Categoría: Actualidad

EL NUEVO POÉMAME CUMPLE UN AÑO

Este pasado 1 de Julio, la nueva web de Poémame cumplió un año. Estamos muy contentos de la buena acogida que ha tenido esta web, y de que sigáis estando ahí, creando día a día esta pequeña comunidad poética.

Para conmemorar este primer aniversario hicimos un llamamiento en la web, para que los autores explicaran, con tres versos, qué significa Poémame para ellos; esto ha dado como resultado un maravilloso poema colectivo lleno de poesía, sentimiento y emoción.

A continuación dejamos el resultado final no sin antes agradecer de corazón a todos vuestras aportaciones!

¡Salud y Poesía!

Crisol de versos, encuentro,
voces lanzadas al viento
en la vorágine de este ponto que es la vida.
Germina bajo el cielo
la potencia de un faro
palabras, unión, versos… poemas.
Volar con aliento del aire
viajando entre voces aladas,
palabras que escuchan silencios.
El éxito de un poema es ser incisivo
para llenar ese vacío
que engendra lo imprevisto, lo extraño.

La intensa efervescencia
del poema que muestra
el mundo y su conciencia.
¡Ven! Siéntate en esta mesa
aquí, se estrenan los versos
vistiendo gozos y penas.
Cuando la luz sea gris en mi ventana
y ronde ya la noche, corazón:
¡Poémame con versos la mañana!
No hay fronteras en el aire de un poema.
Poémame de versos en el tiempo y la memoria.
Palabras, todo palabras… que hablan, gritan y callan.
Después de tanto estar dormida
se me abrió el alma en palabras.
Poémame me dio de nuevo alas.
Le dije a la pluma, llévame
a sobrevolar cielos de poesía;
y como excelsa vía, hallé a ¡Poémame!
Destilando existencia
en sentidas estrofas
une el verso y la prosa.
Vuelan aves al leer en Poémame poesía
e imagino ser una de ellas con fantasía.
Invitamos, desde lo alto, a seguir nuestro día.
No sé cómo llegué a esta orilla
-naufragado-, más hallé alimento,
aprendizaje, ejemplo y estima.
Poetas abrazados, en un grato contertulio
por un octeto de años, han viajado por el mundo
y se han vestido de gala, cada primero de julio.
Hipnotizan las letras en un Poémame laberíntico,
hurgan emociones en el sin fin del abstracto vacío,
allí donde las almas florecen al leer tus latidos.
En el bar de las letras
fluye como una corriente eterna
el lenguaje de las emociones.
Muchos aman su prosa
otros a su verso en rima estrambótica,
Poémame en Julio, en pandemia es otra cosa.
Coloreo, aireo el fantasma
para esos bellos seres que versos bellos sugieren;
el que llevo incrustado en el alma.
Sediento el viejo poeta
desanda ríos sin caudal
y halla la fuente en Poémame.
Encontré mi refugio, sin haberlo buscado,
placentero recinto, conociendo a mis pares,
inmortal poesía, comunión, armonía.
Destiné la conciencia alguna
sobre este espacio divino
la poesía su bella cuna
Cuna de versos
refugio de poetas
nuestro Poémame.
Abrí la ventana de mi alma,
Poémame entró sin ser llamada,
el miedo se fue, esa misma mañana…
[Cruce de miradas, ventanas abiertas.
-Poémame el suspiro que sople la vela- Te digo.
El canto de la alondra posado en la mesa.]
Puntos, comas, acentos juntos,
risas desde muy adentro,
amigos sin distancia, olvidos con fragancia.

Agradecemos a todos los autores su participación en este homenaje a Poémame. Gracias por ser y estar!

Relación de autores participantes, por orden de aparición:

Mrs. Wallace, Lisbeth Kumar, Rafael Touriño, José Luís Regojo, José Antonio Rodríguez Fernández, Ana María, Joaquín Galán, María Prieto, Hortensia Márquez, Silvia Haydée Bojart, Carmen Cantos, Carlomagno García Ruiz, Juan Carlos Burgos, Domingo Martínez (Lúdico), Juan Adalid, Martín, Miguel Adame Vázquez «Mute», Yesterday, Edel Vicente González Pérez, Alda, J Issrael Co Mendoza, Marfil, Isa, Re, Joan Miró.

18 de julio de 2021
Editorial Libros del Innombrable
Hoy queremos compartir con vosotros la existencia de una pequeña gran editorial con sede en Zaragoza. Nació en 1998 con el propósito de editar a literatos «raros» o bifrontes, devolver al mercado editorial libros descatalogados, publicar traducciones inéditas en castellano, resaltar obras olvidadas…

Libros del Innombrable, que así se llama la editorial, nació con la pretensión de enriquecer el ambiente de la edición hispana dentro de sus posibilidades y manteniendo ciertas singularidades. El nombre de la editorial es un homenaje a la novela El innombrable, de Samuel Beckett. También, según la editorial, puede interpretarse como una referencia a la función de la poesía de «nombrar lo innombrable».

La editorial tiene una serie de colecciones estables:
- Biblioteca Golpe de Dados (la primera colección de la editorial),
- Colección Sarastro (en la actualidad sin continuidad),
- Marginalia (colección limitada a las novelas marginales de Federico González),
- Colección Thot (destinada a la simbología y a la Tradición Unánime),
- Colección Joseph Merrick (regalada a la diversidad funcional),
- Los libros del señor Nicolás
- Colección Aleteo de Mercurio (cuadernos dedicados al estudio de la simbología que tiene por autores o compiladores a los miembros de la revista Symbolos y del Ateneo del Agartha).
En estos años de vida de la editorial se han publicado dos revistas literarias: Almunia (1998-2003), dirigida por Antonio Fernández Molina y con Alejandro J.Ratia como subdirector, y El perro blanco (2009-2012) .

Entre los autores que han publicado se incluyen: Rubén Darío, Antonio Fernández Molina, Antonio Beneyto, Fernando Arrabal, Goethe, Hölderlin, Josep Soler, Agustín Espinosa, Sun Axelsson, Francisco Nieva, Pedro Garfias, Ernesto Giménez Caballero, Mariano Esquillor, Jan Erik Vold, Edgar Neville, Juan Eduardo Cirlot, Maria Wine, Alfred Jarry, Gunnar Ekelöf, Märta Tikkanen, Kjell Espmark, Per Olov Enquist, Giordano Bruno, Ágnes Heller, Milan Kundera, Andrés Ortiz-Osés, Iván Humanes, Jörn Donner, Charles Baudelaire, Guillermo Osorio, Linda Ekdahl, Han Ryner, Enrique Villagrasa, Magdalena Lasala, Clara Janés, Eduardo Chicharro, José María de Montells, William Shakespeare… (Para saber más, aquí tenéis el catálogo).

Libros del innombrable destina una especial atención a la literatura nórdica y ha publicado a diversos autores de esas latitudes, casi siempre traducidos por Francisco J. Uriz (dos veces Premio Nacional de Traducción), del que también han editado su obra poética y teatral, así como alguno de sus libros de memorias.

En definitiva, tal como decíamos al principio, una pequeña gran editorial que merece nuestra atención y aprecio por resistir en este mundo tan difícil de la edición. Echad un vistazo a su blog, por favor.
29 de mayo de 2021
Dylan Thomas, “Do Not Go Gentle”

Con motivo del Día Internacional de Dylan Thomas, publicamos un nuevo artículo. Esta vez es la versión musical de su poema , “Do Not Go Gentle”, con motivo del Día Internacional del poeta. Aquí os adjunto el enlace del video

https://youtu.be/Tei_1vlQJ8Y

El cantante es Rafa Bocero, trovador y productor formado en estudios de Filosofía Pura.
Recorre diferentes comarcas poéticas y musicales de culturas propias y ajenas sin dejar nunca de ser él mismo, cómo evidencian sus proyectos Troubadour Songs y FemeXicanaS donde ha puesto música a lo mejor de la poesía en inglés y mexicana, y en esta última en su ámbito femenino. Caminos que lo han llevado a grabar en Irlanda, Alemania, Portugal o Cuba géneros como el Folk Celta, el Bolero, la Balada o el Pop, y colaborar con figuras del ámbito internacional como Nuno Barroso, con varios discos de Oro en Portugal, o el violinista irlandés Steve Wickham, miembro de los Waterboys que ha grabado con U2 y compartido escenario con Bob Dylan.
En 1995 realizó su primer concierto y en 2006 hizo su debut discográfico con el álbum “Esencia”, gracias al apoyo de su padrino, el legendario guitarrista Vicente Amigo.

TEXTO
Do not go gentle into that good night,
Old age should burn and rave at close of day;
Rage, rage against the dying of the light.

Though wise men at their end know dark is right.
Because their words had forked no lightning they
Do not go gentle into that good night.
Good men, the last wave by, crying how bright
Their frail deeds might have danced in a green bay,
Rage, rage against the dying of the light.
Wild men who caught and sang the sun in flight,
And learn, too late, they grieved it on its way,
Do not go gentle into that good night.

Grave men, near death, who see with blinding sight
Blind eyes could blaze like meteors and be gay,
Rage, rage against the dying of the light.
And you, my father, there on the sad height,
Curse, bless, me now with your fierce tears, I pray.
Do not go gentle into that good night.
Rage, rage against the dying of the light.

Y tú, ay padre, allá en tu triste altura
Maldice y bendíceme con tu llanto feroz imploro
No entres dócilmente en esa buena noche
Rabia, rabia contra esa agónica luz

11 de mayo de 2021
Dylan Thomas, el poeta líquido

Sabiendo que la revista de poesía abierta Poémame se une a la celebración del DylanDay 2021 presentando algunas obras literarias y artísticas dedicadas al poeta galés, con mucho gusto quiero participar con un poema y fotografía digital intervenida EL POETA LÍQUIDO.

EL POETA LÍQUIDO es precisamente un homenaje al poeta, escritor de cuentos y dramaturgo Dylan Thomas (Swansea, Gales, 27 de octubre de 1914–Nueva York, 9 de noviembre de 1953).

La vida de Dylan Thomas es el alma de su obra. Me conmueve su sed de intensidad, de habitar el límite. El riesgo y la profundidad de lo salvaje vibran en cada uno de sus versos. Todo en su obra fluye en estado líquido con el potencial de volatilizarse o solidificarse y luego volver a fluir.

EL POETA LÍQUIDO
Homenaje a Dylan Thomas
Quien fuiste tú,
que naciste sediento del borde
donde habitan las quimeras?
Y todavía estás aquí.
Tu profunda voz fluye
directo de la fuente al océano.
Tus palabras desbordan
las orillas mansas
y penetran las escarpadas.
En tu alma estaba grabado el deseo de un mar
que irrumpiera en la carne y el hueso.
Luces y sombras, vivos y espectros
viajaron derretidos en la savia
que corrió por tus venas.
La sed del poeta es lenta y persistente,
implacable como la marea.
Criatura salvaje de soles y lunas intensos, breves…
tu destrucción fue necesaria y vital.

Foto de la portada:

EL POETA LÍQUIDO fotografía digital intervenida. Original photo by Nora Summers
626 x 417 píxeles Alejandra Miranda (Argentina 2021)

10 de mayo de 2021
Dylan Thomas, Un galés sin precedentes

En torno a Dylan Thomas se ha tejido una leyenda. Para muchos fue el arquitecto del poeta maldito. Su existencia osciló entre el hechizo del amor y la muerte, en cuya contraposición encontró los motivos principales de su trabajo poético. Nació el 27 de octubre de 1914, en Swansea, Gales. Siendo muy niño supo de las leyendas populares del Gales más remoto y mítico, donde los valores rurales aún conservaban su impronta. Ese legado que recibiera de sus padres fue la piedra angular de prácticamente toda su obra. En Bajo el bosque de leche, volumen autobiográfico -presentado por primera vez el 14 de mayo de 1953 en Nueva York-, describe la vida de una pequeña aldea al borde del mar, en donde aparecen el predicador, el cartero, los pescadores y, mezclados al tañido de las campanas, los rumores del viento, el mar y la lluvia.
Sin ir más lejos, esta constante se observa en el libro de poesía Muertes y Entradas (1946). Allí publica su poema «Fern Hill», donde nuevamente evoca el paisaje natal en un fragmento: «Cuando era joven y desenvuelto bajo las ramas de los manzanos(…), el tiempo me dejaba dar gritos y trepar / dorado en el momento culminante de sus ojos, / y respetado entre las carretas era príncipe de las ciudades manzaneras».
En una carta a Edith Sitwel, Dylan afirma haber escrito «Fern Hill» cerca de la granja donde transcurre el poema y que suponía para él «una nueva dicha, tan real como lo que hace que las palabras acudan, finalmente, desde esa infancia que nunca ha de ser enterrada, vivida en el cielo o en Gales».
Cabe recordar que el debut literario de Dylan Thomas se remonta a 1934. En septiembre de ese año, el periódico inglés «The Sunday Referee» y la librería The Parton Bookshop publicaron Dieciocho Poemas, cuya tirada inicial fue de doscientos cincuenta ejemplares. El 9 de febrero de 1935, Desmond Hawkins dijo acerca de esta obra: «Un crítico debe reseñar unos quinientos libros durante una década. Con suerte, durante ese período, tal vez descubra diez poetas notables (…) El señor Auden es ya un hito. Pues bien: opino que Dylan Thomas es el primer poeta notable que rompe su línea y posee una voz propia, sin excluir nada de cuanto le ha precedido».
Fue un trabajador incansable. Se desempeñó como reportero e hizo alocuciones para la BBC de Gales a fines de los 30. El primer texto que expuso fue «La vida del poeta moderno», en el cual se encuentran las claves de su postura acerca del intelectual en la sociedad contemporánea. También hizo guiones para el cine. Amaba todo lo que las palabras representan, simbolizan o quieren decir.
En el verano de 1951, Dylan Thomas, estando en Nueva York, recordó de aquella búsqueda literaria: «Por entonces escribí infinitas imitaciones, aunque no las consideraba imitaciones sino más bien cosas maravillosamente originales, como huevos puestos por tigres». Y cita: Sir Thomas Browne, De Quincey, las Baladas, Blake, los imaginistas, la Biblia, Poe, Keats y Shakespeare. «Un conjunto variado y que recuerdo al azar», puntualiza.
Anteriormente había publicado Veinticinco poemas (1936) y Retrato del artista cachorro (1940). Este último es una serie de narraciones que describen la infancia y adolescencia del poeta. En una de las aventuras descritas en el cuento «Los duraznos», Thomas y su tío Jim llegan a los bares La Pata de Liebre y La Gota Pura. Entraron al segundo y lo hallaron repleto de gente; era un cuarto lleno de humo, en el cual algunos jugaban a las cartas, otros bebían en silencio. También escribió sobre la granja, el paisaje y los seres extraños, como su primo Gwyliam, que predicaba desde un galpón en ruinas.
A Dylan le tocó la época de los poetas nacidos antes o poco después de la Primera Guerra Mundial. «Ellos se asomaron a la vida -escribe el traductor y ensayista Esteban Pujals- en el momento en que se derrumbaban los valores por los cuales se había luchado y aparecían por todas partes los signos de una inestabilidad general. (…) Ante sus ojos no se abrían otras perspectivas que las proyectadas por la rigurosa crítica del hombre y la cultura modernas, según Eliot, o la realista aceptación del materialismo, de acuerdo con Auden». Por lo mismo su obra estuvo exenta de temas sociales, haciendo de su herencia cultural y moral la entidad de sus escritos. El mismo Dylan llegó a decir: «Un poeta no puede ser fiel al partido y a la poesía al mismo tiempo; un poeta debe sufrir, e históricamente está demostrado que la poesía es el único credo social y económico que perdura».

Viaje a Estados Unidos

El inicio de la década del cincuenta fue decisivo en la vida de Dylan Thomas. El Centro Poético de la YMYWWHA de Nueva York le extendió una invitación a los Estados Unidos para dar recitales en distintas universidades del país. El escritor norteamericano John Malcolm Brinnin se encargó de la organización de su itinerario. De dicho viaje surge la leyenda del dipsómano, excéntrico y genio que derrochaba el talento en los bares del Greenwich Village. En las giras deleitó al público recitando poemas de Thomas Hardy, Yeats, Louis MacNeice, Edith Sitwell, entre otros. En sus
lecturas le gustaba incluir a poetas ingleses y después leer sus propias creaciones. Poemas como «Y la muerte no tendrá dominio», cuya grabación aún hoy se puede oír, impresionaba por su intensidad: «Y la muerte no tendrá dominio / Desnudos los muertos se habrán confundido / con el hombre del viento y la luna poniente; / cuando sus huesos estén roídos y sean polvos los limpios, / tendrán estrellas a sus codos y a sus pies; / aunque se vuelvan locos serán cuerdos, / aunque se hundan en el mar saldrán de nuevo, / aunque los amantes se pierdan quedará el amor; / y la muerte no tendrá dominio». El poeta se revelaba contra la agonía de la luz.
Malcolm Brinnin, quien en definitiva fue su amigo, recuerda la llegada del poeta a Norteamérica en su libro Yo conocí a Dylan Thomas (1959), donde sostiene: «Envuelto al igual que un inmigrante en una deforme parka de lana, el cabello revuelto como un nido sin pájaros, los ojos desorbitados, temerosos, como si quisieran descubrir de golpe toda la tremenda verdad de América, así llegó al aeropuerto de Idlewild bajo el frío riguroso de una mañana brillante y escarchada. La fecha, el 21 de febrero de 1950». En las cuatro visitas sucesivas a Estados Unidos, Dylan Thomas estuvo con
personalidades notables del ambiente artístico de la época. Igor Stravinsky, quien profesaba gran admiración por su obra, lo invitó a trabajar en la composición de un libreto para una ópera, proyecto que no se realizó por la muerte prematura de Dylan. Por su parte, el poeta norteamericano E.E. Cummings, después de asistir a uno de sus recitales, sintió tal emoción que tuvo que caminar varias horas por las calles de Nueva York. Fue admirado por personas de todas las edades, quienes le pedían autógrafos y les gustaba departir con él en la White Horse Taver, donde hacía gala de su inteligencia y además se destruía de manera descomunal. Él mismo confesaba serios problemas hepáticos.
En la madrugada del 4 de noviembre de 1953, al terminar su cuarta gira por Estados Unidos, Thomas, sintiéndose mal de salud, salió del hotel donde se hospedaba junto a Liz -amiga que lo acompañaba en esos días-, y le dijo que sólo necesitaba beberse un trago en el White Horse, que no demoraría más de una hora, pero al volver le anunció lacónicamente: «Acabo de beberme dieciocho whiskies puros. Creo que es el récord». Cae entonces de rodillas, extiende los brazos y se apoya en sus faldas diciendo: «Te amo…, pero estoy solo». Luego fue víctima de un delirium tremens, producto del cual entró en estado de coma que fue definitivo. Murió en el St. Vicent’s Hospital, el día 9 de noviembre, a las 12:40 horas, en presencia del poeta norteamericano John
Berryman. Caitlin, su mujer, con quien tuvo tres hijos, regresó su cuerpo sin vida a Gales, donde fue enterrado en Laugharne, el 24 de noviembre de ese mismo año, dejando inconcluso su volumen de prosas, que se publicara póstumamente, titulado Con distinta piel (1954). Este libro, como todos los otros que creara, está liberado de derechos y podrá ser impreso por cualquier editorial del mundo. Tal vez ahora Dylan Thomas pueda ser leído como él quería: por amantes desinteresados. No por nada a ellos les dedicó su poema «En mi oficio u hosco arte», donde dice:
«Trabajo a la luz cantora / no por ambición ni pan / lucimientos o simpatías / en los escenarios de marfil / sino por el común salario / de su recóndito corazón».

HOMENAJE A DYLAN THOMAS
En las anotaciones:
el suelo sembrado de hojas nuevas,
muchachas amapolas con ropa ligera caminando por la calle,
el césped silencioso de una casa vecina,
mientras el sol abre puertas y ventanas. Todo eso
deja la interrogante de mis amigos muertos
que partieron igual como finaliza el resplandor de la luna
en la copa de los árboles.

9 de mayo de 2021
Día de Dylan Thomas

El 14 de mayo – #DylanDay – se estableció en 2015 para celebrar la memoria de Dylan Thomas,
uno de los más grandes poetas del siglo XX ( https://es.wikipedia.org/wiki/Dylan_Thomas ).

Esta fecha fue elegida como día conmemorativo porque el gran poeta y dramaturgo galés presentó
su pieza de radioteatro Under Milk Wood (Bajo el bosque de leche) exactamente el 14 de mayo
1953 en el escenario del Poetry Centre 92nd street Y de Manhattan, Nueva York.
Cada año, en el mes de mayo, los estudiosos y apasionados seguidores de Dylan Thomas se
preparan para recordar su poesía innovadora y su vida aventurera.
Por primera vez la revista abierta de poesía Poémame se une a la celebración presentando algunas
obras literarias y artisticas dedicadas al poeta.

Visión de nuevos mundos
(a Dylan Thomas)
Inter sidera versor
(Me muevo entre las estrellas
Inscripción en un antiguo reloj de sol)
Tus palabras
como parábolas de luz
desvelan visiones
con bordes borrosos
nuevos mundos que se funden
en una inmensidad fluctuante.
En tu oscuridad arremolinada
caigo.
Levántame con alas anchas
más y más alto en el azul.
Tráeme a conocer las vibraciones del sol
donde
las hojas de fuego se evaporan
donde
por fin puedo saborear
el beso de esmeralda
y el aliento índigo
en el abrazo evanescente
del arco iris.

Una primavera más
Here in this spring, stars float in the void
(Aquí en esta primavera las estrellas flotan en el vacío)
Dylan Thomas
Una primavera más
y las estrellas
siempre las estrellas deslumbrantes en el vacío.
Atraída por una llamada hipnótica
Me sumerjo en la oscuridad absoluta.
El aliento distante del viento
a lo largo de los ríos de perlas
acompaña el vuelo de la última gaviota.
Las olas aúllan y rompen
en las orillas del mar.
Contigo
sólo contigo
intento resurgir
ilesa.
Vuelo sobre mareas y precipicios
con contornos licuados.
Los octágonos de luz brillan
en su perfecta geometría.
Escucho vibraciones en el inmenso silencio:
el futuro está cubierto de niebla.
En la distancia
mi destino lentamente
se está deshaciendo.

Poemas escritos en memoria del poeta galés Dylan Thomas
para la celebración del #DylanDay, el 14 de mayo

8 de mayo de 2021
Primer Festival de Poesía ‘La Estación del Arte’

La asociación cultural La Estación del Arte crea el Primer Festival de Poesía en español con la
finalidad de contribuir a la expresión y difusión artística en el actual contexto, desde plataformas
virtuales. Así mismo pretende fomentar el intercambio internacional entre autores, gestores culturales
y académicos del área literaria. En este sentido, la convocatoria reunió a poetas tanto emergentes
como quienes llevan un trabajo literario de larga trayectoria sin distinción de edad, reuniendo en este
certamen a autoras y autores de más de diez países.
Los jurados Cecilia Carrasco, Desireé Monfreda, Luis Garvan, Alice Varrucciu, todos con vasta
trayectoria académica y docencia en literatura y lingüística, fueron los encargados de seleccionar las
poesías según su valor estético a través de distintas etapas de selección. El día domingo 14 de marzo,
se da a conocer el resultado final donde Inés Negro, presidenta y gestora de La Estación del Arte,
junto a las jurados Cecilia Carrasco y Desiree Monfreda, hablan de las tres poesías ganadoras en
directo desde Radio Lavapiés en la ciudad de Madrid. El primer lugar, lo logra el poema Escultura del
poeta Andrés Hubner, obteniendo el premio “Brilla una estrella”; el segundo lugar lo obtiene el
poema La Bestia de la poeta Erre Raminé, ganando el premio “Libertad del corazón”; y finalmente el
tercer lugar, se lo lleva el poema Gravitatoria del poeta Alberto Miñan, consiguiendo el título “Vuelo
libre”. Para cerrar del festival se ha optado también al premio del público que ha sido otorgado a
Tanya Mauri con su poema “ Cuando”.

Inés Negro, reconoce que en el contexto de la pandemia en el que hemos vivido el último año a nivel
global el valor de la poesía es fundamental para la expresión de las emociones. Por otro lado, Desiree
Monfreda ha reconocido que en este tipo de instancias el verdadero ganador del festival es la poesía y
que elegir entre los poemas no ha sido sencillo. En la misma línea, Cecilia Carrasco ha dejado claro
que la literatura y la poesía es un trabajo tanto emocional como intelectual que requiere más que un
fluir de la conciencia y declara que la calidad de las poesías convocadas en el concurso ha sido muy
alta.
Las emisiones del Festival de Poesía en español se encuentran en el instagram
@la_estación_del_arte_ , así como también las declamaciones de las y los poetas. Incluyendo una
mención especial para el día 8 de marzo, donde dos poetas María Vanessa Gómez García con su
poema Noche y Sangre y Gemma Arimón con su poema Algunos dicen han sido seleccionadas por
trabajar poesías con perspectiva de género, feminismo y denuncia.

Redactado por Cecilia Carrasco
Cecilia.carrasco@uchile.cl

LA BESTIA de Juliana Salgado Prieto
Es el olor quien doblega a las bestias,
por el aroma por quien hincan sus rodillas,
se vuelven dóciles, obedientes
y dejan que acaricies sus crines y su testa.
Bajan la mirada como súbditos,
obedecen como esclavos,
no preguntan como los subordinados.
Es por el olor por quien rinden pleitesía
Y extienden una alfombra de rosales colorados
al paso maestre de su mando zafio.
Posan sus cabezas en regazos maternales,
Resguardan los colmillos en sus fauces fieras.
Cierran los ojos en la noche, mansos
y se dejan llevar de vuelta al bosque.
Es por la poesía por quien me siento consolado
y en un relámpago incierto colapso en armonía.
Es por ti por quien me siento a salvo,
a resguardo de tus garras, de tu gentil zarpazo.

Noche y sangre (Emmanuelle) de Maria Vanessa Gómez Garcia

No borres el perfume,
el olor a carne,
Emmanuelle.
Deja ser al dolor.
Él no se estremece
por las lágrimas azules
o por el sapo que salta
entre la hierba fina…
Él no sabe del dolor.
Del dolor diario,
entre paredes
o sábanas.
Él vive en el exterior.
Él no sabe nada.
No sabe nada,
sobre cicatrices, cabellos o piel…
Nosotras sí, Emmanuelle.
Él no sabe nada,
nada sobre filos de espejos.
Tan solo lame su reflejo.
Y en la noche, bajo su manta,
masturba su cuerpo,
que no el nuestro.
No nos toca, cariño.
Teme ya al cuerpo sangrante.
Y en esta noche tan cruel,
al fin,
nos deja solas.

Escultura de Andres Hubner
Has esculpido una estatua
Y te has dormido junto a ella;
El soplo de una tarde escarlata
Los alumbra en soledad de estrella.
Entonces comienza aquel sueño
Donde te hallas totalmente inmóvil,
Ahora es ella quien te examina como a un leño
Del cual extraer la figura joven.
Espantado en tus ojos vivos
La ves con cincel y martillo empuñado;
Cae sobre ti y herido
Asistes mudo a un horror desesperado.
Astillas, médula y sangre
Van vistiendo a la estatua,
Cada golpe es uno que arde
En un ruido que siempre se escapa.
Teñida entera de tus restos
Ya no espera una figura formar,
De ti no ha quedado ni el fresco
De la inspiración que deseaste forjar.
Entonces despiertas espantado,
Alzas tu mirada hacia la obra,
Y reconociéndote en ella petrificado
La arremetes con odio y deshonra.
Pero ella no se queda quieta,
Con sus dedos grandes y pétreos
Agarra tu cuello y lo aprieta
Destruyendo al instante el pescuezo.
Como un cisne muerto en su mano
Parece que ahora reposas,
Y en la mirada de turistas y expertos
Eres la escultura de una iracunda Diosa.

Algunos dicen… (Gemma Arimon)
Algunos dicen
que ya estás seca.
Que tus pieles
son flácidas y cuelgan.
Que te perdiste
en el camino de curvas
para pasar a la carretera recta.
Algunos dicen…
Que tus carnes
ya no son prietas,
ni apetecibles.
Que ya no eres cándida,
ni inocente.
Diles…
Que en el desierto
se hallan oasis.
Que las señales
en tu piel
son el mapa de la vida.
Que te liberaste
de las cadenas
ideales y perfectas
que subyugan tu cuerpo.
Y que no te deslumbras
por las palabras rimbonbantes
de los farsantes.
Diles,
que algunos dicen…

GRAVITATORIA de Alberto Miñan
Arranca cada soledad
de este cuerpo maldito.
Empuja el aire hacia
otro aliento innecesario,
hacia otro día inexistente
en este cuerpo vacío.
Arranca cada palabra
calcinada entre miedos
en este cuerpo dolorido
que aún siente el paso
de hormigas invisibles
entre acantilados vivos.
Arranca cada sueño
de raíz, que no vuelva
a crecer una constelación
entre tus oscuridades,
que no crezca otra vez
un tallo verde en el olvido.
Arranca cada brillo
de este invierno oculto
entre las horas cálidas
y apaga de una vez
la órbita de la ciudad
alrededor de tu cama.
Esquiva cada franja horaria
en tu vuelo nocturno
y migratorio hacia el Sol.
Ahora podrás observar
el trazo onírico que define
la frontera de la realidad.
¡Arranca el poco tiempo
que queda en un grito!
Siempre serás el comienzo
y el final de tu viaje
porque eres la inevitable
consecuencia de ti mismo

Premio del público TANYA MAURI

CUANDO de Tania Mauri M.
Cuando tu ya no estés
Cuando yo me haya ido
Se tejerán los recuerdos
Con los hilos de olvido
Y cuando el tapiz reaparezca
En las manos de los hijos
Regarán sus sonrisas
Con las lágrimas de lo perdido.
Cuando tu te hayas ido
Y mi cuerpo esté frío
Anidaran nuestros sueños
En un campo vacío,
Hibernando,
hasta encontrarme contigo.
Cuando yo me haya ido
Y tu alma se reencuentre conmigo
Bailaran las nubes
regalando el rocío
Y devolverá la vida
Al amor suspendido.

27 de marzo de 2021

La rebelión femenina en el mundo del arte: las Guerrilla Girls

Han pasado más de treinta años desde la irrupción en el panorama artístico internacional de un colectivo de artistas que convirtió la reivindicación feminista en el gran motivo de su práctica artística. Nos referimos a un grupo de mujeres que portaban en sus rostros unas máscaras de gorila, y que se hacían llamar Guerrilla Girls. (1) Aunque se las sitúa entre las primeras mujeres en denunciar este tipo de discriminación, no es del todo cierto. Otras artistas feministas de los años 70 demostraron que las mujeres podían producir arte radicalmente diferente. La crítica feminista, Lucy Lippard, comisarió una exposición exclusivamente de mujeres en 1974. Las Guerrilla Girls, formadas por este movimiento de los años 70, idearon nuevas y diferentes estrategias, buscaron un enfoque alternativo que las diferenciara de los movimientos feministas anteriores que se caracterizaban por odiar a los hombres, o carecer de sentido del humor.

Era el año 1985 y el Museu de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York había programado una exposición de pintura y escultura contemporánea con una representación de 152 hombres y 17 mujeres. Un grupo de mujeres artistas decidió actuar en plan guerrilla para denunciar no solo esta discriminación de género, sino la racial también, y se pusieron máscaras de gorila. ¿Por qué de gorila? Porque en inglés la palabra “guerrilla” y “gorila” se pronuncian igual. Además, esas máscaras les daban el anonimato necesario para su táctica de guerrilla, puesto que enganchar carteles en la ciudad de Nueva York era un delito penal por la Ley Federal norteamericana. Un beneficio añadido a ese anonimato fue el halo de misterio que rodeaba sus identidades, lo que atrajo mucha gente a su causa. Adoptaron los nombres de artistas muertas para mantener y reivindicar su recuerdo. Por ejemplo: Käthe Kollwitz, Frida Kahlo, Eva Hesse, Shigeko Kubota, Alma Thomas, Rosalba Carriera, Alice Neel, Julia de Burgos y Hannah Höch. (2)

Tras esta primera campaña que consiguió avergonzar a la dirección del MoMA, iniciaron una segunda campaña enfocada a la denuncia de galeristas, críticos de arte, comisarios y coleccionistas. El tono de humor e ironía que impregnaba su crítica hacia la institución intocable de los museos, bienales, exposiciones colectivas, galerías etc. enervó aún más los ánimos de los criticados. Evidentemente, el sector respondió con indignación, pero el público era consciente de que sus carteles y denuncias desnudaban las vergüenzas del mundo del arte en su conjunto, más allá de los temas de género.

Este grupo de mujeres también elaboró, desde la clandestinidad, estudios de historia del arte y de estereotipos femeninos que imperaban en el mundo del arte denunciando su parcialidad y discriminación hacia lo femenino. Así, las Guerrilla Girls señalaron con datos las siguientes discriminaciones:

exclusión del cánon de parámetros considerados tradicionalmente femeninos,
dar trato de genialidad a los hombres,
relegar a las mujeres a una subcategoría de arte menor.

La ironía era uno de los pilares de su lucha, y es evidente en todos sus carteles y actuaciones. Destacamos uno de ellos porque enumera las “ventajas” que conlleva ser mujer artista: trabajar sin la presión del éxito, poder desconectar del mundo artístico tras trabajar en cuatro sitios diferentes como autónoma, tener la oportunidad de escoger entre tu carrera y la maternidad, ver tus ideas plasmadas en las obras de otros, estar segura de que cualquier tipo de arte que hagas será catalogado como femenino o que salgas en las revistas de arte disfrazada de gorila.

Con su ingenio y humor, las Guerrilla Girls evitaron una reacción violenta del público hacia sus denuncias, que no se ciñeron exclusivamente al mundo del arte, sino que lucharon para concienciar a la población sobre la pobreza, el sida y la desigualdad social y salarial.

España y Cataluña

Más de un 70% de los estudiantes en las Facultades de Bellas Artes y de Historia del Arte del Estado son mujeres y solo un 6,17% de las artistas presentes en la edición de ARCOMadrid el año 2019 fueron mujeres y españolas. (Gráfico 1) Una cifra prácticamente igual a la del año 2018 y que se repite desde hace 5 años tal y como se muestra en el gráfico 2. (3)

TABLA 1.B ARTISTAS EN ARCO 2019 % en relación al número total de artistas que exponen en ARCO
	MUJERES	HOMBRES	Colectivos de artistas MIXTOS	TOTAL
España	6,17%	20,8%	0,2%	27%
Extranjero	20,22%	52,1%	0,4%	73%
TOTAL %	26%	73%	1%	100%

Gráfico 1. Presencia de artistas mujeres y hombres según nacionalidad en ARCO 2019

TABLA 2. ARTISTAS EN ARCO 2010, 2018-2019 En esta tabla los totales no incluyen los colectivos de artistas mixtos
	MUJER 2010	HOMBRE 2010	MUJER 2018	HOMBRE 2018	MUJER 2019	HOMBRE 2019
España	7%	21%	6,3%	20%	6,17%	20,8%
Extranjero	22%	50%	19%	54%	20,22%	52,1%
TOTAL %	29%	71%	25,3%	74,6%	26%	73%

Gráfico 2. Evolución desde el 2010 de la proporción de mujeres artistas españolas en ARCO 2019

En Cataluña, según el 4t informe de l’Observatori Cultural de Gènere (5) hecho con la colaboración de Mujeres en las Artes Visuales (4), la presencia de la mujer en las exposiciones realizadas por los grandes centros de arte de Barcelona entre el año 2010 y el 2015 (Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Museu Nacional d’Art de Catalunya, CaixaForum, Arts Santa Mònica, Fundació Joan Miró, Fundació Suñol, Fundació Antoni Tàpies, Fundació Vila Casas, Fundació Catalunya-La Pedrera, La Virreina -Centre de la Imatge-), confirma que solo el 14% de las exposiciones se dedicaron a mujeres artistas.

Según cifras del año 2018 del Observatori de Públics del Patrimoni Cultural de Catalunya (6), el número de mujeres que visitaron los museos fue superior al de hombres: 42,8% frente al 39,1%. Pero este estudio se hizo sobre una muestra de población catalana, y la realidad es que una parte importante de los visitantes de los museos no son catalanes, sino turistas.

Estas cifras no hacen más que confirmar lo que las Guerrilla Girls ya denunciaban el siglo pasado. Demandaban que el arte fuera un lenguaje accesible, libre y universal que transmitiese belleza, crítica e innovación. No un entorno selectivo, minoritario y machista. Su posicionamiento sigue estando vigente y son un referente para el arte feminista que quiere cambiar no solo la situación de las mujeres, sino también, y como consecuencia, el mundo. Aquel activismo estadounidense de entonces está ahora representado en España por los movimientos feministas de artistas que se reúnen en la Bienal de Mujeres en las Artes Visuales (7), donde se discute el papel del arte como un instrumento de liberación social y denuncia del dominio masculino.

Las Guerrilla Girls del siglo XXI

Los trabajos de las Guerrilla Girls en la década de los 2000 presentan un predominio del uso de imágenes y texto a manera de collage. Por ejemplo La bomba de Estrógeno del año 2014. Este trabajo es una obra de formato vertical, en la que se ve a la Tierra en el espacio, sobre la que se posa amenazante una píldora roja de la que salen llamas por la parte trasera, le sigue un texto que comenta los efectos que tendría esa bomba de estrógenos (hormona sexual femenina): se paralizarían las guerras y los conflictos, los dirigentes hombres se pondrían a trabajar a favor de los derechos humanos y para acabar con las desigualdades.

La historia nos ha demostrado que, a lo largo de los años, nada dura eternamente y menos un movimiento anónimo que ya tiene presencia en museos y galerías. La fama lleva a la disensión y eso es lo que ha pasado. A medida que las Guerrilla Girls ganaban popularidad, las tensiones llevaron a lo que más tarde ellas mismas llaman «banana split»: la separación de cinco integrantes del colectivo. Posteriormente, una segunda escisión llevó a varias componentes de color a enfrentarse a la gestión de las actuales dirigentes, una jerarquía tácita en el grupo, porque se veían utilizadas para cubrir el ‘cupo de color’, y con una participación simbólica, conocida como tokenismo (un término que hace referencia a la práctica de efectuar pequeñas concesiones superficiales hacia un colectivo discriminado).

Estas disensiones dieron origen el año 2001 al nacimiento de las Guerrilla Girls Broadband (8). Por su lado, «Kahlo» y «Kollwitz» registraron la marca Guerrilla Girls, Inc. para distinguirse de las anteriores y de su Guerrilla Girls On Tour (compañía anónima de teatro itinerante cuya misión es desarrollar obras de teatro activistas, representaciones artísticas y teatro callejero que aborden el feminismo y la historia de las mujeres) (9). A partir de ese momento, empezaron a pleitear unas contra otras y muchas integrantes del grupo se sintieron especialmente traicionadas porque «Kahlo» y «Kollwitz» hubiesen iniciado esa demanda utilizando sus nombres reales, Jerilea Zempel y Erika Rothenberg. Esto provocó reacciones negativas de las Guerrilla Girls actuales y anteriores, quienes objetaron que «Kahlo» y «Kollwitz» se atribuyeran la responsabilidad de haber creado el esfuerzo colectivo, así como la ligereza con la que cambiaron su anonimato por legitimidad.

Por otro lado, los estudiantes de la Facultad de Arte y Diseño de Minneapolis criticaron la campaña de carteles de la bomba de estrógeno, describiéndola como insensible hacia las personas transgénero, ya que vincula el género femenino al estrógeno, el mismo tipo de vínculo esencialista que las Guerrilla Girls pretenden criticar.

Conclusiones

Las diferentes reivindicaciones de las Guerrilla Girls en las últimas décadas han puesto de manifiesto diferentes formas de entender el arte y la programación artística. También han servido para denunciar que la mercantilización del arte no es el fin para el cual el arte ha sido creado, y no han dudado a la hora de exigir un arte accesible para todos los públicos, porque el arte consiste también en despertar conciencias. El prestigio de la cultura de la clase dominante, representado en los museos de arte, ha reforzado y sigue reforzando la inclusión de una minoría y ha determinado y sigue determinando la exclusión de una mayoría: los grupos sociales más frágiles social, económica y culturalmente. El compromiso social de las Guerrilla Girls ha sido su principal motivación de creación artística, de ahí que su reivindicación feminista haya reflejado todas esas demandas de igualdad real para las personas con independencia de su género, raza o nivel económico.

Las Guerrilla Girls y sus secuelas continúan siendo un movimiento rompedor, imaginativo y comprometido con la ironía, el humor y los datos como armas de lucha. Destaparon que el arte institucional y contemporáneo del último cuarto del siglo XX no era precisamente vanguardista y que también era un bastión machista que sigue vigente, en gran medida, hasta el día de hoy. Hay que reconocerles que uno de los éxitos más importantes de su existencia, no es que hayan conseguido la paridad, pero sí que haya muchas más mujeres del mundo del arte, peor pagadas que los hombres (12), decididas a denunciar esta discriminación sin una máscara de gorila, abiertamente, sin miedo a ser señaladas. Por otro lado, también existen alternativas al arte más tradicional como Tamagit (10), un proyecto cultural dirigido por una mujer y conectado a la ciudad de Barcelona que pretende dar valor a la obra de artistas de joyería contemporánea que parten de un legado al cual aportan su experiencia vital desde una visión estética ética y de respeto a los derechos humanos.

Existen varios aspectos culturales que favorecen la discriminación femenina dentro del mundo del arte y de la política como lo muestran los trabajos realizados por Aware -Archives of Women Artists, Research & Exhibitions– (11). Hombres y mujeres deberíamos ir de la mano para superar el problema de género mediante nuevas propuestas que no partan de la idea de repetir lo mismo que hacen los hombres. Tenemos que mirarnos como parte del conjunto de los seres humanos que trabajemos de forma colectiva para la construcción y transformación de procesos sociales, políticos y artísticos que consigan la liberación social y denunciar el patriarcado imperante en nuestros días. Para esto también nosotros, los hombres, debemos cambiar de mentalidad con el fin de eliminar las jerarquías de poder que han sido impuestas de manera sexista.

No hace falta ser miembro de las Guerrilla Girls para ser activista, cualquiera puede llevar a cabo su propia y loca campaña de activismo o contribuir con su causa ayudando en su difusión. Ellas nos han enseñado que la discriminación se puede combatir con ingenio, descaro, rigor científico y mucho sentido del humor. Si los museos de arte han sido vehículos de conocimientos, sólo comprensibles para una minoría, actualmente están obligados a procurar las herramientas necesarias para que estos conocimientos lleguen a todos. El cambio está en nuestras manos, en las de cualquiera, en las de todos.

Bonus

¿Por qué no puede ser Banksy la última o más actual ocurrencia de las Guerrilla Girls? ¿Por qué asumimos que es un hombre? Todo el mundo cree que Banksy es varón, pero si analizamos su trabajo, se ve que la mujer está presente en muchos de sus grafitis, y nunca de forma sexualizada, lo que es raro en ese tipo de arte urbano.

Son muchas las teorías que han tratado de descubrir su identidad. Es difícil creer que una sola persona esté detrás de todo el ‘mundo Banksy’. ¿Y si fuera un grupo organizado? ¿Y si esas representaciones artísticas tan subversivas salieran de las manos de una mujer o de un colectivo de mujeres? ¿Será Banksy una mujer? ¿Se ocultará detrás de una máscara de gorila?

Notas

Bibliography

Balarezo, C. (2016). Las Guerrilla Girls y el Activismo contra la Discriminación. academia.edu. Consulta diciembre 10, 2020, https://www.academia.edu/30247710/Las_Guerrilla_Girls_y_el_Activismo_contra_la_Discriminaci%C3%B3n_pdf

Baygual, J., Brugat, R., & Cabré, M.À. (2016). 4art Informe de L’OBSERVATORI CULTURAL DE GÈNERE, amb la col·laboració de MAV (Mujeres en las Artes Visuales). http://dones.gencat.cat/web/.content/03_ambits/docs/publicacions_OCG_informe4.pdf

Bienal de Mujeres en las Artes Visuales. (n.d.). Bienal de Mujeres en las Artes Visuales. Consulta diciembre 7, 2020, https://www.bienalmav.org/

Delgado, C. (2012). El museo de arte y el no-público. El problema de los estereotipos. Revista colombiana de sociología, 35(2). https://revistas.unal.edu.co/index.php/recs/article/view/37200

Guerrilla Girls. (n.d.). Guerrilla Girls. Consulta diciembre 5, 2020, http://www.guerrillagirls.com/

Guerrilla Girls. (n.d.). Wikipedia. Consulta diciembre 5, 2020, https://es.qaz.wiki/wiki/Guerrilla_Girls

The Guerrilla Girls. (2020, noviembre 14). The History Hour. BBC Sounds. Retrieved diciembre 10, 2020, Podcast, https://www.bbc.co.uk/sounds/play/w3cszkpt

Guerrilla Girls BroadBand. (n.d.). Guerrilla Girls BroadBand. Consulta diciembre 5, 2020, http://guerrillagirlsbroadband.com/

Guerrilla Girls on tour. (n.d.). Guerrilla Girls on tour. Consulta diciembre 5, 2020, https://guerrillagirlsontour.com/

Institut Català de Recerca en Patrimoni Cultural. (n.d.). ICRPC. Consulta diciembre 7, 2020, http://observatoripublics.icrpc.cat/cat/inici.html

López, D. L. (2015). Guerrilla Girls and Guerrilla Girls BroadBand: Inside Story. Asparkía. Universitat Jaume I, 27. https://www.e-revistes.uji.es/index.php/asparkia/article/view/1867

Mandel, C. (2010). Cuerpo femenino, humor y resistencia. Escena. Revista de las artes, 67(2), 71-82. https://www.redalyc.org/pdf/5611/561158769002.pdf

Mujeres en las artes visuales. (n.d.). MAV. Consulta diciembre 6, 2020, https://mav.org.es/

“Stein, Gertrude” et alia. (n.d.). Guerrilla Girls and Guerrilla Girls BroadBand: Inside Story. Consulta december 7, 2020, http://guerrillagirlsbroadband.com/sites/guerrillagirls/files/GGBBInsideStoryFinalCAA.pdf

7 de marzo de 2021

Un cielo nocturno

A veces, un paseo por un parque es suficiente para despertar un rastro de recuerdos. Eso fue lo que me pasó cuando una tarde de verano hace unos años me encontré en el Valentino, uno de los parques más hermosos y atmosféricos de mi ciudad, Turín, paseando en el mismo momento en que se encendieron las primeras farolas. Así que recordé los dulces momentos de mi infancia, cuando mi padre solía llevarnos a ver la inauguración de los sistemas de iluminación que había construido.

La luz de esas farolas parecía competir con la luna y las estrellas y dibujaban juegos de luz en el fondo del cielo nocturno, colores irreales que parecían revelarse sólo para nosotros. La emoción de esos momentos revividos me llevó a escribir el poema «Un cielo nocturno» que dediqué a mi padre, Guido Chiarelli, conocido como el pionero del alumbrado público por los innovadores y numerosos sistemas realizados.* https://es.wikipedia.org/wiki/Guido_Chiarelli

Propongo a los lectores de Poémame el texto poético y el video-poema que hice para describir esas emociones sugerentes.

Un cielo nocturno
¡Una raya de azul! ¡Una barrida de Gray!
Algunos parches escarlata – en el camino –
Forman un cielo nocturno. . .
-Emily Dickinson
Tan dulce fue
el aroma de esas noches
cuando
nuestros pasos inventaron largos itinerarios
en los jardines de verano
cuando
lentamente las farolas se encendieron
y compitiendo con las lunas y las estrellas
formaron parábolas de luz
en las piedras opacas de los caminos.
Entonces,la vida
recién comenzada
parecía revelar
¬Sólo para nosotros.
un cielo de colores irreales.
Incontables imágenes
(fragmentos de viejos recuerdos)
que
hoy
se recrean y se rompen
en el cansado caleidoscopio
de la mente.

NOTA DE LA REDACCIÓN:

La revista publicó el 8 de enero de 2019 un artículo con poemas de Lidia Chiarelli, escrito por Mariela Cordero, que podéis leer para conocer mejor la biografía y obra de esta poeta italiana.

23 de febrero de 2021
Encuentro poético con … Ben Clark

Siempre hemos concebido Poémame como un lugar donde publicar y leer poesía, por supuesto, pero también como un lugar de encuentro, donde conocer a las personas que hay detrás de la poesía. Con este espacio queremos ir un paso más allá e invitar a Poémame a poetas consagrados, en una serie de encuentros en los que toda la comunidad pueda participar y conversar con ellos.

El pasado 17 de febrero a las 22h (hora española), tuvimos el placer de intercambiar opiniones con el poeta Ben Clark, escritor español de origen británico y residente en Málaga. Clark ha recibido diversos premios literarios entre los que destacan el Premio Hiperión 2006 (ex aequo), el VII Premio Nacional de Poesía Joven Félix Grande, el IV Premio de Poesía Joven RNE por un libro escrito con el poeta salmantino Andrés Catalán, el Premio Ojo Crítico de Poesía de RNE 2014 y el XXX Premio internacional de Poesía Fundación Loewe 2017 por su libro La policía celeste. Ha sido becario de creación literaria en la Fundación Antonio Gala (2004-2005) y ha traducido, entre otros, la poesía de Anne Sexton, Stephen Dunn y Edward Thomas.

Le planteamos nuestras preguntas con antelación a la fecha del encuentro, mediante comentarios a su mensaje de presentación. En la fecha y hora del encuentro, Ben Clark se conectó para responder a las preguntas planteadas e interactúamos con él.

Aquí tenéis un resumen de lo que dio de sí el encuentro.

1.- Crees que actualmente, quizás por la facilidad que aportan las redes sociales, llaman poesía a “cualquier cosa”. ¿Quién define hoy “qué es poesía”? Cuando podemos ver una “falso Haiku” con 300 likes (por ejemplo) O una sola idea, cortada quien sabe bajo qué criterio, en 5 líneas, y llamar a esas líneas “versos” ¿Consideras que el hecho de que al público le guste “lo vuelve poesía”?

Es bastante probable que la mala poesía estuviera siempre presente. Los malos poetas (y las malas poetas) han existido siempre, afortunadamente. La mala poesía es necesaria, fundamental para mucha gente, para su vida diaria, y de la mala poesía, en ocasiones, nace la buena poesía. La diferencia -lo que ha ocurrido en los últimos años-, es que la poesía mala ha obtenido visibilidad y los malos poetas han perdido la vergüenza. Es un tema complejo, sin duda, pero las plataformas que existen ahora no existían antes y, quizá, lo único que han hecho estas plataformas ha sido visibilizar una poesía que, de otra manera, hubiera quedado escondida en un cajón o en una carpeta. No es del todo malo que salga a la luz, el problema, quizá, sea la falta de rigor que hay con los textos y la falta de rubor de sus autores y autoras.

2.- ¿Crees que la poesía clásica, pautada, con métrica y rima definida (incluso a veces ritmo definido) se ha ido perdiendo? ¿Ahora la mayoría escribe versos libres? ¿Crees que terminará perdiéndose totalmente?

Creo que existen muchas formas poéticas que conviven y creo que es muy positivo que convivan. No creo que se esté perdiendo nada y tampoco creo que una cosa sea mejor que la otra (es decir, que una poesía clásica, pautada y con métrica sea mejor). Sólo hay dos tipos de poema: un buen poema y un mal poema. El verdadero problema llegará cuando sea muy difícil encontrar buenos poemas.

3.- ¿Buscar la idea o esperar a que la idea llegue? ¿O consideras ambas opciones válidas?

Hay que buscar la idea, siempre. Si uno se queda esperando la idea, es mejor que esté cómodo y que tenga mucha paciencia.

4.- ¿Cómo reconoces que lo escrito es un mal poema?

Un mal poema es un poema que no dialoga con el lector, donde el lector no cabe, donde el poeta que ha escrito el poema lo dice todo y el poema no dice nada. Un poema donde el lector no puede entrar, donde el lector no tiene nada que decir ni que sentir.

5.- ¿Crees que es importante la métrica y la rima en un poema o consideras más importante el ritmo?

Creo que todas esas cuestiones pueden ser importantes y útiles para un poema. Hay que combinar muchos elementos, pero el ritmo es fundamental, claro.

6.- ¿Crees que en un poema es necesario hacerse entender para que llegue a la gente o también es válido un lenguaje enrevesado?

Creo que, en ocasiones, utilizamos expresiones como “lenguaje enrevesado” para intentar expresar que algo no se entiende. Que un poema se entienda o no tiene poco que ver con el lenguaje en sí y mucho que ver con las ganas del poeta de crear un diálogo con el lector, es decir, con las ganas que tenga el poeta de ser generoso con el lector, de dejarle al lector un espacio para que también pueda construir el poema. Hay poemas excelentes que se entienden y poemas excelentes que no se entienden. Lo que no hay, son poemas excelentes que no comuniquen.

7.- ¿Hay algún poeta al que consideres un referente o que sientas que de alguna forma ha influenciado tu forma de escribir?

Hay muchos referentes, claro. Tanto en castellano, como en inglés o catalán, y en traducción. Quizá podría decir que me interesa combinar la ironía inglesa (Larkin) con cierta tradición castellana contemporánea (Jaime Gil de Biedma, Claudio Rodríguez) y con la fuerza de algunos norteamerianos (Sexton, Stepthen Dunn…). Pero hay muchos más, claro.

8.- ¿Escribes a diario? ¿Sigues algún ritual específico de trabajo?

Pues intento escribir un poco cada día, aunque hay épocas en los que escribo más y otras en las que escribo menos. Pero trabajar, el poeta trabaja todos los días: se lee, se traduce, se piensa, se siente…
Mi ritual, si es que hay alguno, consiste en buscar un lugar con silencio y en leer un poco antes de escribir. Intento leer poemas que conozco, que sé que me gustan, que sé que contienen elementos que me animan a escribir.

9.- ¿Cómo ha cambiado tu lenguaje poético a lo largo de los años?

Es difícil decir de qué manera va cambiando el lenguaje propio, pero es posible que cada vez esté menos interesado en el artificio poético y más interesado en la claridad.

10.- ¿Cómo sientes que un poema está terminado y cómo lo corriges?

Siento que un poema está terminado cuando siento que he terminado de dialogar con el poema, que ha terminado la conversación conmigo y que el poema tiene ganas de hablar con otras personas. Es el final de un romance. Lo corrijo centrándome en los elementos que han sido “dados” por la imaginación, intentando perseguir los elementos misteriosos del poema, las cosas que no conozco y que han aparecido, de pronto, en el poema.

11.- ¿Podrías recomendarnos un poema de otro/a autor/a que te haya gustado mucho?

Hay muchos autores y muchas autoras que me gustan mucho: pero lean a Martha Asunción Alonso, a Erika Martínez, a David Refoyo o a Maribel Andrés Llamero, a Luis Arturo Guichard… Hay muchos.

12.- ¿Qué consejos le darías a un/a escritor/escritora que se inicia en este camino de la poesía?

Que escriba mucho y que lea mucho y que sufra mucho. Pero, sobre todo, que disfrute mucho haciendo todas estas cosas.

13.- Si tuvieses que escoger, con cuál de estos dos tipos de poesía te quedarías: con la poesía estéticamente perfecta y trabajada pero con un mensaje abierto o ambiguo para el lector, o con la poesía que utiliza un estilo sencillo o austero pero cuyo mensaje es claro y contundente?

Es una pregunta que encierra muchas otras reflexiones sobre la poesía. Quizá no se trata de escoger entre estos dos tipos, si es que existen claramente estos dos tipos, creo que el “asunto” consiste en escoger entre un poema que funciona y uno que no funciona. Y eso no se puede escoger, claro, pues sólo hay una opción: el poema que funciona (pues lo otro no es un poema). Un poema que funciona tendrá dentro todos los elementos que menciona en su pregunta, y su éxito tiene que ver con su capacidad para comunicar, para convocar el pensamiento y la emoción que lleva dentro.

14.- ¿Estableces algunas rutinas diarias en tu escritura? Si lo haces…¿ Cuáles son? ¿Crees que son necesarias? ¿Qué opinas de las plataformas digitales como Poémame y en general de la poesía en las redes sociales?

Pues tengo pocas rutinas… Leer todos los días, claro, procuro pasar tiempo repasando mi biblioteca, también, pensando (me parece una forma de ‘abstraerme’ muy eficaz). Creo que son necesarias en el sentido de que funcionan, son rutinas que me ayudan. Cada uno tendrá sus rutinas, imagino.
En cuanto a las plataformas digitales, pues creo que son estupendas y que la presencia de la poesía, sea buena o mala, eso me da igual, siempre es positiva.

15.- ¿Qué opinas sobre la poesía que se dedica a escribir frases grandilocuentes y ponerlas en muchas líneas a modo de versos y sobre los “poetas influencers”?

Mucha de la poesía, o llamada poesía que encontramos en plataformas como Instagram, realiza una operación que, desde el punto de vista poético, quizá podríamos considerar fraudulenta: estos poemas sustituyen una verdad por una obviedad. Eliminan la verdad (subjetiva, misteriosa, universal, con el que dialogamos) por una obviedad (objetiva, simple, concreta, con el que el lector no puede dialogar en absoluto). Es la diferencia entre “Desde que te conozco tengo en cuenta la muerte” (Juan Antonio González Iglesias) y “Familia es esa que cuando te abraza te hace sentir como si estuvieras en casa.” (Defreds).

16.- ¿Consideras la escritura, una salvación o una condena? Dicho de otra manera, ¿veneno o antídoto ?

Pues, quizá una salvación. Una condena no, desde luego. Es, quizá, un proceso hacia una suerte de salvación, o hacia la idea de la salvación, que quizá sea más importante que la salvación en sí. Es decir, antídoto, pero antídoto también del antídoto.

17.- ¿Cuándo escribes intentas ser más racional que emocional o al contrario?

Hay que combinar pensamiento y emoción y encapsularlos en un poema.

18.- Cuando terminas un poema, ¿crees que es en ese momento cuando el poema vive, o piensas justamente lo contrario, y una vez que lo finalizas muere ?

El poema vive con cada nueva lectura. Si no es así, algo no funciona en el poema (el poema estará, por lo tanto, muerto).

19.- ¿Buscas tú el poema, o el poema te encuentra a ti? Quiero decir, te dices, voy a hacer un poema, y te pones a ello, o de repente algo te ilumina y te surge el poema?, ¿escribes en papel y luego pasas a pantalla, o escribes en pantalla directamente?

Hay que buscar el poema, hay que estar atentos a la vida, a la realidad, a las ideas que hay detrás de la lectura, y así “atrapar” los poemas que encierran casi todas las cosas.
Escribo normalmente con el ordenador, aunque a veces escribo con una pluma Kaweco Sport que me regalaron y que me encanta.

20.- ¿Cómo crees que será la poesía cuando los adolescentes sean más adultos, entendiendo que ellos están viviendo un cambio de paradigma cultural?

Opino que no están viviendo un cambio de paradigma cultural, creo que será igual que la poesía de antes y la de después, igual que la poesía de siempre. Creo que la poesía ha sido siempre igual: ha sido la construcción de la historia del corazón humano, el relato de la emoción de los pueblos. No hay más. Con hambre, con guerras, con tiranos, con paz, con felicidad y con honda tristeza, la poesía siempre ha hablado de lo mismo: de quiénes somos nosotros, los de entonces.

21.- ¿Cómo te defines como poeta, más allá del aprendiz?, ¿te sientes influenciado por los clásicos y en tal caso por cuales; o si al contrario te sientes autónomo y en una búsqueda constante de perfeccionar el lenguaje poético?

Creo que los poetas nunca son autónomos. Todos los que escribimos, por muy independientes que nos sintamos, todos y todas estamos dentro de un inmenso río que es la tradición poética (en nuestro idioma, pero también en todos los idiomas). Escribimos desde un lugar, desde unas lecturas… Y mi lugar, claro, es España con una fuerte influencia de la cultura británica y también mi educación en catalán en Ibiza. Lo importante, creo, es que un poeta sea un poeta de su tiempo, que se comprometa a pensar en lo que está pasando y sintiendo en ese momento.

22.- ¿Qué poetas son tus referentes?

En España: Jaime Gil de Biedma; en hispanoamérica (por mencionar uno solo, algo casi imposible), César Vallejo; en norteamerica: Anne Sexton; en Inglaterra: Philip Larkin. Pero todos estos nombres podrían cambiarse por otros, incluso por poetas vivos, claro, y seguiría siendo una lista de referentes indudables.

23.- Cuando terminas de escribir un poema y sientes que le has transmitido toda la emoción que llevabas dentro… ¿sabes en ese preciso instante si el poema llegará al lector y conseguirá emocionar de la misma manera… o… aun siendo ya un poeta consagrado sigues manteniendo esa incógnita?

Es complejo y resulta difícil responder. Quizá deba decir que sí, aunque no sea muy modesto por mi parte afirmarlo. Para matizar, y para no parecer tan arrogante y presumido, diré que no sé si el poema llegará a emocionar al lector hipotético, pero sí que sé si el poema “funciona” o no, sé si he construido un poema fallido o no, porque en eso consiste mi trabajo. Es como preguntarle a un relojero si sabe si el reloj que acaba de ensamblar dará la hora o no, bueno, él sabe que puede dar la hora, otra cosa será si la persona que mira la esfera sabe interpretar la hora o no.

24.- ¿Cómo abordas la traducción? ¿Crees que el traductor deja una mayor impronta en la poesía, en comparación con otros géneros?

A la hora de traducir, parto de una idea sencilla pero poderosa: la traducción es posible. Es decir, no hay que preguntarse si se puede traducir, hay que pensar cómo se puede traducir. Si algo parece imposible de traducir, es que todavía no se ha encontrado la manera. Indudablemente, los traductores y las traductoras de poesía deben reescribir el poema, y su tarea es preservar el mecanismo que da acceso a la combinación de pensamiento y emoción que encierra el poema. Y eso se puede hacer, incluso puede hacerse muy bien, en ocasiones, si hay suerte. En traducción, la suerte juega un papel muy importante, y es algo que, a veces, se nos olvida.

¿Qué quieres decir con ‘suerte’? Lo puedes aclarar un poco más.

Quiero decir que hay elementos que controla el azar, como la combinación de los dos idiomas, de su configuración lingüística, las competencias lingüísticas del traductor, si hace sol, si llueve…

25.- Ahora mismo… ¿sientes ya lo que escribirás en tu próximo poema?

Creo que es necesario sentir primero, y pensar después. Hay que escribir en frío. Creo que Federico García Lorca recomendaba algo parecido y la idea no es, desde luego, novedosa: es necesario procesar la emoción desde la razón, para luego construir una herramienta (el poema) que pueda convocar la emoción desde la razón, desde la lectura.

26.- ¿Qué opinas de los falsos poetas, de los que se creen que juntando letras son maestros de este arte? ¿Crees que un poeta nace o se hace?

Bueno, es complicado definir qué es un falso poeta. Quizá sea más sencillo (y justo) hablar de un falso poema, un poema que no funciona, que no comunica, que no logra convocar una emoción y un pensamiento. Los poemas no se “fabrican” solos, claro, así que cabe preguntarse si los y las poetas nacen o se hacen. Yo creo que se hacen, que se puede aprender a ser poeta. Luego uno será mejor o peor en función de muchos factores que quizá no dependan tanto del aprendizaje, como la intuición y la inteligencia misma, pero un mal poeta también es un poeta, claro.

27.- Para acabar, ¿qué significa para ti la poesía y ser poeta?

Merece una respuesta muy larga, así que ofreceré una muy corta: ser poeta es creer que el mundo no está terminado, que hace falta escribir un poema para completarlo.

No podemos dejar de agradecer enormemente a Ben su tiempo y la maravillosa atención que ha puesto en cada una de sus respuestas. Ha sido un placer leerle y conocer de primera mano su visión de la poesía.

Como solemos decir por aquí, ¡salud y poesía!

© foto Ben Clark con su último poemario publicado: ‘¿Y por qué no lo hacemos en el suelo?’ (Ed. Espasa, 2020).

21 de febrero de 2021