa bomba de estrógenos (hormona sexual femenina): se paralizarían las guerras y los conflictos, los dirigentes hombres se pondrían a trabajar a favor de los derechos humanos y para acabar con las desigualdades.
La historia nos ha demostrado que, a lo largo de los años, nada dura eternamente y menos un movimiento anónimo que ya tiene presencia en museos y galerías. La fama lleva a la disensión y eso es lo que ha pasado. A medida que las Guerrilla Girls ganaban popularidad, las tensiones llevaron a lo que más tarde ellas mismas llaman «banana split»: la separación de cinco integrantes del colectivo. Posteriormente, una segunda escisión llevó a varias componentes de color a enfrentarse a la gestión de las actuales dirigentes, una jerarquía tácita en el grupo, porque se veían utilizadas para cubrir el ‘cupo de color’, y con una participación simbólica, conocida como tokenismo (un término que hace referencia a la práctica de efectuar pequeñas concesiones superficiales hacia un colectivo discriminado).
Estas disensiones dieron origen el año 2001 al nacimiento de las Guerrilla Girls Broadband (8). Por su lado, «Kahlo» y «Kollwitz» registraron la marca Guerrilla Girls, Inc. para distinguirse de las anteriores y de su Guerrilla Girls On Tour (compañía anónima de teatro itinerante cuya misión es desarrollar obras de teatro activistas, representaciones artísticas y teatro callejero que aborden el feminismo y la historia de las mujeres) (9). A partir de ese momento, empezaron a pleitear unas contra otras y muchas integrantes del grupo se sintieron especialmente traicionadas porque «Kahlo» y «Kollwitz» hubiesen iniciado esa demanda utilizando sus nombres reales, Jerilea Zempel y Erika Rothenberg. Esto provocó reacciones negativas de las Guerrilla Girls actuales y anteriores, quienes objetaron que «Kahlo» y «Kollwitz» se atribuyeran la responsabilidad de haber creado el esfuerzo colectivo, así como la ligereza con la que cambiaron su anonimato por legitimidad.
Por otro lado, los estudiantes de la Facultad de Arte y Diseño de Minneapolis criticaron la campaña de carteles de la bomba de estrógeno, describiéndola como insensible hacia las personas transgénero, ya que vincula el género femenino al estrógeno, el mismo tipo de vínculo esencialista que las Guerrilla Girls pretenden criticar.
Conclusiones
Las diferentes reivindicaciones de las Guerrilla Girls en las últimas décadas han puesto de manifiesto diferentes formas de entender el arte y la programación artística. También han servido para denunciar que la mercantilización del arte no es el fin para el cual el arte ha sido creado, y no han dudado a la hora de exigir un arte accesible para todos los públicos, porque el arte consiste también en despertar conciencias. El prestigio de la cultura de la clase dominante, representado en los museos de arte, ha reforzado y sigue reforzando la inclusión de una minoría y ha determinado y sigue determinando la exclusión de una mayoría: los grupos sociales más frágiles social, económica y culturalmente. El compromiso social de las Guerrilla Girls ha sido su principal motivación de creación artística, de ahí que su reivindicación feminista haya reflejado todas esas demandas de igualdad real para las personas con independencia de su género, raza o nivel económico.
Las Guerrilla Girls y sus secuelas continúan siendo un movimiento rompedor, imaginativo y comprometido con la ironía, el humor y los datos como armas de lucha. Destaparon que el arte institucional y contemporáneo del último cuarto del siglo XX no era precisamente vanguardista y que también era un bastión machista que sigue vigente, en gran medida, hasta el día de hoy. Hay que reconocerles que uno de los éxitos más importantes de su existencia, no es que hayan conseguido la paridad, pero sí que haya muchas más mujeres del mundo del arte, peor pagadas que los hombres (12), decididas a denunciar esta discriminación sin una máscara de gorila, abiertamente, sin miedo a ser señaladas. Por otro lado, también existen alternativas al arte más tradicional como Tamagit (10), un proyecto cultural dirigido por una mujer y conectado a la ciudad de Barcelona que pretende dar valor a la obra de artistas de joyería contemporánea que parten de un legado al cual aportan su experiencia vital desde una visión estética ética y de respeto a los derechos humanos.
Existen varios aspectos culturales que favorecen la discriminación femenina dentro del mundo del arte y de la política como lo muestran los trabajos realizados por Aware -Archives of Women Artists, Research & Exhibitions– (11). Hombres y mujeres deberíamos ir de la mano para superar el problema de género mediante nuevas propuestas que no partan de la idea de repetir lo mismo que hacen los hombres. Tenemos que mirarnos como parte del conjunto de los seres humanos que trabajemos de forma colectiva para la construcción y transformación de procesos sociales, políticos y artísticos que consigan la liberación social y denunciar el patriarcado imperante en nuestros días. Para esto también nosotros, los hombres, debemos cambiar de mentalidad con el fin de eliminar las jerarquías de poder que han sido impuestas de manera sexista.
No hace falta ser miembro de las Guerrilla Girls para ser activista, cualquiera puede llevar a cabo su propia y loca campaña de activismo o contribuir con su causa ayudando en su difusión. Ellas nos han enseñado que la discriminación se puede combatir con ingenio, descaro, rigor científico y mucho sentido del humor. Si los museos de arte han sido vehículos de conocimientos, sólo comprensibles para una minoría, actualmente están obligados a procurar las herramientas necesarias para que estos conocimientos lleguen a todos. El cambio está en nuestras manos, en las de cualquiera, en las de todos.
Bonus
¿Por qué no puede ser Banksy la última o más actual ocurrencia de las Guerrilla Girls? ¿Por qué asumimos que es un hombre? Todo el mundo cree que Banksy es varón, pero si analizamos su trabajo, se ve que la mujer está presente en muchos de sus grafitis, y nunca de forma sexualizada, lo que es raro en ese tipo de arte urbano.
Son muchas las teorías que han tratado de descubrir su identidad. Es difícil creer que una sola persona esté detrás de todo el ‘mundo Banksy’. ¿Y si fuera un grupo organizado? ¿Y si esas representaciones artísticas tan subversivas salieran de las manos de una mujer o de un colectivo de mujeres? ¿Será Banksy una mujer? ¿Se ocultará detrás de una máscara de gorila?
Balarezo, C. (2016). Las Guerrilla Girls y el Activismo contra la Discriminación. academia.edu. Consulta diciembre 10, 2020, https://www.academia.edu/30247710/Las_Guerrilla_Girls_y_el_Activismo_contra_la_Discriminaci%C3%B3n_pdf
Baygual, J., Brugat, R., & Cabré, M.À. (2016). 4art Informe de L’OBSERVATORI CULTURAL DE GÈNERE, amb la col·laboració de MAV (Mujeres en las Artes Visuales). http://dones.gencat.cat/web/.content/03_ambits/docs/publicacions_OCG_informe4.pdf
Bienal de Mujeres en las Artes Visuales. (n.d.). Bienal de Mujeres en las Artes Visuales. Consulta diciembre 7, 2020, https://www.bienalmav.org/
Delgado, C. (2012). El museo de arte y el no-público. El problema de los estereotipos. Revista colombiana de sociología, 35(2). https://revistas.unal.edu.co/index.php/recs/article/view/37200
Guerrilla Girls. (n.d.). Guerrilla Girls. Consulta diciembre 5, 2020, http://www.guerrillagirls.com/
Guerrilla Girls. (n.d.). Wikipedia. Consulta diciembre 5, 2020, https://es.qaz.wiki/wiki/Guerrilla_Girls
The Guerrilla Girls. (2020, noviembre 14). The History Hour. BBC Sounds. Retrieved diciembre 10, 2020, Podcast, https://www.bbc.co.uk/sounds/play/w3cszkpt
Guerrilla Girls on tour. (n.d.). Guerrilla Girls on tour. Consulta diciembre 5, 2020, https://guerrillagirlsontour.com/
Institut Català de Recerca en Patrimoni Cultural. (n.d.). ICRPC. Consulta diciembre 7, 2020, http://observatoripublics.icrpc.cat/cat/inici.html
López, D. L. (2015). Guerrilla Girls and Guerrilla Girls BroadBand: Inside Story. Asparkía. Universitat Jaume I, 27. https://www.e-revistes.uji.es/index.php/asparkia/article/view/1867
Mandel, C. (2010). Cuerpo femenino, humor y resistencia. Escena. Revista de las artes, 67(2), 71-82. https://www.redalyc.org/pdf/5611/561158769002.pdf
Mujeres en las artes visuales. (n.d.). MAV. Consulta diciembre 6, 2020, https://mav.org.es/
“Stein, Gertrude” et alia. (n.d.). Guerrilla Girls and Guerrilla Girls BroadBand: Inside Story. Consulta december 7, 2020, http://guerrillagirlsbroadband.com/sites/guerrillagirls/files/GGBBInsideStoryFinalCAA.pdf
A veces, un paseo por un parque es suficiente para despertar un rastro de recuerdos. Eso fue lo que me pasó cuando una tarde de verano hace unos años me encontré en el Valentino, uno de los parques más hermosos y atmosféricos de mi ciudad, Turín, paseando en el mismo momento en que se encendieron las primeras farolas. Así que recordé los dulces momentos de mi infancia, cuando mi padre solía llevarnos a ver la inauguración de los sistemas de iluminación que había construido.
La luz de esas farolas parecía competir con la luna y las estrellas y dibujaban juegos de luz en el fondo del cielo nocturno, colores irreales que parecían revelarse sólo para nosotros. La emoción de esos momentos revividos me llevó a escribir el poema «Un cielo nocturno» que dediqué a mi padre, Guido Chiarelli, conocido como el pionero del alumbrado público por los innovadores y numerosos sistemas realizados.* https://es.wikipedia.org/wiki/Guido_Chiarelli
Propongo a los lectores de Poémame el texto poético y el video-poema que hice para describir esas emociones sugerentes.
¡Una raya de azul! ¡Una barrida de Gray! Algunos parches escarlata – en el camino – Forman un cielo nocturno. . . -Emily Dickinson Tan dulce fue el aroma de esas noches cuando
nuestros pasos inventaron largos itinerarios en los jardines de verano cuando
lentamente las farolas se encendieron y compitiendo con las lunas y las estrellas formaron parábolas de luz en las piedras opacas de los caminos.
Entonces,la vida recién comenzada parecía revelar ¬Sólo para nosotros. un cielo de colores irreales. Incontables imágenes (fragmentos de viejos recuerdos)
que hoy se recrean y se rompen en el cansado caleidoscopio de la mente.
NOTA DE LA REDACCIÓN:
La revista publicó el 8 de enero de 2019 un artículo con poemasde Lidia Chiarelli, escrito por Mariela Cordero, que podéis leer para conocer mejor la biografía y obra de esta poeta italiana.
